Crítica do filme: 'Viva'

O futuro pertence aqueles que acreditam na beleza de seus sonhos. Pré-selecionada por Cuba para concorrer à disputa ao Oscar 2016 de Melhor Filme Estrangeiro, Viva é um daqueles filmes que vão fisgando nossa atenção aos poucos e que no final nos brinda com uma linda lição de vida e busca pelo sonho.  Dirigido pelo cineasta irlandês Paddy Breathnach, o projeto conta com atuações inspiradas, principalmente de seu protagonista interpretado pelo jovem ator cubano Héctor Medina. 

Nessa grata surpresa, que estreia nos cinemas brasileiros no próximo dia 01 de dezembro, conhecemos a história de Jesús (Héctor Medina), um jovem que ganha a vida como cabeleireiro e sonha se tornar uma grande estrela do show de transformistas de um clube de Havana comandado por Mama (interpretado pelo excelente Luis Alberto García). Certo dia, após conseguir sua chance depois de uma audição, durante seu primeiro show, é agredido por um homem bem mais velho que se revela seu pai, de quem não tem notícias desde os 3 anos de idade. A partir desse inusitado encontro, ambos precisarão equilibrar suas diferenças e tentar ter uma relação verdadeira de pai e filho. 

Selecionado para o prestigiado Festival de Sundance, Viva fala sobre amores, preconceitos sonhos e família. Cada um desses tópicos são abordados pelo roteiro de maneira bastante profunda. No primeiro ato, uma apresentação encovada do protagonista, logo criamos uma empatia pelo personagem, fruto talvez da impressionante atuação de Medina. No segundo ato, o filme parecia que ia se perder com subtramas pouco exploradas e personagens buscando seu entendimento mas logo se chega nos atos seguintes onde segredos são revelados e o protagonista mostra seu amadurecimento, deixando a conclusão com fortes cargas de emoção. 

Um sonho fala mais alto que qualquer preconceito. O desenvolvimento do protagonista é impressionante. Outrora fraco, sem ambições e completamente perdido do que fazer com sua vida, se torna um ser humano mais forte, quebra preconceitos e esfrega na cara de todos que quando sonhamos e acreditamos, com a ajuda de terceiros ou não, chegamos onde queremos. Viva vale o ingresso. Não percam!

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Crítica do filme: 'A Chegada'

O primeiro pecado da humanidade foi a fé; a primeira virtude foi a dúvida. Chegou aos cinemas brasileiros na última quinta-feira (24), o mais novo trabalho do excelente diretor canadense Denis Villeneuve, A Chegada. Misturando uma teoria bastante lógica com um universo imaginativo nooliano (em referência ao também genial diretor Christopher Nolan), o filme consegue prender a atenção do público do início ao fim em base de um roteiro brilhante assinado Eric Heisserer que se baseou no conto Story of Your Life, do escritor Ted Chiang, que venceu famosos prêmios dedicados à literatura de ficção científica. Além de tudo isso, o elenco da um grande show em cena, principalmente a atriz Amy Adams, fortíssima candidata a uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz na próxima cerimônia do Oscar.

O filme de abertura da edição desse ano do Festival do Rio de Cinema, conta a história de uma renomada especialista em linguística, a Dr. Louise Banks (Amy Adams) que é convocado pelo exército norte americano a fazer parte de uma operação especial quando alguns objetos enormes desembarcam na Terra, trazendo caos e insegurança ao planeta. Juntamente com o físico teórico Ian Donnelly (Jeremy Renner), Louise tentará a todo custo se comunicar com os alienígenas usando regras básicas de alfabetização. Lutando contra o tempo, pois os militares de todo o mundo só pensam em atacar os objetos voadores, Louise tentará provar que talvez eles não estejam ali para destruir a humanidade.

