Crítica do filme: 'Operação Beijo de Natal'

Oh oh oh! Pertinho de dezembro, mais um filme natalino alcança ao top 10 da Netflix. Desta vez, é a produção Operação Beijo de Natal, dirigido por Bradley Walsh, que, com seus pouquíssimos personagens regados a sorrisos e situações pouco conflitantes, preenche uma trama que se joga em uma narrativa acelerada cheia de fofurismos, mostrando passado e presente se reencontrando.

Nessa tentativa de ‘conto de fadas moderno’, muito guiada pela ingenuidade de um encantamento de um grande amor num lugar onde todo mundo se conhece, os dilemas ressoam apenas na superfície. Tudo é prático, possível, preparando o terreno para um clímax desencontrado, meloso, com protagonistas correndo de qualquer carisma.

Na cidade gelada de Ivy Glen, Grace (Jen Lilley) está radiante com a chegada do Natal, já que sua empresa de decoração e design – onde trabalha com o irmão e a melhor amiga - foi escolhida para ser a responsável por uma atração badalada da cidade. Com os preparativos acontecendo, Grace é surpreendida pelo retorno do seu ex-namorado, Ryan (Nick Bateman), que se tronou um homem bem-sucedido em Nova Iorque. Se aproximando cada dia mais, essas duas almas vão precisar tomar decisões importantes sobre o futuro.

Chegamos, em algum momento da vida, à conclusão de que nosso trabalho consumiu boa parte de nossa história, deixando de lado outras questões importantes. Você vai enfrentar isso alguma vez na sua trajetória. Esse sentimento, que pode surgir assistindo a esse filme, é um dos poucos elementos que criam elos eficazes dentro dessa história - mesmo que correndo para o previsível.

Ah, Rapha, mas vale pelas doçuras do espírito natalino? Alguém pode até achar interessante se o filme tocar dessa forma, afinal, nessa época de dezembro estamos sempre com o coração mais sensível, e qualquer ar de nostalgia acaba chamando nossa atenção. Mas, como uma obra cinematográfica, que se propõe a ser uma parábola encantada – mesmo sem magia - Operação Beijo de Natal apenas embala um soninho gostoso.

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Pausa para uma série: 'O Monstro em Mim'

Colocando em evidência a psicopatia e os dramas pessoais ligados por tragédias, chegou à Netflix uma minissérie cheia de caminhos para sua compreensão que nos leva até um jogo psicológico sombrio e inquietante. Escrita pelo nova-iorquino Gabe Rotter e tendo como showrunner Howard Gordon – da equipe do excelente Homeland -, O Monstro em Mim, ao longo dos seus intensos oito episódios, conta com atuações marcantes de Claire Danes e Matthew Rhys.

Aggie (Claire Danes) é uma escritora de sucesso que, após a morte do único filho, vê sua vida desmoronar. Sentindo-se culpada e não se desprendendo de procurar culpados para a tragédia, destrói seu casamento e passa a viver reclusa. Um dia, muda-se para sua vizinhança o polêmico e ambíguo empresário Nile (Matthew Rhys), acusado anos atrás de assassinar a própria esposa. Ao se aproximar dele, começa a desconfiar de algumas ações e resolve escrever um livro sobre ele, ao mesmo tempo que busca informações sobre se ele matou ou não a ex-esposa.

Desde o início, em uma bela construção narrativa, percebemos que a tragédia é uma variável importante e que ligaria pontos entre dois personagens completamente distintos. Com uma ótima direção dividida entre Antonio Campos e Tyne Rafaeli - onde a câmera caminha pelos detalhes sugerindo de forma indireta todo o complexo contexto ligado a incoerências e comportamentos - vai sendo modelado um thriller inquietante, que provoca o público e fisga a atenção.

Para quem gosta de tudo mastigado, esta é uma obra para se ter paciência: nada é diretamente proposto, há um caminho profundo para se chegar nas revelações. A série esquenta a partir do terceiro episódio, com os dramas familiares já desenvolvidos – leia-se a culpa e o luto -, além de uma trama política que faz todo sentido no alicerce do discurso que o roteiro propõe. Com o inconsciente se manifestando – um prato cheio para fãs de Freud – estabelece-se um tabuleiro de xadrez, com acertos e erros.

O roteiro se arrisca o tempo todo nas nuances de apresentar o fator psicológico – um caminho cheio de espinhos que respinga na narrativa. Esse acaba sendo um dos grandes méritos da obra: com seu bom desenvolvimento dentro dessa psicologia dos personagens, onde valores, motivações e medos se manifestam, moldando modos de agir, logo chegando aos desvios morais, sem esquecer de apresentar as vulnerabilidades.

O Monstro em Mim foge de qualquer ingenuidade ou dos desencontros que uma fluidez narrativa poderia provocar. Seu objetivo é apresentar o ‘monstro dentro das pessoas’, como se expressa externamente e no subconsciente. Ao se jogar nas complexidades - com dois excelentes protagonistas ditando o ritmo das ações - avançamos nos graves descompassos da personalidade humana, em uma incursão profunda no oculto da mente, onde a moralidade hipócrita se manifesta.

 

 

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Crítica do filme: 'Um Natal Ex-pecial'

Foi aberta a temporada de filmes natalinos! Dezembro chegando e mais um ano ficando para trás, os streamings recebem a chegada de novos títulos que vão nos fazer refletir sobre esperança e reconciliações - tendo a força sentimental do período de união que acompanha o Natal. Alguns projetos, tendo esse elemento central, acabam se parecendo bastante, geralmente transitando entre a comédia, romance e o drama. E um deles, que acabou de chegar à líder dos streamings, não foge muito disso.

A Netflix largou na frente e já colocou em seu catálogo o longa-metragem Um Natal Ex-pecial, protagonizado por Alicia Silverstone. A produção busca refletir sobre o sentido de família de forma cômica, sem se distanciar de exageros e clichês, mas toca num ponto que é bem desenvolvido durante toda a narrativa: a sustentabilidade. A partir de uma carismática protagonista, vamos percorrendo os dilemas, dores de amor, sentimentos e leves conflitos em algumas situações que não se distanciam muito da realidade - definindo essa obra como um filme caricato pé no chão.

