Crítica do filme: 'A Rainha de Katwe'

A coragem é a primeira das qualidades humanas porque garante todas as outras. Baseado em fatos reais, narrados no livro Queen of Katwe, de Tim Crothers, chegou aos cinemas brasileiros, de maneira quase desapercebida, o lindo longa metragem A Rainha de Katwe, produzido pela Disney, que fala sobre as problemáticas enfrentadas pela população de um pobre país na África além de lições sobre o relacionamento profundo e carinhoso de uma mãe com seus filhos, tudo isso em volta ao mundo do xadrez que abriu lindas portas e possibilidades para a forte protagonista. Dirigido pela cineasta indiana Mira Nair, o filme promete emocionar bastante.

Na trama, conhecemos Phiona Mutesi (Madina Nalwanga, em sua estreia no mundo do cinema) uma jovem corajosa que vive a beira da miséria ao lado de sua mãe Nakku Harriet (interpretada pela excelente atriz Lupita Nyong'o) e seus irmãos. Sem ter muito o que fazer, a não ser trabalhar, em seu cotidiano, acaba se juntando a um grupo de aprendizes de xadrez, organizado pelo engenheiro Robert Katende (David Oyelowo). Assim Phiona desenvolve seu dom que não sabia que tinha e sonha em ser uma Grande Mestre do Xadrez.

O filme é uma grande lição de vida. O roteiro é ótimo, consegue ser cirúrgico quando mostra todas as dificuldades que a família da protagonista enfrenta quase que diariamente em uma região carente de básicos recursos e ficando reféns da miséria. O ponto alto é a relação de Phiona com sua mãe, que é linda, emocionante. O amor e os princípios ensinados por Harriet são fortes e impressionam, mesmo na dificuldade que muitos de nós não conseguimos ter noção real e exata, Harriet faz de tudo para dar uma boa educação e passar o que acha que é de correto no ato de viver e conviver.

O xadrez acaba sendo um charme a mais para a trama. Mistura de inteligência e coragem o paralelo dos tabuleiros entre reis, peões, bispos, cavalos, torres e rainhas chega delicadamente para ser o paralelo com a vida que Phiona leva com sua família em um país praticamente esquecido pelo planeta. O papel de Robert Katende também é importante para o amadurecimento da jovem, um homem que é muito mais que o treinador de Phiona, um homem que o mundo também precisava conhecer.

A Rainha de Katwe ficou pouquíssimo tempo em cartaz no circuito brasileiro e deve ser adicionado às novas plataformas de filmes em breve. Assim que tiver a oportunidade, não deixe de conferir. Esse filme é muito bonito! 

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Crítica do filme: 'The Fits'

A descoberta da entrada na adolescência. Exibido na 40ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, The Fits é um longa metragem curtinho, de 72 minutos, que possui o tema da entrada na adolescência tendo em seu contorno uma poderosa protagonista brilhantemente interpretada pela excelente atriz Royalty Hightower. Dirigido por Anna Rose Holmer, em seu segundo trabalho em longa metragem, o filme conquistou públicos de platéias famosas como a do prestigiado Festival de Sundance no ano passado.

Na trama, conhecemos a jovem Toni (Royalty Hightower), uma menina de 11 anos que passa os dias treinando boxe ao lado do irmão na academia do colégio onde estuda. Certo dia, começa a tomar gosto pelas aulas de dança onde meninas de sua idade praticam e assim Toni começa aos poucos a entrar no mundo delas tentando fazer novas amizades e descobrindo novos gostos. Quando uma situação inusitada de infecção se instala no grupo que pratica essas aulas de dança, Toni começa a se redescobrir e amadurecer rapidamente.

The Fits é um bom filme, mesmo tendo um ritmo deveras lento e quase sem grandes momentos. A força da história está na sua pequena grande personagem Toni, pelos olhos dela vamos conhecendo melhor todo um grupo de meninas que aos olhos dela são quase desconhecidas. É a descoberta de um universo novo, com diálogos e expressões diferentes da que ela mantinha com seu irmão e os amigos na prática do boxe. A chegada do sobrenatural, a infecção que aparece contaminando diversas meninas no grupo de dança, quase chega a ser algo paralelo aos conflitos que a protagonista enfrenta diariamente.

 Sem previsão de estreia nos cinemas brasileiros, The Fits é um daqueles filmes raros que abordam a entrada na adolescência de maneira impactante sempre guiada por sua brilhante protagonista. 

