Crítica do filme: 'Coração Mudo'

Depois de belíssimos trabalhos comandando filmes europeus de qualidade, o diretor Bille August volta às telonas, dessa vez, para dirigir um drama contundente, cheio de reviravoltas e emoção. Coração Mudo é uma espécie de Festa em Família com uma roupagem diferente mas com as mesmas surpresas e personagens intrigantemente fascinantes.

Na trama, conhecemos Esther (Ghita Nørby), uma senhora de idade avançada que em certo momento resolveu dar um fim à sua vida, antes porém, resolve passar um último final de semana com sua família (que está por completa ciente do eminente suicídio). Quando chega o fatídico dia, ações e emoções descontroladas começam a tomar conta da história, com muitos personagens mudando de opinião a todo instante sobre a situação.

Conflitos, dor e sofrimento estão contidos em cada um dos numerosos e árduos diálogos que contém a fita. Entendemos a situação inusitada do suicídio/eutanásia pela ótica de cada um dos personagens. Cada momento dramático é construído de maneira inteligente e nunca o filme se torna maçante. É fácil se envolver por essa história, o epicentro da trama é uma atitude corajosa e bastante polêmica. Coração Mudo é o clássico filme onde as atuações precisam ser muito convincentes para a fórmula do roteiro dar certo. Felizmente, isso acontece do primeiro ao último minuto.

Paprika Steen esbanja competência mais uma vez com sua recatada, descontrolada e emotiva Heidi. 

Os detalhados momentos cômicos ficam à cargo do ótimo ator Pilou Asbæk que dá vida ao confuso mais carismático Dennis. Mas quem rouba a cena é a protagonista Esther, interpretada pela maravilhosa Ghita Nørby (A Diane Keaton da Dinamarca). Em simples diálogos ou em momentos de total força emotiva em cena, a experiente artista dá um verdadeiro show. Não seria um absurdo dizer que essa atuação é uma das melhores entre atrizes dos filmes deste Festival do RJ. Grande filme, grandes atuações! Bravo!

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Crítica do filme: 'O Sal da Terra'

Cada um molda sua forma de ver o mundo de acordo com tudo que já viveu. O documentário que abre o Festival do RJ 2014, é uma junção entre cinema e fotografia, algo único para todos os amantes de qualquer arte. O Sal da Terra, título maravilhoso diga-se de passagem, conta a história de um brasileiro com um olhar único sobre o mundo que estudou e vive. Dirigido por Juliano Salgado (filho do protagonista) e pelo genial cineasta Wim Wenders, o documentário promete ganhar milhares de fãs mundo à fora e definitivamente trazer a luz o nome do espetacular ser humano que é Sebastião Salgado.  

Nesse impactante documentário, somos teletransportados para as lentes de um dos maiores fotógrafos do planeta, o brasileiro Sebastião Salgado. Ao longo dos últimos anos, Salgado viajou o mundo registrando dramas, emoções e apresentando para quem quisesse ver muitos problemas ao redor da Terra. Por meio de fotos instigantes, somos testemunhas de um registro único de um ser humano pra lá de especial. Sua história, começou em uma cidade do interior do Brasil chamada Aimorés, único irmão entre sete irmãs, Tião, como carinhosamente é mencionado vários vezes no filme pelo seu pai, mostra ao público como a fotografia é explicada como um alguém que escreve em luz.

Cada foto, uma história diferente. Os relatos calorosos cheios de carinho e emoção dão um significado para cada imagem que passa como se fosse um lindo carrossel na telona do cinema. O espectador se sente em um magnífico tour em uma galeria mágica com retratos, paisagens e exposições que atingem em cheio nossas emoções. O tom em preto e branco, oriundo de muitos cliques do famoso, e ex-economista, personagem principal dão um toque de perplexidade a tudo que conferimos na telona.