Kate (Alicia Silverstone) é uma mulher criativa que abriu mão das oportunidades na carreira de arquiteta para se casar com o médico Everett (Oliver Hudson) e se mudar para uma cidadezinha no interior dos Estados Unidos. O tempo passou, o casal teve dois filhos, que já cresceram, e agora Kate se encontra de frente com um iminente divórcio. Nunca se distanciando do desejo de ir atrás do seus sonhos profissionais, durante o natal, situações a farão refletir sobre sua família e seu casamento.

Mesmo sendo um filme de excessos, com algumas bobeiras que tentam ser atrativas (mas não são), a obra encontra um norte através de um bom desenvolvimento de sua protagonista e seu espírito pró-sustentável – uma postura que deixa ótimas mensagens. A produção foge de conflitos mais profundos, sua construção é em cima do olhar dela para todo aquele período: passando pelas surpresas do novo romance do provável futuro ex-marido (daí a brincadeira com o título), à relação próxima com os filhos – dentro de um sentido de nostalgia e pelos conflitos emocionais gerados pelas escolhas que fez até aquele presente. 

Misturando as situações cômicas com o espírito natalino – englobando um grande mix de sentimentos que essa data desperta – Um Natal Ex-pecial é o famoso filme água com açúcar: um passatempo agradável, um pouco longe de ser especial.

 

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Crítica do filme: 'Caso Eloá: Refém ao Vivo'

Outubro de 2008, em Santo André, São Paulo, a jovem Eloá Pimentel recebia alguns amigos em casa para realizar um trabalho do colégio. Minutos depois, seu ex-namorado, Lindemberg Alves, invade o lugar e faz todos os presentes reféns. Ao longo de 100 horas de terror e incertezas – marcadas por um absurdo circo midiático presente e forças policiais cometendo erros inadmissíveis, como a inaceitável autorização para que uma refém retornasse ao cativeiro -, uma tragédia imperdoável aconteceu.

Em cerca de 90 minutos, Caso Eloá: Refém ao Vivo busca, em uma ágil cronologia dos fatos nos dias de cárcere privado, uma reconstituição detalhada de tudo o que aconteceu nas 100 horas de horror – de fora para dentro -, tendo como foco o entorno da situação, especialmente o papel da mídia e nas ações policiais. Com imagens reais do ocorrido, depoimentos de integrantes da força policial – incluindo o primeiro negociador a falar com o criminoso -, alguns dos reféns sobreviventes, a família da vítima e repórteres que estiveram nessa cobertura, além de textos reais do diário da vítima, esse chocante documentário volta 17 anos atrás ainda provocando reflexões sobre a nossa sociedade.

Nesse True Crime - um dos mais chocantes do século XXI, em grande parte pela exposição promovida por coberturas jornalísticas sensacionalistas (até entrevista com o criminoso fizeram) –, a banalização da situação e a guerra por audiência ganham fortes olhares. Detalhe marcante de tudo que envolveu esse sequestro é esse papel vergonhoso de parte da mídia, que, ao romantizar o crime passional, transformou o caso em uma espécie de reality show macabro. Essa postura nunca foi esquecida – e ainda causa indignação até hoje.

Como um profissional pode considerar viável ligar para um criminoso e realizar uma entrevista no meio de uma negociação policial? Como algo assim foi permitido? Vale tudo pela audiência? Essa exploração emocional da notícia - para atrair o público e, muitas vezes, transformar o criminoso em protagonista -, é algo imperdoável e que, entre outras questões, fere profundamente a ética da profissão.

As ações e procedimentos policiais também alcançam detalhes. Uma série de equívocos cometidos por pessoas que deveriam zelar pela segurança da vítima, mas se mostraram cada vez mais perdidas, tornando a situação imprevisível – uma verdadeira mancha na segurança pública brasileira. Não é à toa que essa situação acabou gerando mudanças em ações policiais futuras e em atualizações nos protocolos de gestão de crise.

O que dilacera nessa história é o sofrimento vivido por Eloá – retratado principalmente por meio dos relatos de quem a conhecia e esteve próximo de tudo o que aconteceu -, além da dor de uma família marcada para sempre por essa tragédia. Essa narrativa angustiante vai direto ao ponto a que se propõe: não aponta o dedo pra ninguém, mas, como toda boa obra documental, busca levantar questões que provoquem reflexões em todos nós.  

 

 

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Pausa para uma série: 'O Naufrágio do Heweliusz'

Era o início do ano de 1993, na Polônia. O enorme cargueiro MS Jan Heweliusz, construído no final da década de 1970, se preparava para mais uma jornada atravessando o Mar Báltico. A bordo, mais de 60 pessoas – entre passageiros e tripulantes. Durante uma manobra arriscada – mas necessária diante das condições que se estabeleceram –, a embarcação começou rapidamente a afundar, se tornando um dos maiores desastre marítimos europeus.

O Naufrágio do Heweliusz, nova minissérie da Netflix, dirigido por Jan Holoubek e roteiro assinado por Kasper Bajon, chega para jogar luz sobre essa tragédia, mostrando de forma detalhada o antes, o durante e o depois, reunindo fatos que se juntam para uma explicação complexa sobre o que realmente aconteceu em uma madrugada que ficaria marcada na história.

Desde os problemas estruturais de um navio que precisava de manutenção constante e o atraso na partida, até uma corrente de situações que se somaram para se chegar à catástrofe, essa ficção retrata de forma impressionante questões que se desenrolaram na realidade. A dor das famílias, a luta pela sobrevivência em águas geladas atingidas por uma tempestade violenta, as questões políticas e militares que estavam presentes e um polêmico julgamento compõem uma história cheia de conflitos e emoções.

O que mais chama a atenção nessa produção é o equilíbrio entre seus cinco episódios, que vão da terra ao mar caminhando por uma porção de tensões. Você se vê preso nessa história do início ao fim, com poucas pontas soltas - fruto de um roteiro muito bem construído, que conduz o público por diversas perspectivas, e seus dilemas morais, sem perder o ritmo.