O que mais impressiona nesse impecável projeto - sem dúvidas já podemos considerar esse como um dos melhores filmes do ano – é a harmonia e a racionalidade argumentativa das teorias aplicadas no longa metragem. Grandes partes das peças do quebra-cabeça são jogadas em loops de linhas temporais que flutuam em falsas linearidades óbvias. Explorando o campo da teoria linguística e mais precisamente a hipótese de Sapir-Whorf, A Chegada é simplesmente fascinante em cada cena e possui um final arrebatador que podem deixar muitos de boca aberta. Tudo faz muito sentido no filme, o tempo todo, mesmo assim sobram espaços para surpresas. É o filme de ficção científica mais humano e racional dos últimos tempos. Até quando pensamos na necessidade de alguns blockbusters tem pelo clichê, que nesse filme, falando mais claramente da historinha de amor que nasce entre a física e a linguística, A Chegada consegue compor com maturidade e serenidade. 

Denis Villeneuve se consagra mais uma vez como um dos melhores diretores de sua geração e de quebra coloca Amy Adams como uma das favoritas a estatueta dourada mais famosa das premiações de cinema, que atuação fantástica dessa boa atriz. Nunca um ingresso esse ano valeu tanto a pena. Você não pode perder! Bravo!

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Crítica do filme: 'Man vs Snake: The Long and Twisted Tale of Nibbler'

O sucesso é uma consequência e não um objetivo. Um dos bons documentários que podemos conferir no excelente acervo da Netflix esse ano é o curioso documentário Man vs Snake: The Long and Twisted Tale of Nibbler que basicamente fala sobre um jovem que na década de 80 conseguiu chegar aos incríveis 1 bilhão de pontos em um famoso jogo de uma cobrinha, febre nos fliperamas mundiais décadas atrás. Construindo e desconstruindo um personagem real, cheio de problemas sociais e de vida pacata, um dos grandes méritos dos diretores Tim Kinzy e Andrew Seklir é dar luz aos conflitos existenciais de um homem perto dos 40 anos mas com páginas não completas de sua trajetória. 

Na trama, acompanhamos a história de Tim McVey, um homem casado que trabalha em uma fábrica numa cidadezinha no interior dos Estados Unidos que no passado conseguiu uma incrível marca um famoso fliperama da época, o Nibbler, passando quase 2 dias de frente ao console para chegar a marca. Depois de alguns anos, Mcvey descobre que um outro jogador, na Europa, o italiano Enrico Zanetti conseguiu superar sua marca e agora, depois de velho e com uma rotina sedentária, busca mais uma vez ser o grande campeão desse jogo. O documentário acompanha Tim nessa busca desenfreada pelo seu título, seus conflitos internos, sua relação de amor com sua esposa que sempre o apoia e a opinião de grandes jogadores do passado, além, de um raio x/paralelo importante entre os jogos/jogadores mais antigos e o desenvolvimento da indústria dos games no mundo de hoje.

Um homem pacato, que possui uma má alimentação, poucos exercícios físicos e se satisfaz com a vida pacata que leva ao lado de sua esposa no interior dos Estados Unidos. Tim McVey é fruto de uma comodidade de uma parcela de pessoas que moram nos Estados Unidos por ser considerado um país de primeiro mundo. A pergunta que fazemos logo no início do bom documentário é como foi a vida de Tim após seu grande feito no universo dos games? Ele se desenvolveu como pessoa? Abriu portas para melhores empregos? Nada disso. O paralelo fica até mais claro quando o documentário vai a fundo no desenvolvimento do outro campeão de Nibbler, o italiano Zanetti, que se desenvolveu bastante não só no aspecto mental mas no aspecto social. Mas na verdade, qual a importância de conseguir mais de um bilhão de pontos em um jogo de vídeo game?

A analogia entre passado e presente dos jogos eletrônicos ganha contornos rasos mas interessantes. Hoje, em um mundo com tanta tecnologia de interação social, principalmente online, jogos de fliperamas foram ficando para trás. Através da história do protagonista vamos conseguindo entender os fatores sociais influentes e consequentes de quem viveu em uma época que ter uma ficha e jogar durante horas era algo comum.  Man vs Snake: The Long and Twisted Tale of Nibbler é um documentário que traz luz de forma interessante em cima de argumentações sobre a intensa relação de jogos e jogadores.

