Especial | 10 Melhores Filmes de Philip Seymour Hoffman

Eram 17:15 da tarde deste domingo (02.02), acabara de acordar de um cochilo quando descobri que esse ator tão querido por todos nós tinha falecido. Ainda desolado e muito triste lembrei que tinha feita um especial no ano passado sobre os melhores filmes dele. Imediatamente vim aqui para o computador, dei uma ajeitada no texto e com o desejo de que nunca esquecemos os filmes maravilhosos de Seymour Hoffman, segue abaixo os 10 grandes filmes da carreira desse monstro na arte de atuar. Vá em paz querido amigo e obrigado por tudo o que você fez pelo cinema! 

Philip Seymour Hoffman nasceu em Nova York, no dia 23 de julho de 1967. Filho de uma juíza e de um executivo da Xerox, o futuro astro de Hollywood, desde os tempos de colégio, sabia o que faria para se sustentar. Após terminar o ensino médio, frequentou o programa de Verão do Teatro Square e, posteriormente, conseguiu se graduar em Artes Dramáticas.

O ator chamou atenção dos produtores longo início da carreira com participações em filme, como Perfume de Mulher (1992), Boogie Nights – Prazer Sem Limites (1997) e Felicidade (1998). Seu reconhecimento, no entanto, ocorreu em 2005, ao interpretar o jornalista Truman Capote, dirigido por Bennett Miller, no longa Capote, pelo qual ganhou o Oscar de Melhor Ator.

Hoje, aos 45 anos, Hoffman coleciona prêmios no cinemas e no teatro. Ele ganhou dois Tony, o Oscar da Broadway, de Melhor Ator pela montagem True West (2000) e de Melhor Ator Coadjuvante por Long Day’s Journey into Night (2003). Vejam os melhores filmes de Seymour Hoffman e nunca esqueçam deste grande ator!

Perfume de Mulher (Martin Brest, 1992)

Neste elogiado trabalho, Hoffman começou a aparecer para a indústria cinematográfica. Já Al Pacino ganhou muitos prêmios pelo o protagonista Frank Slade, que parece ter sido escrito exclusivamente para o ator. A saga do tenente coronel deve estar em sua prateleira de DVDs. A obra emociona e é sempre lembrada pela espetacular cena da dança de tango.

Boogie Nights – Prazer Sem Limites (Paul Thomas Anderson, 1997)

Este é um dos filmes mais famosos e polêmicos de Paul Thomas Anderson, amigo de longa data de Hoffman. A obra é sobre a indústria do cinema pornô em 1970. Na trama,  um jovem sem objetivo na vida se torna, de repente, astro do segmento. Conflitos, vícios e ganância leva-o à ruína existencial. O elenco é composto por Mark Wahlberg (Ted), Julianne Moore (Amor a Toda Prova), Burt Reynolds (Dois Vendedores Numa Fria), Don Cheadle (Homem de Ferro 3), William H. Macy (As Sessões) e Heather Graham (Se Beber, Não Case! Parte III). Hoffman faz uma pequena participação.

Felicidade (Todd Solondz, 1998)

Em um filme extremamente polêmico, o diretor Todd Solondz (A Vida Durante a Guerra) explora as fragilidades de diversas famílias culminando em um retrato nu e cru sobre a classe média norte-americana. Hoffman é a grande estrela do elenco. Os personagens causam todo tipo de reação do público e ajudam a contar essa forte história sem deixar nenhum tipo de argumento de lado. É o clássico filme chamado de cult.

Com Amor, Liza (Todd Louiso, 2002)

Em um dos seus papéis mais difíceis no cinema, Philip Seymour Hoffman interpreta Wilson Joel, um homem que tem sua vida completamente alterada após o inexplicável suicídio de sua mulher. O hiper dramático Com Amor, Liza conta também com Kathy Bates (Louca Obsessão). O personagem de Hoffman se desenvolve de maneira poderosa, o ator nova-iorquino pinta e borda nesta produção pouco conhecida entre o público. Vale a pena conferir!