A narrativa dilacera as emoções através das histórias que correm em paralelo dos muitos personagens. É tudo muito angustiante! As cenas no navio são impressionantes, somado a atuações maravilhosas de um talentoso elenco que enriquece a obra. Vale o destaque também para o competente departamento de arte, trazendo concepções visuais impactantes, e para a fotografia assinada por Bartlomiej Kaczmarek, que constrói sua identidade através do luto, do desespero, da indignação e de emoções conflitantes.

O Naufrágio do Heweliusz chegou à líder dos streamings nesse início de novembro e logo alcançou ao Top 10 de séries da plataforma. É uma megaprodução, com roteiro preciso e diálogos incisivos e marcantes, que contou com mais de 3.000 figurantes. Vai por mim: você vai querer maratonar!

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Crítica do filme: 'Manga'

Sem pretensões de ser algo além de uma simpática comédia romântica que vai de encontro a uma ingenuidade da previsibilidade, chegou à Netflix, nesse início de novembro, uma produção dinamarquesa que busca no superficial reflexões sobre o lado existencial de dois personagens em conflito. Manga, dirigido por Mehdi Avaz, segue uma receita de bolo – como tantas outras produções – virando um passatempo sem ambições maiores, mesmo com personagens carismáticos.

Lærke (Josephine Park) é uma mulher que busca os próximos passos no ramo hoteleiro. Mãe da jovem Agnes (Josephine Højbjerg), ela nunca consegue arrumar tempo para a filha. Focada em uma nova missão determinada pela chefe, Joan (Paprika Steen), ela parte para Málaga com o objetivo de convencer o viúvo Alex (Dar Salim) a vender suas valiosas terras, que abrigam uma enorme plantação de mangas. Tudo que ela não esperava era se apaixonar por ele.

A narrativa busca nas surpresas do destino seu fôlego, construindo contrastes que vão da alegria aos dilemas, das dores do passado às incertezas do futuro – norteada por um positivismo, traço marcante de muitas produções românticas. Com um cenário deslumbrante de pano de fundo, amplificações de emoções são vistas com uma composição de cores que expressam o desejo e a paixão, também por diálogos que expõem os clichês.  

Mesmo sendo superficial e não rompendo camadas, o roteiro busca alguns caminhos para mostrar as aflições e correr desesperadamente para o intenso de um amor avassalador. Dois personagens de meia-idade enfrentam os conflitos de suas trajetórias até ali: uma mãe workholic e um empreendedor se enrolando em dívidas. O amor surge como uma oportunidade de entender o mundo de outra forma - dentro de um sentido existencialista, onde a responsabilidade e a angústia vem antes de qualquer construção de quem são como seres humanos.

Não sei se há alguma metáfora no sabor doce e no aroma intenso da conhecida fruta tropical que dá título à obra. Talvez seja uma possibilidade de refletir sobre o amadurecimento. Nesse caso, realmente se encontra conexões para se pensar sobre o tempo como um elemento importante para os próximos passos que todos nós, algum dia, temos que dar.  

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Crítica do filme: 'A Mulher da Fila'

Apresentando um recorte sobre a relação de fora para dentro - focado nos familiares de condenados por delitos que cumprem pena em regime fechado em uma prisão da Argentina - o longa-metragem argentino A Mulher da Fila costura sua ficção a partir de uma base inspirada em fatos reais, ocorridos há duas décadas, sobre uma mulher que viu seu mundo desabar com a prisão do filho mais velho e precisou se adaptar à situação.   

Em uma narrativa densa, que explora questões sociais e também morais em um núcleo familiar marcado por perdas, o projeto confronta a dor e o choque emocional para uma desconstrução, sendo pouco efetivo na amplitude que propunha a perspectiva do discurso. Não há camadas para o reeducar e o reinserir; prefere-se o olhar para a decepção, além de um contexto amoroso que, no desfecho, percebemos ser o principal objetivo da trama.   

Andrea (Natalia Oreiro) é uma mulher batalhadora e viúva, uma mãe carinhosa que vive em um bairro de classe média com os três filhos. Um dia, é surpreendida com a prisão do filho mais velho, Gustavo (Federico Heinrich). Tendo que se adaptar a essa situação, ela passa a visitá-lo sempre que pode na prisão, onde acaba conhecendo outras mulheres em situação semelhante e também um outro detento, Alejo (Alberto Ammann), de quem se aproxima cada dia mais.

As burocracias do sistema judiciário, aqui com o olhar para as leis argentinas, ganham um bom espaço, principalmente quando pensamos no processo e sua efetividade. Sem adoção do jurisdiquês e com o olhar quase sempre na protagonista, caminhamos por dilemas de uma mãe que precisa acessar a ruptura dos seus valores chegando até uma crítica institucional – mesmo em camadas superficiais. Vale dizer que esse olhar também é expandido com breves retratos de outras mulheres que frequentam a mesma fila.

Uma questão que pode gerar debates é a romantização de uma situação – neste caso, o crime cometido pelo filho - algo que pode chegar na conclusão de muitas pessoas. Há uma linha tênue entre o emocionalmente envolvente e o moralmente questionável: o roteiro adiciona ficção a um fato que pode deixar essa linha balançada. Na vida real, o filho de Andrea foi totalmente inocentado, sem nenhuma participação no crime do qual foi acusado, diferente do que acontece no filme. Esse detalhe abre margens para algumas interpretações.    

Dirigido por Benjamín Ávila, A Mulher da Fila conta com uma atuação visceral da atriz uruguaia Natalia Oreiro. Disponível na Netflix, o filme busca nas dores de uma forte protagonista apresentar a resiliência materna e as novas forma de enxergar o mundo ao seu redor, a partir de um choque de realidade.