O Sal da Terra tudo mais é que a história do mundo por um brasileiro que conheceu o mundo. Cada depoimento tem um clima de emoção que transporta para as cadeiras dos sortudos que puderem conferir esse trabalho no cinema. Emocionante também é a narração e depoimento do grande cineasta Wim Wenders, que muitas vezes se rende em falas emocionadas ao grande protagonista desse seu novo filme. Na conclusão, podemos cravar com toda nossa emoção que viver é descobrir pessoas, afinal: as pessoas são o sal da terra! Bravo!

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Crítica do filme: 'Quando eu era Vivo'

Os créditos iniciais subindo com o fundo de uma espécie de tapete colorido juntamente com uma música instrumental insinuante já era um sinal de que estávamos prestes a conhecer um filme nacional diferente e que pode ser o precursor da nova geração de filmes do gênero suspense. Dirigido pelo bom cineasta Marco Dutra, Quando eu era Vivo possui uma narrativa lenta e muito detalhista, pecando apenas por uma certa falta de sentido nos desfechos de alguns personagens. Mesmo assim, da maneira como foi filmado, a produção acerta em cheio ao conseguir manter os olhos do espectador sob atenção máxima durante toda a projeção. É um ótimo trabalho de direção. 

Nessa misteriosa trama, conhecemos José Matos Jr. (Marat Descartes), um homem com olhar e atitudes recônditas que volta para casa depois de anos morando com sua ex-mulher. Recebido pelo pai (Antonio Fagundes), de maneira distante, aos poucos vamos descobrindo o passado dessa família que por anos esconderam segredos ligados ao ocultismo. O longa-metragem, que já gerava bastante burburinho nas rodinhas cinéfilas aqui do sudeste, vai e volta em sua linha temporal. Esse artifício faz com que o público tente adivinhar a todo instante o destino de cada um dos interessantes personagens. O público se sente dentro daquela casa que gera calafrios.

O roteiro é muito interessante. Conseguimos, enfim, um suspense que não se complica nas entrelinhas dos diálogos ou cenas mal encaixadas. O grande mérito do filme é esse, sem dúvidas. Mas alguns detalhes com os desfechos de certos personagens, que não serão explorados neste texto por conta de importantes spoilers, podem deixar o público não decepcionado mas esperando um grand finale que não acontece. Faltou mais brilho no final. Parece que o filme, que estreia nesta sexta-feira (31) em todo Brasil, levou um gol de empate aos 45 minutos do segundo tempo.

Marat Descartes está muito bem na pele do protagonista. As mãos trêmulas, o olhar obsessivo e as atitudes suspeitas são aspectos retratados brilhantemente por esse ótimo artista. Seu personagem possui uma fala mansa e todas as ações da trama passam por ele. Mais um grande trabalho desse que é um dos melhores atores do cinema brasileiro atualmente. Para os curiosos de plantão, podemos afirmar que a Sandy atriz não compromete em nenhum momento. Óbvio que se fosse uma atriz mais rodada o filme ganharia demais com isso, até mesmo no quesito tensão, a personagem é bem desenvolvida mas percebe-se claramente que tinha mais suco para sair dessa limonada.

O final para ser entendido é preciso de atenção. Quando eu era Vivo é um filme mais superficial do que aparenta ser, disfarçado com complexidades que nascem das nossas dúvidas, fator interessante. Provavelmente irá dividir as opiniões cinéfilas, exatamente pelo fato óbvio e básico de que a história chegará de maneira diferente para cada um dos espectadores. Muito bom saber que há esperanças nos roteiros brasileiros. Nesse quesito, Quando eu era Vivo contribui e muito para deixarmos para trás anos de tristeza com as lembranças de roteiros ridículos de algumas produções nacionais.

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Crítica do filme: 'Truque de Mestre'

Quem não gosta de um bom show de ilusionismo? Criss Angel, David Blaine, Harry Houdini, Mister M. são alguns dos mais famosos nomes que acompanham o imaginário de muitas pessoas ao redor do mundo com suas habilidades de mágica e ilusão. Se aproveitando dessa necessidade humana pela curiosidade, os roteiristas Boaz Yakin e Edward Ricourt criaram uma história muito inteligente onde o espectador não consegue desgrudar os olhos da telona. Truque de Mestre tem cenas de ação misturadas com diálogos interessantes, transformando a trama em um filme dinâmico e que deve agradar a maior parte do público.