Capote (Bennett Miller, 2005)

A grande interpretação da carreira de Hoffman sem dúvidas é no filme Capote. O ator dá vida ao famoso e polêmico protagonista, extremamente peculiar no seu modo de falar e agir. Na trama, dirigida, o protagonista investiga o assassinato de alguns moradores de uma pequena cidade do Kansas, que serve de trama para o romance-reportagem A Sangue Frio (1966). Hoffman ganhou seu primeiro e único Oscar por este filme.

Antes Que o Diabo Saiba Que Você Está Morto (Sidney Lumet, 2007)

Na trama, ambientada em Nova York, dois irmãos em grande dificuldade financeira resolvem executar um louco plano: assaltar a loja da família para pagar suas dívidas. Obviamente o projeto não dá certo e a tensão familiar só cresce. Hoffman compartilha as sequências mais interessantes deste suspense com o ator Ethan Hawke ( Antes da Meia Noite) intérprete do seu irmão.

A Família Savage (Tamara Jenkins, 2007)

Impressiona o entrosamento entre Laura Linney (O Enviado) e Philip Seymour Hoffman neste ótimo longa. O humor sarcástico toma conta dos excelentes diálogos e transformam a história dramática de dois irmãos, que precisam cuidar de seu afastado pai, em uma ótima dica para se divertir. A versatilidade de Hoffman é uma das grandes qualidades do artista.

Dúvida (John Patrick Shanley, 2008)

Ao abordar a igreja e alguns temas polêmicos, John Patrick Stanley envolveu Meryl Streep, ao lado de Philip Seymour Hoffman, numa trama de suspense e mistério. Uma freira suspeita (Streep) do relacionamento do padre (Hoffman) com um dos alunos da escola e arma um modo de tirar o sacerdote da instituição. Hoffman brinca com o público, expõe seu personagem ao limite e mesmo assim muita gente ainda tem dúvidas sobre o polêmico desfecho da narrativa. Confira e tire suas próprias conclusões. O ator foi indicado ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por este trabalho.

Os Piratas do Rock (Richard Curtis, 2009)

A comédia reúne um elenco de grandes astros do cinema para contar nas telonas como foi a revolução das rádios piratas britânicas na década de 1960. No filme, conhecemos um grupo de amigos que monta uma emissora e cria uma programação de rock 24 horas por dia. É o tipo de filme que você chora e ri. O ator Hoffman aparece pouco e, mesmo assim, diverte o público! Imperdível!

O Mestre (Paul Thomas Anderson, 2012)

Quando Philip Seymour Hoffman aceitou o convite para interpretar Lancaster Dodd sabia que era a sua chance de conquistar o seu segundo Oscar, não levou, mas chegou perto. Com foco nos conflitos emocionais de um veterano da marinha, Paul Thomas Anderson brinda os espectadores com um drama complexo e verdadeiro. O Mestre criou polêmica antes do lançamento por falar da cientologia, conjunto de crenças e práticas criadas por L. Ron Hubbard, que sugere que os seres são imortais. O destaque do filme são as atuações impecáveis de Hoffman e Joaquin Phoenix.

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Caesar Salad Cinéfila + 2 dicas de filmes

 

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Crítica do filme: 'Quando eu era Vivo'

Os créditos iniciais subindo com o fundo de uma espécie de tapete colorido juntamente com uma música instrumental insinuante já era um sinal de que estávamos prestes a conhecer um filme nacional diferente e que pode ser o precursor da nova geração de filmes do gênero suspense. Dirigido pelo bom cineasta Marco Dutra, Quando eu era Vivo possui uma narrativa lenta e muito detalhista, pecando apenas por uma certa falta de sentido nos desfechos de alguns personagens. Mesmo assim, da maneira como foi filmado, a produção acerta em cheio ao conseguir manter os olhos do espectador sob atenção máxima durante toda a projeção. É um ótimo trabalho de direção. 