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Crítica do filme: 'Balada de um Jogador'

Chegou à Netflix uma obra desafiadora, que não é uma narrativa de compreensão trivial, buscando associar a conturbada instabilidade emocional de um protagonista em processo de autodestruição a elementos que desafiam a lógica de tempo e espaço. Dirigido pelo excelente cineasta suíço Edward Berger – indicado ao Oscar e que já apresentou ao público os ótimos Conclave e Nada de Novo no Front -, Balada de um Jogador é um projeto ‘fora da caixa’, ousado e, ao mesmo tempo, criativo que desafia o público ao longo dos 100 minutos de projeção.

Se você curte filmes de fácil assimilação, essa é uma obra que você pode não gostar – mas vale o desafio. Dentro de um enredo algumas vezes desconexo caminhando ao imprevisível, com cores vibrantes acenando à sensação de delírio, segue a desorientação de um personagem central apresentando seu estado de espírito e reagindo ao que acontece ao seu redor. O projeto, que teve exibições no Festival do Rio antes de chegar à líder dos streamings, conta com uma ótima atuação de Colin Farrell.

Lord Doyle (Colin Farrell) é um apostador completamente impulsivo que está em Macau –região com impulsos econômicos ligados aos jogos de azar, também conhecida como Las Vegas da Ásia -, passando os dias jogando bacará sem parar e se afundando na própria ruína. Quando percebe que seu passado o alcançou por conta das inúmeras dívidas que possui em outros cantos do mundo, ele conhece Dao Ming (Fala Chen), uma mulher misteriosa que pode ter algumas soluções para seus problemas.

Baseado na obra The Ballad of a Small Player, do autor britânico Lawrence Osborne, esse longa-metragem se decifra de inúmeras formas tendo um ‘start’ quando se percebe uma junção de lições morais por meio de parábolas sobre uma difícil redenção. Dentro dessa questão existencial, se desenrola uma trama cheia de sugestões que se confundem entre sonho e realidade. Esse é um filme para estar aberto a possibilidades - bem longe do convencional.

Muito parecido com a premissa de filmes como Despedida em Las Vegas, que usam a autodestruição como escudo para mensagens diretas e indiretas, Balada de um Jogador é um projeto arriscado - daqueles de dividir opiniões. Instiga o público a sair de zonas de conforto, mas se confunde nas suas próprias estranhezas.

 

 

 

 

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Pausa para uma série: 'A Agente'

Muito bem amarrada em episódios bem distribuídos, dentro de uma narrativa repleta de inquietações e provocações, chegou sem muito alarde à Netflix uma série que caminha a passos largos pela mente da polícia e criminosos em um confronto pelas perdas emocionais. A produção dinamarquesa A Agente é muito mais que uma obra que rompe camadas para apresentar um iminente confronto - dilacera os dilemas sobre o certo e o errado de forma contundente, deixando reflexões por todos os lados.

Tea (Clara Dessau) é uma jovem solitária que, após um passado cheio de questões, resolve ingressar na academia de polícia. Pouco tempo depois, é chamada para um operação secreta em que precisa se infiltrar na rotina do líder criminoso Miran (Afshin Firouzi) através da esposa dele, Ashley (Maria Cordsen). Correndo contra o tempo em busca de informações, aos poucos vai encontrando dilemas pelo caminho.

O enredo, com seu clima emocional sem excessos, busca o sentimento predominante de tensão através de histórias que se interligam em dois lados apostos da lei. Do drama ao suspense, essa costura em forma de narrativa é sustentada por uma série de personagens com intenções incertas, e suas dificuldades de se firmar valores morais. Tudo isso é mostrado de forma equilibrada dentro das ações e consequências - mérito de um roteiro que sugere muitos olhares para reflexões.

Nessa montanha-russa de emoções, as oscilações de sentimentos acabam sendo um elo que interliga os personagens, formando um triângulo de diferentes pontos de vistas. Um criminoso, ao ver o cerco se fechar, justifica somente para si suas ações até ali, num egoísmo que resvala na família que construiu. Sua esposa, descompromissada com as verdades que rondam sua rotina. passa por uma processo de desconstrução em tudo que acredita. Já a policial protagonista enxerga além da justiça, colocando nas justificativas de suas ações um caráter ético-filosófico, avaliando a culpa de forma proporcional.

Em seis episódios, essa minissérie – que, a princípio, tem começo, meio e fim mas quem abe não ganha uma segunda temporada - fica longe das pontas soltas e apresenta alguns olhares para uma situação que envolve família, escolhas e culpabilidade. A partir do foco na protagonista, acessamos camadas familiares por meio de uma esposa que se vê perdida entre os laços familiares e um novo despertar para sua vida até aquele ponto. Esse é um projeto que utiliza de forma eficiente o Cliffhanger, despertando o desejo de uma maratona ininterrupta como a escolha certa do público.

 

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Crítica do filme: 'Ataque 13'

Apresentando um terror que abre espaço para reflexões sobre os tratos sociais, chegou na Netflix um longa-metragem tailandês que coloca o bullying no centro de uma trama onde pesadelos, assombrações e rituais ligados ao sobrenatural ganham forma através de jovens personagens em conflito, explorando também o anti-heroísmo. Nem tudo funciona com consistência – há pontas soltas no roteiro -, mas um plot twist totalmente inesperado na sua parte final entrega novos sentidos às ações e consequências.

Dirigido por Taweewat Wantha, com roteiro assinado por Thammanan Chulaboriruk, Ataque 13 busca romper camadas que, em um primeiro momento, parecem adormecidas na superfície, mas que logo se apresentam como boas críticas sociais - mesmo com o foco em ir de encontro com a tensão a todo instante, através do macabro, das invocações de espíritos e possessões.

Jin (Korranid Laosubinprasoet) chega a um novo colégio, onde Bussaba (Nichapalak Thongkham) toca o terror, fazendo bullying com outras meninas. Dividindo a quadra nos treinos de vôlei, as duas logo se tornam inimigas juradas. Após uma série de conflitos, Bussaba é encontrada morta na quadra do colégio. Dias depois, seu espírito retorna para aterrorizar Jin e suas amigas.