Na trama, acompanhamos um recrutamento, feito por uma pessoa misteriosa, onde habilidosos artistas se unem para um grande golpe envolvendo bancos, chantagens e muito dinheiro o que acaba chamando a atenção da polícia e da mídia mundial. O cineasta francês Louis Leterrier, de trabalhos terríveis como Fúria De Titãs e Carga Explosiva 2, encontra uma fórmula de sucesso, unindo ótimas cenas de ação e momentos de emoção, para dirigir essa empolgante história.

Um dos trunfos são os personagens muito bem definidos. Cada um tem seu objetivo apresentado desde o início, clareando o entendimento ao espectador. Óbvio que algumas surpresas precisavam ser guardadas - o que pode confundir um pouco o público no final - a graça de um filme inteligente como esse é exatamente essa.

É o tipo de filme que empolga do início ao fim. Um outro fator que contribue para tal, são as atuações convincentes do cast principal. Todo o elenco comprou a ideia de fazer um trabalho marcante, inesquecível! Jesse Eisenberg (Para Roma, com Amor), Mark Ruffalo (Os Vingadores), Woody Harrelson (Jogos Vorazes), Isla Fisher (O Grande Gatsby), Dave Franco (Meu Namorado é um Zumbi), Mélanie Laurent (Toda Forma de Amor), Morgan Freeman (Oblivion), Michael Caine (Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge) merecem todo o crédito na execução quase perfeita de cada respectivo personagem.  

O engraçado é pensar nesse filme com outros atores. Antes da produção resolver optar por um grupo de jovens protagonistas (tirando o experiente Woody Harrelson), Philip Seymour Hoffman, Jim Carrey, Hugh Grant, Sacha Baron Cohen e Colin Firth foram considerados para os papéis principais. Com certeza seria um outro tipo de filme e, talvez, nem tão interessante.

Parece em alguns aspectos com Onze Homens e um Segredo. Recrutamentos, planos mirabolantes, uso da tecnologia, golpes em bancos. Uma outra analogia é com o filme de Christopher Nolan, A Origem.  Atenção aos detalhes, a busca de respostas pelo o público e a sensação angustiante e eminente que vai ser surpreendido no desfecho.

Todos os núcleos da trama são bem amarrados, não deixam o espectador confuso. Temos a parte da ação, do drama, do romance, do suspense, todos muito bem envolvidos, deixando o público ansioso em saber o misterioso desfecho. Claro que alguns vão implicar com alguns exageros e peças mal encaixadas ao longo do filme. Para esses, segue a dica: uma pitada de licença poética é saudável em qualquer história passada na telona!  

O grande truque não é mostrado! É sentido pelos espectadores que confortavelmente sentados em suas poltronas no cinema acompanham uma historia empolgante, repleta de reviravoltas. É um trabalho que até o grande David Copperfield aplaudiria de pé!

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Crítica do filme: 'Intocáveis' (2012)

Um filme que transborda alegria em vez de lágrimas

Uma amizade improvável de duas pessoas que vivem em dois mundos diferentes. “Os Intocáveis (2012)” - o novo trabalho da dupla de diretores franceses Olivier Nakache, Eric Toledano vem colecionando recordes de bilheteria ao redor do mundo. Com uma narrativa leve e descontraída o filme foge a todo tempo do clima pesado (que poderia facilmente ter), assim, agradando a todo tipo de público. É uma história bonita, muito bem estruturada e adaptada para o mundo do cinema. 

Na trama, conhecemos Philippe um homem já de idade que ficou tetraplégico após um acidente de parapente anos atrás. Com grande dificuldade de relacionamento com sua família, principalmente sua filha adolescente, convoca muitas vezes ao ano candidatos para a vaga (que sempre fica desocupada) de assistente pessoal. Em uma dessas seleções conhece o carismático Driss, que fora expulso de casa pela mãe, e fica totalmente sem rumo, até conhecer Philippe. Assim, aos poucos, uma grande amizade vai surgindo levando os dois a importantes descobertas sobre o viver.