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Crítica do filme: 'Tarde para la Ira'

A vingança é uma espécie de justiça selvagem. Em seu primeiro trabalho como diretor de longa metragem, o ator espanhol Raúl Arévalo acerta em cheio em uma trama repleta de tensão e mistério cercando um protagonista impactante que nos faz não tirar os olhos da telona durante todos os 92 minutos de projeção. Tarde para la Ira (2016) possui um poderoso roteiro, assinado por David Pulido e também pelo diretor, e atuações marcantes. Pena que é um filme que passou desapercebido pelos premiações mundiais.

Na trama, conhecemos o pacato e misterioso José (interpretado pelo excelente ator Antonio de la Torre), um homem com um passado repleto de lacunas não preenchidas que fica muito próximo de um grupo de pessoas com quem convive quase que diariamente entre um jogo de cartas e outro. Certo dia, acaba se apaixonando pela bela Ana (Ruth Díaz) que tem um namorado de longa data chamado Curro (Luis Callejo) que foi preso por um roubo seguido de mortes a uma joalheria anos atrás. Quando Curro sai da prisão, José revela ser parente de duas vítimas do roubo a joalheria e inicia um plano sangrento de vingança.

O ponto que mais chama a atenção nesse ótimo filme é o roteiro. Dividido muito bem em arcos que levam o espectador à surpresa, as revelações são sendo feitas aos poucos e os personagens se camuflam em uma mescla de dor e emocionais conturbados. O que move o protagonista, nossos olhos do início ao fim dessa história, é a sede de vingança mas essa é revelada devagar deixando a personalidade de José ser escancarada aos nossos olhos. O longa possui surpresas e conseqüências para as ações de tirar o fôlego. É um filme muito forte onde a tensão caminha passo a passo com os personagens em cena.

As atuações são espetaculares. Cada defesa de personagem é feita com bastante maestria e guiada pelo ótimo diretor atrás das câmeras. Aos poucos vamos entendendo melhor a importância das subtramas para a chegada do grandioso clímax que o filme possui. Tarde para la Ira (2016), ainda sem tradução para o português, lembrando muito o tom usado no ótimo filme Pecados Antigos, Longas Sombras (estrelado por Raúl Arévalo) que fora lançado meses atrás no circuito brasileiro. Vamos torcer muito para que esse filme chega aos cinemas brasileiros, merece muito a conferida dos cinéfilos. Filmão!

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Crítica do filme: 'Família Hollar'

Se você não é capaz de ser feliz com sua família, dificilmente será feliz com você mesmo. Dirigido pelo ator John Krasinski, em sua segunda direção de um longa metragem, Família Hollar conta uma breve fase das vidas de membros de uma família repleta de problemas emocionais. O roteiro, assinado por Jim Strouse, não consegue alcançar em grande profundidade a natureza das ações dos personagens tornando o filme um grande sonífero com apenas sendo um Oasis a grande atuação da atriz Margo Martindale.

Na trama, conhecemos John (John Krasinski), um homem de meia idade que mora na cidade grande que vive uma fase de desilusão profissional e incertezas em seu relacionamento com a namorada grávida Rebecca (Anna Kendrick). Certo dia, sua namorada recebe uma ligação dizendo que a mãe de John teve uma convulsão e imediatamente o protagonista embarca para a cidade do interior onde viveu grande parte da vida e terá que enfrentar seu passado ao lado do complexo irmão Ron (Sharlto Copley), do chorão e falido pai Don (Richard Jenkins) e viver os últimos momentos ao lado de seu carinhosa mãe Sally (Margo Martindale). 

A complexidade da família não é contada de maneira profunda e várias pontas ficam soltas na personalidade confusa de muitos personagens. Sem um pingo de carisma na maioria dos personagens, Família Hollar sofre por não conseguir mostrar a força que a história poderia ter. Todo muito na trama tenta combater uma espécie de depressão coletiva, um por causa da não aceitação do término do casamento, outro por não aceitar as dificuldades financeiras existentes, outro por ter incertezas sobre o futuro e sobre se realmente fez as escolhas certas na vida. A mãezona é o personagem que estabiliza as relações, as interseções vão se compondo aos poucos, assim conhecemos novamente o talento da atriz Margo Martindale que praticamente salva o filme de um desastre total.

É difícil saber se o filme irá estrear no Brasil, talvez vá direto para as locadoras. John Krasinski não consegue chegar ao ponto certo com seu irregular filme. Histórias como essa, ou situações dramáticas com o emocional de uma família, já vimos aos montes no mundo do cinema. Essa é só mais uma história que fala sobre família, nada mais.