A dificuldade de socialização e a baixa autoestima - consequências do bullying - são bem explorada pela narrativa, talvez o ponto de maior relevância da obra. Como esse é um assunto de muitos cotidianos, a premissa funciona, nos levando para a gangorra entre o drama e o terror. Nesse segundo momento, com ajuda dos efeitos especiais e um uso excessivo de ‘jump scares’, nos deparamos com o sombrio e o inexplicável, através de uma trama que vai se revelando aos poucos.

Para você que gosta de levar uns bons sustos, Ataque 13 vai cumprir esse papel. No entanto, para análises mais amplas e reflexões profundas, o filme deixa um pouco a desejar, por mais que encoste muitas vezes em dramas sociais que vão do assédio à violência psicológica.

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Pausa para uma série: 'Ninguém nos Viu Partir'

Inspirado em uma história real relatada no livro Nadie nos vio partir, de Tamara Trottner – uma das personagens da obra –, a nova série da Netflix, Ninguém nos Viu Partir, que alcançou o Top 1 da plataforma, é um projeto mexicano que relata um sequestro parental e, a partir de camadas, chega nos conflitos emocionais que atingem uma mulher em uma época marcada pelo preconceito, pelas tradições e pela desigualdade de gênero.

Ambientado na década de 1960, em Ninguém nos Viu Partir, conhecemos Valeria (Tessa Ia), uma jovem que largou o mestrado e foi obrigada a se casar com o arquiteto Leo (Emiliano Zurita), em um acordo entre as famílias judias que residem no México. O casal tem dois filhos. O tempo passa e Valeria se apaixona pelo cunhado do marido, Carlos (Gustavo Bassani). Após descobrir a traição, Leo, com a ajuda do pai, Samuel (Juan Manuel Bernal), sequestra as crianças e foge para a Europa. Durante muitos meses, Valeria se vê em uma busca cheia de reviravoltas, movida pelo sonho de voltar a ver as crianças.

Direto para sua premissa, em um primeiro episódio que apresenta seu ponto de partida através de um homem impulsivo e facilmente influenciável pelo pai – um poderoso empresário judeu – que, em um ato desumano e criminoso, sequestra os filhos para longe da esposa.  Passo a passo, vamos entendendo melhor essa história por meio de flashbacks que mostram alguns dos motivos para tal ato de crueldade, além dos conflitos ao redor da família, ampliando o contexto.

A narrativa utiliza o ‘antes e depois’ para nos situar nos acontecimentos, não encostando no suspense, seguindo sua estrada pelo forte drama vivido pela protagonista. O que é sugerido logo é mostrado, compondo cinco episódios sem perder o ritmo, com a carga dramática aumentando gradativamente, além de ótimas atuações.

O mais interessante desse projeto é que ele aborda a imaturidade em algumas vertentes, sendo a principal deles os olhares não óbvios que chegam através de uma traição. Parece algo meio contraditório, mas, se formos analisar com uma lupa percebemos o desenvolvimento emocional dos personagens – até mesmo sua desconstrução - nessa linha tênue entre a moral e a aceitação.

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Crítica do filme: 'Um Fantasma na Batalha'

Inspirado em fatos reais ocorridos na Europa, mais precisamente entre a Espanha e a França, a partir das ações terroristas de um grupo separatista que logo chegou à luta armada cometendo atentados em diversos lugares, o longa-metragem Um Fantasma na Batalha, recém-adicionado à Netflix, é um thriller político com pitadas generosas de espionagem, que joga nossos olhares para o lado sombrio do ser humano, onde a inconsequência é rompida.

Escrito e dirigido por Agustín Díaz Yanes – vencedor do Goya de direção e roteiro em 1996, pelo filme Ninguém Falará de Nós Quando Estivermos Mortos – a obra retrata o caótico momento político de um período onde o medo podia estar em qualquer esquina, em uma Europa turbulenta. Para entendermos melhor o contexto, algo apresentando apenas brevemente pelo filme com inserções via legendas no início, é preciso algum conhecimento sobre o ETA.

Nascido nos tempos de ditadura e o regime autoritário e centralizador de Francisco Franco, o ETA (sigla traduzida para ‘Pátria Basca e Liberdade’) buscava, nos seus primórdios, a independência para o País Basco – iniciada no final de 1950, a partir de um movimento estudantil. Ao longo do tempo, células desse grupo tornaram as ações mais violentas e atentados se tornaram constantes, resultando em um banho de sangue que marcou as páginas europeias. Um Fantasma na Batalha é situada já na fase de declínio do ETA.

Ambientado em meados da década de 1990, acompanhamos a história de Amaia (Susana Abaitua), uma jovem oficial da guarda civil espanhola que se infiltra em uma célula do grupo separatista ETA, com o objetivo de localizar alvos e prevenir futuros atos terroristas praticados pelo grupo. Durante quase uma década, ela se vê em vários dilemas, descartando a vida pessoal e se jogando numa estrada marcada por tensão e violência.

Com imagens da época e reportagens sobre alguns dos atentados mostrados, inseridas em uma narrativa ficcional que atinge a tensão durante boa parte da projeção, este longa-metragem consegue apresentar um amplo recorte de um panorama político de uma época, ao mesmo tempo que chega em camadas através do desenvolvimento de seus personagens - guiados para dilemas morais a partir de uma protagonista sob constante atenção.

Um Fantasma na Batalha é uma produção muito bem feita, com ótimas atuações e uma direção de arte coerente, capaz de alcançar a atmosfera de tensão e conflituosas emoções. Esse clima pesado que o filme apresenta é exatamente o sentimento daquela época. Mesmo o sugerido prevalecendo sobre o descritivo – algo que atinge a compreensão de um contexto mais amplo – esse é um filme interessante que merece reflexões e debates.  