Conforme caminhamos nessa história vemos por todo lado sofrimentos, de ambas as partes. Um busca respostas, o outro busca saídas para as dificuldades que enfrenta. A relação não é de dor nem culpa (meio que um clichê em filmes do gênero) é de gratidão pela amizade. Quando um entra no universo do outro, mesmo que superficialmente, o entendimento fica mais fácil para os dois seguirem seus próprios caminhos. Nessa amizade o valor é revertido em preenchimento de lacunas um do outro. François Cluzet e Omar Sy, os dois atores estão excelentes, conseguem um ótimo entrosamento gerando um ganho instantâneo de simpatia com o espectador.

No ano de lançamento do projeto, filmes melhores tiveram bilheteria muito aquém em comparação à essa fita francesa. O boca a boca foi o grande trunfo, levou as pessoas ao cinema. Mas não há como se opor ao carisma que o filme transborda, merecidamente, faz sucesso no mundo todo. O longa é agradável e o cinéfilo poucas vezes vê o tempo passar.

Se você pensa que é um drama, esqueça. É um filme que transborda alegria em vez de lágrimas. Não deixe de conferir!

(Atualizado em 19 de julho de 2021).

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Crítica do filme - 'American Pie – O Reencontro'

Com um ar de nostalgia, as boas e velhas piadas do grupo comandado por Jim Levenstein está de volta. Dirigido pela dupla Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg, “American Pie – O Reencontro” é talvez, o grande reencontro de um elenco em uma sequencia que deu certo. Amores do passado, confusões envolvendo sexo, sentimentos antigos (assim como canções antigas) ressurgem nesse retorno da turma original. Muitas outras produções tentaram imitar os personagens de Jason Biggs e companhia, porém, raramente surgirá algo melhor que o original. É um bom presente ao fãs da ‘série’, que estavam totalmente decepcionados com os últimos quatro filmes inexpressivos (após “American Pie: O Casamento”) lançados direto em DVD e sem os astros principais.

Na trama, o famoso grupo de amigos se reúne para uma festa de comemoração, um reencontro entre os formandos do “High School” de anos atrás. Um está com problemas sexuais no casamento (Jim), o outro virou celebridade de um programa esportivo (Oz), o arranjador de confusões Stifler virou um temporário em uma empresa, um viajou pelo mundo (Finch) e o outro é praticamente um ‘dono de casa’ (Kevin). Entre uma confusão e outra, muitas menções ao Facebook (provando que eles estão em um novo século), reflexões sobre a vida e reencontros que marcarão para sempre esses jovens que estavam sumidos da telona.

O pai de Jim, sempre interpretado pelo hilário Eugene Levy, ganha bastante evidência nesse reencontro e tem cenas ótimas com o restante do elenco. O bom roteiro, com diálogos competentes para o gênero, é um dos pontos altos da produção. A piada com Ricky Martin, além de genial, leva o espectador às gargalhadas de maneira contagiante. O impagável Stifler é o grande personagem destaque, novamente. Seann William Scott nasceu para interpretar esse cômico papel.

A cena da panela transparente onde aparece o dito cujo de um dos atores é totalmente desnecessária e realmente não acrescenta nada à sequencia, os exageros nesse tipo de comédia são compreensíveis mas nessa cena específica houve um exagero tremendo.

O contraponto do longa fica por conta da dúvida sobre o que fizeram com suas vidas adultas até aquele momento. Relacionamentos, profissões e muitas outras questões são levantadas e até certo ponto dão um ar de drama em meio à comédia propriamente dita.

Não pense duas vezes, dia 20 de Abril corra para o cinema mais próximo e divirta-se com esses jovens que envelheceram mas continuam os mesmos de anos atrás. Compre a pipoca, chame os amigos e boa diversão!

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