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Crítica do filme: 'La La Land - Cantando Estações'

O futuro pertence àqueles que acreditam na beleza de seus sonhos. Filme de abertura do último Festival de Veneza ano passado, La La Land - Cantando Estações é um daqueles filmes que dificilmente sairão de nossa memória.  Falando sobre a magia de Hollywood, o impactante som do Jazz e principalmente sobre as inúmeras tentativas do ser humano em alcançar os seus sonhos mais lindos, o longa metragem, que deve ser o grande vencedor do próximo Oscar, é uma aula em como fazer o público se divertir através do olhar de protagonistas (interpretados magistralmente por Ryan Gosling e Emma Stone) que louvam o amor. O jovem cineasta Damien Chazelle (do impressionante Whiplash) mais uma vez brinda os cinéfilos com uma pequena obra prima.

Na trama, ambientada em Los Angeles, conhecemos o pianista Sebastian (Ryan Gosling), um amante do Jazz que vive buscando seu espaço em meio a mudanças constantes que a vida coloca em seu caminho. Rabugento e completamente sozinho, de maneira inusitada, acaba conhecendo a sonhadora Mia (Emma Stone), uma jovem que partiu para Los Angeles para buscar a difícil carreira de atriz mas que hoje trabalha em uma espécie de Starbucks dentro de um famoso Estúdio de gravações de filmes. Logo o amor entre os pombinhos acontece e, entre as estações do ano, precisarão compreender como é viver a vida a dois e o tamanho que o sonho de cada um tem na vida do outro.

Cidade de estrelas, você está brilhando só para mim? Em pouco mais de duas horas de projeção – que desejamos que nunca acabe – o roteiro, também assinado por Chazelle, navega na busca pelo sonho tendo um inesquecível amor que nasce de plano de fundo. Todas as fases do relacionamento entre os protagonista é decifrada de maneira nua e crua, real. Sentimos toda a dor e sofrimento, que são aliviadas, talvez, pela atmosfera musical que o filme se completa. O amor de dois sonhadores pode nem sempre terminar em um final feliz mas outras possibilidades existem e a grande cereja do bolo maravilhoso de Damien Chazelle é exatamente apresentar para nós meros cinéfilos um leque de possibilidades para esse desfecho numa sequência final que deixa a todos nós praticamente sem conseguir respirar e onde a emoção transborda até mesmo nos corações mais durões.

É este o início de algo maravilhoso e novo? Ou mais um sonho? O filme também presenteia o público com uma singela homenagem aos musicais e a uma Hollywood e sua magia que sempre fizeram parte do imaginário de todos que amam a sétima arte. A poesia do filme e todos os sentimentos expostos pelos brilhantes personagens é algo mágico, um sentimento que somente o cinema pode proporcionar, toca bem profundo em nossas emoções. A trilha sonora é digna de prêmios e adicionamento em nossas playlists para uma eternidade. As atuações são magistrais, Gosling e Stone cantam, dançam e emocionam em interpretações históricas, marcantes. 

La La Land - Cantando Estações estreia nos cinemas brasileiros na próxima semana e sem dúvidas será um grande sucesso de público. Amor, Jazz, charme, Hollywood, sonhos, escolhas. Louvando Hollywood, o filme mostra que a realidade nem sempre é como nos filmes. Esse projeto é um Oasis em nossos corações sofridos, uma chance de encararmos a realidade com muito mais leveza.

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Crítica do filme: 'Os Penetras: Quem Dá Mais?'

Malandragem de verdade é viver. Tentando seguir o sucesso de público do primeiro filme (que teve mais de quatro milhões de ingressos vendidos em todo o Brasil), Os Penetras: Quem Dá Mais?, segundo longa metragem da franquia estrelada pelos humoristas Marcelo Adnet e Eduardo Sterblitch, é um pouco de mais do mesmo do primeiro filme. Dirigido novamente pelo cineasta Andrucha Waddington, o projeto tem alguns momentos engraçados mas o roteiro deixa a desejar. É o tipo de filme que é feito para divertir sem nem um compromisso com perfeições cinematográficas.