 

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Crítica do filme: 'O Elixir'

Os filmes de Zumbis – inclusive os com seres mortos que voltam à vida corredores, como é o caso – existem aos montes por aí. A questão está sempre em como vai ser desenvolvido o contexto, que pode (ou não) ajudar a contar uma história fugindo da mesmice. O novo filme da Netflix, O Elixir, que logo alcançou o Top 10 da plataforma aqui no Brasil, parte de uma dinâmica familiar com atritos, no estilo ‘novelão’ - tudo se desenrolando em torno de um conflito central – para então chegar à sua ação sangrenta, com os iminentes sacrifícios e dilemas, dentro de uma fórmula que segue à risca a cartilha dos filmes de sobrevivência.

Com uma boa direção de Kimo Stamboel – que vem de uma longa leva de filmes de terror no currículo –, esta produção indonésia não apresenta nada revolucionário em sua construção narrativa. Mesmo com certa criatividade, parte logo para uma ação desenfreada, que se passa em alguns ambientes, trazendo perspectivas variadas. Como já mencionado, a modalidade zumbi aplicada aqui é a dos ‘corredores’ – e, no centro dos holofotes, estão os figurantes, em atuações que devem ter sido bem divertidas serem gravadas.

Um bem-sucedido empresário do ramo de produtos de origem vegetais (Donny Damara) se vê em uma tempestade de conflitos na sua família após se casar com a melhor amiga da filha (Eva Celia Latjuba). Além disso, está disposto a continuar com a sua empresa, mesmo com ofertas generosas de terceiros, fato que não é bem aceito por outros integrantes. Durante uma reunião familiar, ele toma um novo composto que o faz rejuvenescer quase instantaneamente, mas logo acaba vindo os efeitos colaterais, propagando um surto zumbi na região onde mora.  

A trama busca até se desprender do ‘mais do mesmo’ trazendo a busca pela juventude como uma rasa crítica social – algo que encosta, em escalas bem menores, na premissa de A Substância. Mas o desenvolvimento dos personagens logo se perde no espaçamento do núcleo. Com sangue pra todo lado, acompanhamos uma mãe em busca de encontrar o filho, a redenção de uma amizade, um jovem casal que está prestes a oficializar uma união e o filho deixado de lado por conta da imaturidade com que enxerga a vida. É como se estivéssemos jogando um videogame, onde temos que escolher nosso herói ou heroína e seguindo o seu ponto de vista.    

O Elixir não perde tempo em apresentar o caótico quando se propaga uma substância transformando humanos em zumbis. A tensão é alcançada, trazendo o medo como uma ferramenta de confronto. Nessa sucessão caótica de eventos, prazeroso pra quem curte filmes do gênero, mas nada além de um entretenimento raso, provocando poucas reflexões.

 

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Crítica do filme: '27 Noites'

Chegou esta semana à Netflix um filme argentino que apresenta, de forma bem-humorada, um drama sobre internação não voluntária – questão que teve mudança na legislação argentina anos atrás. Dirigido e protagonizado pelo uruguaio Daniel Hendler, o projeto, baseado na obra Veintisiete Noches, escrita por Natalia Zito, busca, sem se prolongar, ampliar os debates sobre o bem-estar psicológico.

Buscando, em uma fórmula que combina ponderação e sutileza, alguns caminhos para boas reflexões, um dos méritos desse filme é suavizar o ‘pé da letra’ sem se reduzir a uma obra simplória. Entre, emoções, comportamentos e uma passada rápida nas burocracias jurídicas, o tema da saúde mental vira um elemento crucial - e nada maçante - que circula durante toda a trama. 

Leandro (Daniel Hendler) é um perito designado por um tribunal para avaliar Martha (Marilú Marini), uma mulher octagenária, depois que suas filhas a internam, de forma involuntária, em uma clínica, com a justificativa que sofre com demência frontotemporal e vem tomando atitudes suspeitas. Conforme vai se aproximando da mulher, ele acaba entendendo melhor todo o contexto, passando também por uma enorme transformação em sua própria vida.  

O conflito geracional e as formas de compreender a vida são alguns dos assuntos que permeiam os personagens, sempre tendo uma direção rumo ao lado humano e suas contradições. Mesmo com coadjuvantes colocados em segundo plano, a troca de perspectiva entre Leandro e Martha funciona muito bem, garantindo um alicerce para o ritmo não se perder.    

A simpática narrativa molda seu desenrolar equilibrada entre o presente - ambientado algumas décadas atrás – e os flashbacks, ajudando a contar essa história. Sob o ponto de vista do protagonista – um personagem longe do carisma - chegamos até as poucas camadas que se abrem. Nada é muito profundo por aqui, mas a obra não deixa de ser relevante, principalmente por explorar com eficácia e leveza pontos de vistas, descontruindo assim o tema cisudo.

 

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Crítica do filme: 'A Vizinha Perfeita'

Com uma narrativa brilhante, que encontra enorme coesão na sua montagem, o novo documentário da Netflix, A Vizinha Perfeita, detalha uma tragédia real e chocante que atingiu em cheio a cidade de Ocala, no Condado de Marion (Flórida). Dirigido pela cineasta Geeta Gandbhir, o projeto – que prende a atenção desde seu início até o sufocante desfecho - levanta questões importantes sobre preconceito racial, leis de legítima defesa e o papel da polícia, chegando em um recorte profundo sobre a sociedade norte-americana.

A partir de desentendimentos – que já duravam semanas – entre vizinhos e uma específica moradora da região, acontece um fato mortal. Tendo esse episódio como pontapé inicial, acompanhamos uma cronologia de acontecimentos bem detalhada, apresentada sob diversos pontos de vistas. Aos poucos, sem perder o ritmo e tensão, somos guiados até os horrores de um caso que chocou os Estados Unidos alguns anos atrás.

O antes, o ocorrido e o depois. Exibido no Festival de Sundance deste ano, esse True Crime apresenta seus personagens reais e conflitos através de uma criativa narrativa que utiliza apenas gravações feitas por câmeras – muitas delas corporais, daquelas que policiais usam. Assim, vamos descobrindo a origem dos fatos que nos conduzem até o final nada feliz dessa história – vou logo falando, os minutos finais são de partir o coração.