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Crítica do filme: 'Ordinary World'

Qual seria a sua idade se você não soubesse quantos anos você tem? Depois de duas aparições em duas produções, Bem-Vindo aos 40 (2012) e Um Domingo de Chuva (2014), o conhecido vocalista da banda Green Day, Billie Joe Armstrong estrela seu primeiro filme como protagonista e para surpresa de muitos interpreta com muita naturalidade um personagem pra lá de melancólico e com suas crises de meia idade. Escrito e dirigido pelo ainda pouco conhecido cineasta Lee Kirk, Ordinary World possui mais coisas positivas do que negativas.

Na trama, conhecemos o ajudante de uma loja de construção Perry (Billie Joe Armstrong), um homem que está chegando aos 40 anos de idade, é casado com Karen (Selma Blair) com quem tem dois filhos. Perto do seu aniversário, Perry é fisgado por sentimentos nostálgicos de quando era um vocalista de uma banda de rock e idolatrado pelos colegas, assim, resolve, em plena terça-feira de tarde promover uma festa em uma suíte presidencial e a partir das conseqüências da mesma as lacunas de sua própria identidade vão começando a aparecer.

Sem previsão para chegar nos cinemas brasileiros, Ordinary World até certo ponto chega a ser surpreendente pela maneira corajosa e criativa de expressar a naturalidade das ações de muitos de seus personagens. Há um carisma evidente na figura de Billie Joe Armstrong como um papel meio nerd, de óculos, que adora deixar o cabelo desarrumado e tocar seu violão. O roteiro é bastante eficaz no molde e montagem de características do protagonista principalmente porque há semelhanças entre personagem e intérprete nesse caso. As canções, muito bonitas por sinal, que compõem parte da trilha do filme foram assinadas pelo próprio Billy Joe, o que deixa a parte sonora do filme um complemento eficiente.

De negativo, entre alguns pontos e outros, não fica muito bem definida a estrutura emocional de Perry com sua família, principalmente o seu vínculo amoroso com sua esposa. Quando focam na crise de meia idade, esquecem um pouco de estruturarem essa relação, o que deixam lacunas abertas e que completamos com criatividade a partir das conseqüências que vemos no clímax da história.Mesmo assim,  Ordinary World é um pequeno achado na galeria de inúmeros filmes norte americanos de menor porte.  Vale a pena conferir!

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Crítica do filme: 'Sully: O Herói do Rio Hudson'

Se o herói mudasse, se tornaria uma nova historia. Dirigido pelo mestre Clint Eastwood, baseado em fatos reais e em memórias do livro Highest Duty: My Search for What Really Matters, de Chesley ‘Sully’ Sullenberger e Jeffrey Zaslow, Sully: O Herói do Rio Hudson é um daqueles filmes que fisgam a gente não só por ter um final feliz mas pelas grandiosas interpretações de seus artistas, principalmente do protagonista, interpretado pelo cotadíssimo ao Oscar Tom Hanks. Muito bem embasado, muito bem dirigido, o longa-metragem explora todo o contexto de um dos atos heróicos mais vivos na memória dos norte americanos nos últimos anos.

Na trama, conhecemos a história do incrível do pouso heróico no Rio Hudson de um avião nos Estados Unidos, com lotação, e todos escapam ilesos. Analisando todo o contexto do acidente, e os problemas sucessivos logo após a decolagem, o longa metragem faz um completo raio-x também do comandante do avião, o piloto Chesley 'Sully' Sullenberger (Tom Hanks) e toda a burocracia que ele e o co-piloto Jeff Skiles (Aaron Eckhart) para provar que a melhor decisão foi a tomada.