Na trama, voltamos a encontrar o ingênuo Beto (Eduardo Sterblitch) que acaba indo parar em uma clínica psiquiátrica após ter sido enganado mais uma vez pelo amigo de malandragem Marco (Marcelo Adnet). Com o cotidiano limitado, certo dia, Beto recebe uma mensagem e descobre que Marco acabou falecendo, assim resolve fugir da clínica e ir ao enterro do amigo, chegando lá encontra os outros parceiros de trambiques: a bela Laura (Mariana Ximenes) e o experiente malandro Nelson (Stepan Nercessian). Nesse reencontro acaba surgindo a possibilidade de um novo golpe ao mesmo tempo que Beto começa a ver o que parece ser o espírito de Marco em todos os passos que dá.

O roteiro acelera a trama central, não há profundidade. Fica limitado basicamente a uma outra boa cena cômica de Sterblitch, ou, alguma boa intervenção de Adnet em forma de espírito. O destaque cômico mesmo não fica marcado nos protagonistas mas para o coadjuvante Nelson, interpretado por Stepan Nercessian, que possui boas sequências ao longo da trama. Andar pelo caminho da malandragem, com os leques de opções sendo muito diverso, o roteiro pode acabar se perdendo, principalmente se tentar adicionar clichês a todo instante, como fica bem claro no filme.

Os Penetras: Quem Dá Mais? Estreia na próxima quinta-feira, 19 de janeiro, nos cinemas e promete ter uma boa média de público e pegar o rabo do foguete Minha Mãe é uma Peça 2 que é o mais novo fenômeno em vendas do cinema nacional.

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Crítica do filme: 'Um Limite Entre Nós'

Mude suas opiniões, mantenha seus princípios. Dirigido e protagonizado pelo genial artista Denzel Washington, Fences fala sobre a vida de um homem, seus conflitos, suas convicções e suas relações conturbadas e cheias de princípios com sua família. Baseado na peça homônima de enorme sucesso escrita por August Wilson (que assina o roteiro), e também protagonizada por Denzel e Viola Davis nos teatro (papel que lhes rendeu o prestigiado prêmio Tony em 2010), o longa metragem tem momentos de pura poesia que nos faz pensar a cada minuto sobre nossa vida e nossos sonhos nesse imenso mundo cheio de diversidades em que vivemos. Talvez a cereja do bolo, as atuações de Denzel e Viola Davis são magistrais, uma grande aula de cinema.

Na trama, ambientado na década de 50 nos Estados Unidos, acompanhamos a trajetória de Troy Maxson (Denzel Washington) um homem analfabeto, que foi preso por anos, e depois trabalhou duro todos os dias para sustentar sua família, de origem humilde, em um bairro familiar norte americano. Frustrado toda vida por não conseguir ter sido um jogador de baseball profissional, com todo o talento que tinha, seu destino lhe reservou outra história e assim ele vive o cotidiano entre um drink e outro, tentando se manter consciente em casa e no relacionamento conturbado que possui com sua mulher Rose Maxson (Viola Davis) e seus dois filhos além de ter que cuidar do irmão Gabriel (Mykelti Williamson), um ex-combatente do exército que voltou com problemas da guerra.

Mesmo falando de assuntos familiares complicados, com a ótica totalmente em cima nas escolhas que o protagonista toma, o filme respira poesia e leveza. As lições que o texto de August Wilson provoca no espectador são inúmeras. As cercas do título fazem total sentido, é o paralelo com Troy que parece ter colocado uma grande proteção em volta de quem os cerca. Mesmo com atitudes impulsivas e seguindo uma regra de disciplina fervorosa, Troy é o retrato de grande parte dos trabalhadores norte americanos de origem humilde na década de 50, esperando por chances que às vezes nunca chegam, lutando contra preconceitos todo dia. Podemos fazer uma analogia com os tempos atuais de crise não só no Brasil mas em boa parte do planeta.

O filme ganha contornos mais dramáticos quando Troy conta a sua esposa Rose, com quem é casado há 18 anos, que terá um filho em breve de uma amante. Essa cena já vale o ingresso, Viola e Denzel não dão só show, dão aula em cena. A partir desse ponto, muita coisa muda na visão de Rose mesmo Troy tentando se manter firme em suas atitudes e as conseqüências que chegam a partir disso, como o distanciamento do filho mais novo que é praticamente expulso de casa certo dia pelo pai.

Fences possui cerca de 140 minutos, e praticamente nem sentimos. Podemos dizer que é um teatro filmado, com poucos cenários e impactantes diálogos. É uma história forte, muito bem escrita e atuada que conta com atuações espetaculares de dois dos melhores atores norte americanos em atividade. Bravo! 