Nessa misteriosa trama, conhecemos José Matos Jr. (Marat Descartes), um homem com olhar e atitudes recônditas que volta para casa depois de anos morando com sua ex-mulher. Recebido pelo pai (Antonio Fagundes), de maneira distante, aos poucos vamos descobrindo o passado dessa família que por anos esconderam segredos ligados ao ocultismo. O longa-metragem, que já gerava bastante burburinho nas rodinhas cinéfilas aqui do sudeste, vai e volta em sua linha temporal. Esse artifício faz com que o público tente adivinhar a todo instante o destino de cada um dos interessantes personagens. O público se sente dentro daquela casa que gera calafrios.

O roteiro é muito interessante. Conseguimos, enfim, um suspense que não se complica nas entrelinhas dos diálogos ou cenas mal encaixadas. O grande mérito do filme é esse, sem dúvidas. Mas alguns detalhes com os desfechos de certos personagens, que não serão explorados neste texto por conta de importantes spoilers, podem deixar o público não decepcionado mas esperando um grand finale que não acontece. Faltou mais brilho no final. Parece que o filme, que estreia nesta sexta-feira (31) em todo Brasil, levou um gol de empate aos 45 minutos do segundo tempo.

Marat Descartes está muito bem na pele do protagonista. As mãos trêmulas, o olhar obsessivo e as atitudes suspeitas são aspectos retratados brilhantemente por esse ótimo artista. Seu personagem possui uma fala mansa e todas as ações da trama passam por ele. Mais um grande trabalho desse que é um dos melhores atores do cinema brasileiro atualmente. Para os curiosos de plantão, podemos afirmar que a Sandy atriz não compromete em nenhum momento. Óbvio que se fosse uma atriz mais rodada o filme ganharia demais com isso, até mesmo no quesito tensão, a personagem é bem desenvolvida mas percebe-se claramente que tinha mais suco para sair dessa limonada.

O final para ser entendido é preciso de atenção. Quando eu era Vivo é um filme mais superficial do que aparenta ser, disfarçado com complexidades que nascem das nossas dúvidas, fator interessante. Provavelmente irá dividir as opiniões cinéfilas, exatamente pelo fato óbvio e básico de que a história chegará de maneira diferente para cada um dos espectadores. Muito bom saber que há esperanças nos roteiros brasileiros. Nesse quesito, Quando eu era Vivo contribui e muito para deixarmos para trás anos de tristeza com as lembranças de roteiros ridículos de algumas produções nacionais.

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Crítica do filme: "Jimmy P."

Em qual língua você sonha? Depois de uma série de filmes sem expressão pelo mundo do cinema, o cineasta francês Arnaud Desplechin consegue finalmente alcançar um certo brilho em sua estrela apagada. Com ótimas tomadas e movimentos intrigantes de sua nervosa câmera consegue que uma história densa se torne um delicioso passatempo para quem curte cinema de boa qualidade. Jimmy P. é o tipo de filme que vai te conquistando aos pouquinhos chegando ao seu clímax quando os seus personagens principais, maravilhosamente interpretados por Benicio De Toro e Mathieu Amalric, passam da necessária superficialidade dos diálogos ao embarque em uma linda jornada de amizade e profundidade dessa relação.

Na trama, conhecemos o introvertido Jimmy Picard (Benicio Del Toro), um índio católico, ex-soldado, que após um grave acidente na guerra  teve seu pedido de dispensado aceitado pelos militares norte-americanos. Quando volta para casa de sua irmã começa a ter diversos casos de tonteira e cegueiras parciais. Assim, sua irmã resolve procurar ajuda e o leva a um centro de tratamento vinculado ao exército. Após séries intensas de análises e baterias de exames a todo instante, a alta cúpula do hospital fica perdida por não achar um diagnóstico lógico para o que Jimmy tem. Nessa hora, entra em cena o antropólogo Georges Devereux (Mathieu Amalric), um mulherengo, hiperativo e genial profissional que fará de tudo para tirar Jimmy dessa situação.

Os diálogos, carregados de sotaques, cada qual no seu qual, ganham certo destaque na trama. O público se surpreende quando aqueles papos muito loucos no começo da história se tornam ferramentas inteligentes para entendermos melhor os dois ótimos personagens. O quebra-cabeça de sonhos, analogias e esquisitas verdades são interpretadas brilhantemente pelo antropólogo interpretado por Amalric. Falando de maneira leiga e deveras audaciosa, é uma espécie de confronto amistoso entre a corrente de sonhos de Jung e as espertezas sobre a sexualidade, essa, de Freud.