Na composição dessa tragédia real, chegamos a alguns pontos de argumentação, o principal deles é sobre a Lei Stand Your Ground. Por conta dessa polêmica lei de defesa pessoal – em vigor em alguns estados norte-americanos, como a Flórida, desde 2005 -, que permite o uso de força letal caso se sinta em risco de morte e autoriza uma reação imediata ao que julgar ser uma ameaça, uma das personagens envolvidas demorou para ser presa, gerando uma série de protestos.

Os debates em torno dessa questão apresentada acima é um dos ótimos tópicos que o documentário levanta para reflexões sociais sobre alguns dos caminhos que levam à violência. Da cultura da impunidade ao preconceito racial, A Vizinha Perfeita apresenta essa história forte e real, que dilacerou uma família e colocou em evidência - mais uma vez - as leis mais permissivas de uso e porte de armas, fator preponderante para a crueldade ocorrida.   

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Crítica do filme: 'Limpa'

Há filmes que começamos a assistir e parecem não levar a lugar nenhum. Por isso, é sempre  importante ter paciência - pode ser que grandes surpresas nos aguardem. É exatamente isso que acontece com o longa-metragem chileno Limpa. Com camadas profundas que se abrem distantes do seu início, o projeto nos leva a uma imersão na dinâmica familiar repleta de reflexões, tendo como ponto central uma protagonista que se vê em um labirinto em busca de momentos felizes.

Estela (María Paz Grandjean) é uma jovem que deixa o interior do Chile para trabalhar como empregada doméstica na casa de um casal rico, na cidade de Santiago. Ela passa grande parte do tempo ao lado da filha deles, uma garotinha escanteada pelos pais que encontra em Estela uma grande amiga. Quando algumas situações acontecem, Estela começa a perceber que sua presença no lugar está chegando ao fim, culminando numa série de ações rumo às tragédias. 

Uma caixinha de surpresas quando uma avalanche de conflitos se sucedem. Lançado há poucos dias na Netflix - onde logo alcançou o Top 10 da plataforma - Limpa pode ser definido assim. Dirigido por Dominga Sotomayor e roteirizado por ela em parceria com Gabriela Larralde e Alia Trabucco Zerán, chegamos de forma lenta em um retrato na vida de uma jovem cheia de desilusões, que confronta seu momento conturbado segurando um fio de resiliência que sobrou nas suas marcas da vida.

Não é fácil chegar até suas descobertas, que se revelam aos poucos. Até o minuto 40, um mar estático de ações isoladas parece construir uma história sem grande capacidade reflexiva. Mas as camadas se abrem, ressuscitando a narrativa. A partir de um estopim, o choque social ganha muitos contornos - exemplificado mais com olhares que palavras - onde o ambiente, a mansão bem estruturada dos chefes, vira um elemento importante, quase um personagem ativo para nos guiar pelas emoções que transbordam.   

Cada vez mais próxima da menina que cuida – uma relação maternal, incompreendida pela mesma –, a protagonista também se apaixona por um frentista, enquanto vê o passado mandar mensagens por lembranças ligadas a um cachorro. Sempre na corda bamba quando almeja planos para um futuro, as limitações da vida viram um banho de água fria. Não deixa de ser um reflexo de tantas pessoas espalhadas pelo mundo, à espera de alguma oportunidade para sentir a felicidade.

No desfecho emblemático, percebemos que, mesmo a construção tendo questões que atrapalham o andamento dessa história, chegamos num poderoso recorte – potente, dilacerante e capaz de neutralizar toda nossa atenção. Dê uma chance a esse filme.

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Pausa para uma série: 'Animal'

O amor pelos animais e a lições do dia a dia. Em apenas nove episódios – deliciosos - que você maratona rapidamente na Netflix, a série Animal chegou sem muito alarde para conquistar através da rabugentice carismática de um protagonista com o mundo virado de cabeça pra baixo, que encontra em um novo trabalho lições para sua jornada. Essa é uma obra que busca, na simplicidade de seu desenvolvimento, colocar à mesa reflexões sobre o trato social – um tema mais atual, impossível.

Criada por Víctor García León, o projeto propõe um olhar gentil – ainda que, por vezes, ácido – sobre um conflito geracional que atinge um homem que acredita no amor pelos animais, mas demonstra rejeição em compreender o próximo. Um conflito existencial que adiciona combustível nas novas relações que aparecem. Esse recorte sociológico utiliza o humor e bons diálogos para preencher a tela com uma narrativa leve e com ótimas atuações.

Antón (Luis Zahera) é um experiente veterinário de uma zona rural no noroeste da Espanha que está passando por uma tempestade de conflitos. Seus clientes de toda uma vida estão sem dinheiro, as dívidas só acumulam e a tentação de uma assinatura que vai contra seus princípios bate à sua porta a todo instante. Um dia, recebe uma oportunidade de recomeço: trabalhar em uma enorme loja de pets gerenciada pela sobrinha Uxía (Lucía Caraballo). Nesse novo emprego, precisa lidar com detalhes que o incomodam, mas aprende novas lições nessa parte avançada da vida.

Desde o primeiro episódio – acelerado, mas sem deixar de preencher com elementos importantes futuros - até o desfecho aberto e cheio de lições, nessa primeira jornada dessa obra, que pode muito bem ter uma continuação, somos conquistados por personagens que, à primeira vista, parecem presos nas suas características principais, mas logo se revelam para conquistar nossa atenção. Luis Zahera dá vida a um clássico rabugento engraçado, enquanto Lucía Caraballo interpreta uma sonhadora que adora relacionamentos com pessoas complicadas. Dois artistas que encontram um norte interessante de harmonia e identificação com o público.

Sem perder o fôlego e eficiente no seu desenvolvimento, em uma trama que distribui seu discurso por ações e consequências ligadas ao comportamento humano, Animal conecta a ternura da compaixão com os animais às amarras de uma figura central cisuda. Essa mistura vira uma fórmula de sucesso, atingindo mais o humor, sem deixar de encostar em profundas camadas, que relacionam o fator existencial às necessidades de mudanças.