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Crítica do filme: 'Vizinhos Nada Secretos'

Caso um dia a inveja bata na sua porta, deixe-a entrar pois nada é pior do que um mal frustrado. Dirigido pelo cineasta nova iorquino Greg Mottola (do engraçado Superbad: É Hoje), Vizinhos Nada Secretos possui uma daquelas histórias chatas que já vimos em alguns insuportáveis blockbusters ao longo dos anos. Tudo é muito ruim, do roteiro, às atuações, à direção. De secreto mesmo vem a qualidade, que fica escondida durante todo o filme, secreta mesmo.

Na trama, conhecemos Jeff Gaffney (Zach Galifianakis), um homem da classe média norte americana que mora em um simpático bairro com sua esposa Karen (Isla Fisher). Certo dia, Tim e Natalie Jones (Jon Hamm e Gal Gadot) se mudam para a vizinhança dos Gaffneys e logo um misto de mistérios com inseguranças acabam tomando conta da vida dos protagonistas, já que os novos vizinhos são na verdade dois espiões que estão naquele bairro para uma missão.

O roteiro assinado por Michael LeSieur possui arcos muito mal definidos. Na primeira parte da história, uma introdução bastante superficial acompanha a trajetória corrida dos personagens abrindo aspas apenas para tentativas de piadinhas sem graça em grande parte dos diálogos, principalmente entre a dupla de protagonistas. Do meio para frente uma ação desenfreada é instaurada e tudo que acontece na tela vira uma grande confusão na mente do espectador. Mesmo sendo feito de maneira para rir em alguns momentos, dá mais vontade é de chorar (de raiva).  

Em falar nos personagens principais, não há um pingo de carisma na dupla (nem no quarteto) interpretada por Zach Galifianakis e Isla Fisher. Os novos personagens, os vizinhos, que poderiam agregar alguma coisa à trama acabam virando manequins humanos para criar o estereótipo das belezas hollywoodianas, principalmente a nova Mulher Maravilha Gal Gadot.

Vizinhos Nada Secretos (título mais clichê impossível), estreia no circuito brasileiro no mês de fevereiro e deve ser mais uma daquelas comédias hollywoodianas que passam voando pelos cinemas, tiram alguns poucos risos e são deletadas da mente dos espectadores em poucos dias. 

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Crítica do filme: 'Animais Noturnos'

Quase sempre é preciso um golpe de loucura para se construir um destino. Dirigido pelo cineasta Tom Ford, em apenas seu segundo filme na carreira (o primeiro foi o ótimo A Single Man), Animais Noturnos é uma série de insanidades intelectuais que fala basicamente sobre o descontrole emocional, rica em detalhes estéticos que dão um verdadeiro nó na mente do espectador. É preciso muita atenção para entender alguma mensagem que o filme queira transmitir. Indicado a três categorias no Globo de Ouro desse ano, o projeto conta com uma atuação inspirada de Aaron Taylor-Johnson.

Na trama, conhecemos a desiludida Susan (Amy Adams), uma rica e chique Srta. Que trabalha em uma prestigiada galeria de arte. Casada com o milionário Hutton (Armie Hammer), que passa por problemas financeiros, a protagonista é uma alma triste que escolheu tempos atrás ter estabilidade do que acreditar no sonho de seu ex-marido, o escritor Edward (Jake Gyllenhaal). Certo dia, Susan recebe em sua casa um esboço do novo livro do ex-marido e acaba embarcando na aterrorizante história que acaba mudando suas escolhas de alguma forma.

Tudo é muito difícil de se entender nesse filme, por isso, paciência e atenção. Orçado em 20 Milhões de dólares, Animais Noturnos fala em sua maior parte do tempo do descontrole emocional e as dúvidas nas escolhas que traçam as principais direções de vida dos personagens. Reclusa em seus pensamentos a maioria do tempo, abalada emocionalmente, tendo noites sem dormir, Susan é uma personagem intrigante e que vai mudando de personalidade conforme vai avançando nas páginas de leitura intensa do livro do ex-marido. Essa transformação acaba mudando não só sua maneira de ver as coisas mas a de todos ao seu redor.

O paralelo, talvez o pulo do gato que Tom Ford queira expor mas que se dificulta o entendimento por conta da narrativa extremamente peculiar, é a associação da história lida por Susan (e mostrado paralelamente à rotina da protagonista) com sua própria vida. E nessa junção, a interseção é somente uma: a vingança. Correndo em longas distâncias, os paralelos seguem rumo a um desfecho que motiva o espectador a assistir até o final (prende a atenção) por mais que o resultado não seja tão satisfatório.

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