Somos apresentados ao protagonista, a princípio, pelos olhos preocupados de sua irmã (interpretada de maneira muito competente pela atriz Michelle Thrush), a mais velha dos irmãos que estudou durante toda sua vida na escola dos missionários e acabou casando com um importante funcionário de uma tribo indígena. A relação antes conflituosa com seu irmão, ao longo dos anos se tornou maternal, em poucas cenas já percebemos isso. Um dos pesares do filme é essa rica personagem aparecer apenas no início da história.

O trabalho de Del Toro e seu personagem é meticuloso, espanta pela verdade que passa em cada palavra pronunciada. O ganhador do Oscar mostra mais uma vez como é um artista versátil. Mas quem comanda o show é o francês Mathieu Amalric, a alma da história passa pela sua intensidade e sagacidade em buscar uma solução para o paciente em questão. A dupla consegue manter a atenção do público nessa longa trama de quase duas horas.

Passado no ano passado para a exigente plateia e júri do Festival de Cannes, Jimmy P. é um daqueles filmes que acaba mas não termina, por conta das inúmeras discussões que vai gerar. Um prato cheio para qualquer estudante de antropologia, psicologia, psiquiatria e para todo mundo que gosta de filmes feitos para refletir. Não importa em qual língua você sonha, Jimmy P. mostrará a você que o importante é superar os traumas e ser feliz.

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Crítica do filme: 'O Lobo de Wall Street'

Para onde a ganância te leva quando o mundo passa a ser um território sem limites? Falando sobre a ambição capitalista dos tempos modernos, criticando duramente o mercado de ações e dando um soco no estômago de qualquer puritano, o excepcional cineasta norte-americano Martin Scorsese volta a trabalhar com seu mais querido pupilo, Leonardo Di Caprio, no já aclamado O Lobo de Wall Street. Baseado no livro homônimo escrito por Jordan Belfort, o filme consegue a fórmula perfeita ao ser dinâmico e empolgante sem perder um minuto de brilhantismo. São as três horas mais rápidas que você viverá dentro de um cinema.

Na história, acompanhamos a trajetória meteórica de Jordan Belfort (Leonardo Di Caprio), um homem com apenas um foco em sua vida, ser muito rico. Após um início conturbado em uma empresa promissora, consegue inteligentemente absorver tudo o que precisava para se tornar um guru na arte de fazer as pessoas investirem seu dinheiro. Com a ajuda do amigo Donnie Azoff (interpretado pelo hilário Jonah Hill), funda sua própria empresa que logo se torna uma das mais rentáveis e visadas pela polícia em Wall Street.  Ao mesmo tempo que segue ganhando cada vez mais dinheiro, encontra o amor de sua vida, Naomi (Margot Robbie) e abusa diariamente de todos os tipos de droga. Esses vícios acabam o levando ao fundo do poço.

Agitação, números, ações, empolgação, euforia, dinheiro. Scorsese joga no liquidificador essas variáveis e consegue executar um dos melhores filmes deste ano, com toda a certeza. É uma direção controladamente perfeita, conseguindo captar cada milímetro cúbico do complexo protagonista. O público é dominado pela história do minuto um até o distante minuto cento e oitenta. Somos reféns de uma experiência cinematográfica sem papas na língua, aberta ao absurdo e escancaradamente brilhante. O vencedor do Oscar, eterno diretor de Taxi Driver, é que nem vinho, só melhora com o tempo.

O Lobo de Wall Street é um retrato, um raio-x de seu personagem principal. Ao descontrole desejo de ficar milionário ao intenso abuso de drogas, percebemos a cada sequência as antes imperceptíveis inconseqüências do protagonista. O filme não deixa de ser uma crítica social aos anos 80 e aos tempos atuais, onde o tráfico de drogas e a prostituição rondam os altos e baixos escalões da sociedade norte-americana. Scorsese não esconde nada: mostra as orgias, o fácil caminho até as drogas quando se tem dinheiro e as aventuras sexuais sem limites de Jordan Belfort. O filme, indicado ao Oscar de Melhor filme deste ano, não chega a chocar. Até as sequências mais fortes tem sentido em existir.