 

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Crítica do filme: 'French Lover'

Na simpatia e bom humor se leva uma história batida. Tratando com maturidade alguns temas – mesmo entupido de clichês – o novo longa-metragem da Netflix French Lover é aquele mais do mesmo que consegue nos divertir. Trazendo como protagonista um dos mais carismáticos artistas do cinema mundial - o francês Omar Sy – a produção coloca seus holofotes para um casal que busca a felicidade no equilíbrio entre dois mundos completamente diferentes.  

Abel (Omar Sy) é um ator francês em plena ascensão na carreira. Já Marion (Sara Giraudeau) é uma recém-divorciada que sonha em ter um food truck. Um dia, esses dois se encontram por acaso e logo nasce uma paixão avassaladora. Com o tempo, precisam enfrentar os obstáculos que aparecem pelo carinho.

Dirigido por Nina Rives, em seu primeiro longa-metragem, o filme busca a todo tempo alcançar um clímax previsível – desde o início, fica evidente onde chegaria o desenvolvimento dos personagens. O caminho até esse destino é marcado por altos e baixos: por vezes rompe a camada superficial de alguns temas, em outros passa batido, se fortalecendo apenas pela harmonia e carisma em cena dos protagonistas. Junto a isso, um ritmo frenético imprime ao fluxo narrativo um dinamismo que encaixa como uma luva e que no fim das contas prende a atenção.

Mas o roteiro é pra lá de indeciso em seu discurso – algo que incomoda o olhar mais atento. Sem saber direito se quer ser um ‘conto de fadas’ sonolento ou se provar como um projeto maduro para refletir sobre relacionamentos, vamos caminhando até os detalhes dos dois universos que se unem aos trancos e barrancos. De um lado, o status do artista, com gravações, sonhos, aquela vida cheia de exposição que já conhecemos. Do outro, uma mulher num momento de instabilidade, com o coração ferido, lidando com as limitações que a vida lhe trouxe até esse momento. Absolutamente nada de novo: Já vimos essa história várias vezes em alguns filmes, né?

French Lover vale para quem curte comédias românticas: tem seu charme, mas carece de desenvolvimento dos personagens para se tornar inesquecível. Esse calcanhar de aquiles torna tudo previsível.

 

 

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Crítica do filme: 'O Clube do Crime das Quintas-Feiras'

Mesmo com o suspense em segundo plano, a nova comédia da Netflix O Clube do Crime das Quintas-Feiras é aquele passatempo gostoso em que nem percebemos o tempo passar. Trazendo a melhor idade para frente dos holofotes, acompanhamos os risos e aventuras de um grupo de pessoas que enxergar na fatalidade uma oportunidade de se sentirem vivos.

A divertida narrativa nos conduz pela acidez da violência em contraponto ao olhar com delicadeza sobre uma fase da vida em que os suspiros de aventuras se tornam oportunidades que não podem ser deixadas passar. Assim, em uma mistura de tensão e humor, somos recompensados com uma trama que ainda consegue deixar lições por todos os lados.

Com atuações maravilhosas e um ritmo equilibrado, percorremos a história de um grupo de pessoas na melhor idade que vivem em um enorme lar e se reúnem para refletir sobre crimes. Até que, um dia, um assassinato acontece bem próximo a eles, levando-os a embarcar pelas verdades sobre o ocorrido.

Dirigido por Chris Columbus, de sucessos como Esqueceram de Mim e Uma Baba quase Perfeita, o projeto traz a pegada de um tabuleiro de 'Detetive' com pitadas de Agatha Christie. Mas não pense que o mistério domina as ações: nesse filme, a maturidade em lidar com perdas domina as ações, conduzindo o público para camadas além da superfície - distante da melancolia.

Mesmo com algumas escorregadas nos clichês, o projeto baseado no livro homônimo do escritor Richard Osman - lançado em 2021 - é uma delícia de história que passa longe de qualquer trama piegas, com um desenvolvimento eficaz e personagens carismáticos dominando cada cena. Encabeçado pela maravilhosa Helen Mirren, o elenco é um show à parte.

Se você está procurando um filme para se divertir e passar boas horas na frente da sua televisão, liga na Netflix e dá o play em O Clube do Crime das Quintas-Feiras.

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Pausa para uma série: 'Duas Covas'

Uma obra audiovisual em que nada é o que parece. Assim podemos começar a falar de Duas Covas, a nova minissérie espanhola que alcançou ao Top 1 da Netflix logo em sua semana de estreia. Apesar de apresentar um episódio piloto apenas morno, consegue encontrar um rumo interessante quando mete o pé no acelerador numa trama que aposta nas surpresas escondidas pelo caminho. No papel principal, a ótima Kiti Máver da vida a uma avó angustiada que liga o modo detetive na busca da neta.

Isabel (Kiti Mánver) é um senhora aposentada que vive numa confortável casa no alto da belíssima cidade de Frigiliana, na província de Málaga. Tudo ia bem em sua vida até o dia fatídico em que sua neta preferida desapareceu, junto de uma amiga - filha do mafioso Rafael (Álvaro Morte). Anos após o ocorrido, ainda em busca de informações sobre o que aconteceu, Isabel começa a descobrir peças importantes desse quebra-cabeça.

O clima de suspense é constante, com a imprevisibilidade dos personagens se tornando uma ponte importante - mesmo que alguns deles não sejam tão bem desenvolvidos na trama. Do luto prolongado aos segredos de família e à incapacidade policial, o suspense encontra mais camadas que o drama.     

Parafraseando Confúcio, e colocando a vingança como ponto central, o projeto parte de disfunções familiares, esticando a corda dos acontecimentos com uma revelação atrás da outra. Presa totalmente ao ponto de vista da protagonista – o que limita o discurso –, Duas Covas parece apostar no chocar de uma violência marcante para trazer luz sobre as consequências ligadas à dilemas morais.

Com três episódios, todos já disponíveis na Netflix, Duas Covas é mais uma minissérie que tenta prender a atenção por seus mistérios, mas deixa uma sensação de que falta algo para que esse caldeirão de segredos se torne realmente inesquecível.

 

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