Em 95 minutos de filme, Clint e Cia conseguem apresentar argumentos muito bem expostos para o público sobre tudo que girou em torno desse pouso emblemático. As investigações sobre o acidente, a conturbada exposição na mídia sobre o ocorrido, o título de herói e os conflitos emocionais do protagonista perante ao mundo, a rasa mas eficaz apresentação de um passado de longos vôos de Sully ao longo de 42 anos de experiência. Tudo no filme é apresentado de maneira muito clara ao espectador. O projeto é tão bom quanto o ótimo O Vôo com Denzel Washington que fora lançado recentemente, as produções tem algumas semelhanças. 

A interpretação de Hanks é simplesmente fantástica. Sem sair um minuto de seu complexo personagem, traumatizado pelo recente acidente, de fala mansa e sem muitos trejeitos, o duas vezes ganhador do Oscar usa e abusa de sua habilidade de convencer ao público de que ele é sim um dos melhores atores da história do cinema. Seu Sully se torna mais um na sua coleção de diversos grandes papéis na telona. 

Sully: O Herói do Rio Hudson, que estreou nos cinemas norte americanos em setembro, tem previsão para estrear somente em dezembro nos cinemas brasileiros e sem dúvidas é um daqueles filmes que você não pode perder.

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Crítica do filme: 'Homens de Coragem (USS Indianapolis: Men of Courage)'

Se quiser sobreviver e ser feliz, você precisa treinar, trabalhar e viver em equipe. Contando uma história real que ocorreu na segunda grande guerra, o ator e diretor mexicano Mario Van Peebles traz para as telonas um filme bastante água com açúcar, que possui apenas algumas boas partes e se prejudica com os excessos de clichês que obviamente atrapalham demais o andamento da história. Protagonizado pelo ator Nicolas Cage (um dos recordistas, ano pós ano, de atuações em filmes medianos para ruim), podemos dizer até que Nick dessa vez não atrapalha, Homens de Coragem (USS Indianapolis: Men of Courage) poderia ser um filme melhor do que é, tinha um bom potencial. 

Na trama, baseada em fatos reais, ambientada durante a Segunda Guerra Mundial, por volta de meados de 1945, conhecemos o capitão da marinha Charles Butler McVay (Nicolas Cage), o grande comandante do imenso navio de guerra USS Indianapolis. Quando Mcvay recebe uma ordem irrecusável do alto comando da marinha norte americana, transportar componentes de uma bomba nuclear sem escolta, sua enorme tripulação acaba sendo um alvo fácil para os temidos submarinos japoneses no mar das Filipinas. E não acontece diferente, um torpedo japonês atinge em cheio o USS Indianapolis e toda a tripulação que sobrevive ao ataque precisará de muita força, sorte e coragem para esperar o resgate em um mar repleto de tubarões. Dos 1196 tripulantes do USS Indianapolis, 300 morreram no ataque e apenas 317 pessoas se salvaram.

Um dos pontos negativos da trama é a falta de profundidade dos personagens, principalmente de seu protagonista. A trama é um pouco acelerada e vários pontos passam sem muita explicação, o que dificulta o público a entender melhor o seu contexto histórico. O filme ganha contornos emocionantes quando passa a focar nas batalhas de pensamento que acontecem quando a tripulação, totalmente dividida, está em alto mar flutuando em boates minúsculos e com grande medo dos ataques dos tubarões. O filme cresce nesse momento. 

A honra é, objetivamente, a opinião dos outros acerca do nosso valor, e, subjetivamente, o nosso medo dessa opinião. Seguindo na linha desse pensamento do filósofo alemão Arthur Schopenhauer, o longa metragem em questão acaba mostrando um paralelo sobre a honra bem definido no encontro final entre o militar japonês que abateu o grande navio norte americano e o capitão McVay já na corte jurídica imposta para analisar o conflito durante a guerra. De longe a parte mais profunda e bem definida da trama.

Sem previsão de estreia nos cinemas brasileiros, fato que deve ser muito difícil de acontecer, Homens de Coragem (USS Indianapolis: Men of Courage) possui seus méritos mas no final das contas, e comparando com outras grandes obras do gênero, acaba sendo mais um filme que será esquecido, rapidamente, sobre a Segunda Guerra Mundial.

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