Leonardo Di Caprio mostra mais uma vez o grande ator que se tornou em anos trabalhando ao lado de seu mestre. Faz o possível e o impossível para ganhar seu primeiro Oscar, sugando e reproduzindo todas as facetas de seu rico personagem. A dupla acerta novamente, transformando um possível personagem chato e antipático em um ilimitado ser carismático que o público vai demorar para esquecer. Cinema bom é assim mesmo, elogiamos, elogiamos e mal acaba já queremos assistir novamente. Não deixem de conferir um dos mestres da sétima arte em um dos seus melhores filmes da carreira. Bravo!

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Crítica do filme: 'Trapaça'

Depois de sucessos como O Lado Bom da Vida e O Vencedor, o badalado diretor norte-americano David O. Russell resolve inovar em seu novo projeto criando uma atmosfera cômica em um cenário ambientado na estilosa década de 70. Trapaça é uma doida mistura narrativa, projetada com alicerces em cima de um ótimo roteiro, aliada a excelentes personagens muito bem executados pela maioria dos astros de Hollywood que parecem em cena. Mas nem tudo são flores, por mais marcantes e exuberantes que algumas sequências podem parecer, o filme cai em um senso comum estranho, esquecendo de colocar a cereja no bolo.

Na trama, acompanhamos a trajetória de Irving Rosenfeld (Christian Bale), um especialista na arte das malandragens e transações duvidosas. Amante de Jazz, com seu chamativo barrigão e adepto da peruca contra a calvice precoce, vive empreendendo criminosamente pelas ruas de sua cidade. Certo dia, durante uma festa, conhece o amor de sua vida, a bela ruiva Sydney Prosser (Amy Adams) e juntos são procurados pelo FBI para ajudar na prisão de diversos políticos e figuras importantes da alta sociedade norte-americana. O plano, que é o passaporte de fuga da prisão para eles, corria perfeitamente bem até a chegada da mulher de Irving, Rosalyn Rosenfeld (Jennifer Lawrence) que arruma uma confusão após outra.

Esse é um daqueles trabalhos que podemos dizer ter um certo charme. O décimo primeiro trabalho de Russell como diretor (entre curtas e longas), concorrente ao Oscar de Melhor Filme neste ano), começa com uma saudosa história de amor entre dois seres humanos requintados que se tornam uma dupla infalível na malandragem profissional. A virada no roteiro acontece quando os personagens deixam de ser superficiais e somos jogados, em meio a uma trama policial, em um triângulo (quase quadrado) amoroso recheado de cenas engraçadas mas nem tão marcantes.

David O. Russell teve um leque de bons artistas para comandar seu show. Ousando com todo seu charme à flor da pele e vestindo roupas milimetricamente decotadas, Amy Adams cumpre muito bem sua missão no filme. Jennifer Lawrence, a atual queridinha de Hollywood, aparece na segunda metade da história e se destaca em um papel diferente de tudo que já fez na carreira. Christian Bale, que interpreta o protagonista, é o responsável pelas cenas mais cômicas ao longo da fita, méritos desse excelente ator. Jeremy Renner, faz uma breve ponta mas também se destaca. O ponto negativo em torno das atuações gira em torno de Bradley Cooper e seu Richie DiMaso. Exagerado, quase descontrolado, possui sequências de loucura extrema que não passa um pingo de verdade.

Indicado a muitos Oscars neste ano, Trapaça é um pipocão Cult inteligente que vai agradar parte do público. A genialidade dos diálogos, ponto mais positivo do projeto, transformam esse roteiro em um dos mais criativos e bem elaborados desta temporada. Mesmo com um personagem destoando do restante do elenco, o filme não deixa de ser um prato cheio para nós cinéfilos de carteirinha mesmo que ao final do filme você também perceba que faltou alguma coisa, ou que comeram a cereja do bolo antes do tempo.

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