Crítica do filme: 'Baby' [Festival do Rio 2024]

O juízo de valor no centro do tabuleiro para vencer a solidão. Depois de uma passagem positiva pelo Festival de Cannes esse ano, o longa-metragem brasileiro Baby desembarcou no Festival do Rio. Colocando para reflexões embates dolorosos entre duas almas que o destino une movidos ao centro do tabuleiro de emoções intensas, o filme dirigido por Marcelo Caetano aborda de forma visceral as segundas chances e, principalmente, passa a limpo as camadas do juízo de valor. Com uma narrativa hipnotizante, nua e crua sobre as facetas do sobreviver, esse é um daqueles filmes que demoram a sair de nossas memórias.

Na trama conhecemos o jovem Wellington (João Pedro Mariano), que ao sair de um reformatório vai em busca dos pais que não mantiveram contato enquanto ele estava em reclusão. Ao se ver perdido na maior cidade do país, certo dia seu destino se cruza com o de Ronaldo (Ricardo Teodoro), um homem que sobrevive se prostituindo e traficando. Aos poucos esse relacionamento se estabelece com muitas fases que vão desde amor intenso até caóticos desencontros.

Com uma belíssima construção de personagens que não saem de uma zona de conflitos, o roteiro minuciosamente transforma as esperanças de um inusitado encontro nas dores de desencontros. O caminho para isso é feito através de uma narrativa com um desenvolvimento que mantém o clímax constante, passando por construções simbólicas e representativas de opostos – mas nem tanto assim – que se atraem. Há também uma inversão entre a maturidade e a imaturidade, no meio de um sofrer pela solidão, em alguns momentos revertidos para a dubialidade entre as ações antagônicas de explorar e proteger.

Em camadas que vão se desenvolvendo através do profundo alcance na história dos personagens, principalmente na de Ronaldo – interpretado de forma magistral por Ricardo Teodoro, que levou o prêmio de Ator Revelação na Semana da Crítica em Cannes – vamos rumando a uma conclusão imprevisível, em meio aos agitos de uma badalada cidade repleta de diferentes visões e olhares, onde o juízo de valor, na linha das emoções e experiências de vida té ali, ganham o centro das atenções.

Baby estreia no circuito exibidor brasileiro no dia 9 de janeiro. Podemos afirmar com toda certeza que esse é um dos grandes filmes da seleção desse ano do Festival do Rio. 

Continue lendo... Crítica do filme: 'Baby' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'O Silêncio das Ostras' [Festival do Rio 2024]

Um importante olhar para as atividades predatórias. Partindo para uma impactante crítica social através dos conflitos emocionais de uma jovem que acompanha as mudanças de tudo e todos ao seu redor, O Silêncio das Ostras, novo trabalho do cineasta Marcos Pimentel, fortalece o debate sobre as ações das mineradoras. Com uma belíssima fotografia assinada pelo craque Petrus Cariry, o projeto alimenta seu discurso através da tentativa de sobrevivência de uma representante de seres deslocados em meio à destruição.

Na trama, ambientada algumas décadas atrás, principalmente na época da copa do mundo de 1990, conhecemos Kaylane (Bárbara Colen, na fase adulta), uma jovem que mora com a família em uma comunidade de operários de uma mina, vivendo e crescendo a partir das ações da mineradora da região. Quando algumas partidas contornam sua trajetória, o tempo passa e ela se vê sozinha em meio ao caos que se tornou a região após o rompimento de uma barragem. Sem destino, vítima do êxodo da própria história, ela busca novos caminhos tendo como direção o resistir.

Mesmo com um ritmo demasiadamente lento, essa interessante filme encontra uma importante ponte entre um recorte familiar e as questões da mineração. A estrutura da família disfuncional é apresentada por camadas e conflitos girando em torno das ações da empresa que comanda o ir e vir da região. Isso influencia irmãos indo em busca de novos caminhos, uma mãe se deslocando rumo ao egoísmo do abandonar, o pai sofrendo as consequências de anos de um trabalho insalubre, sem assistência. Kaylane se coloca como os olhos do público em uma narrativa onde as imagens viram complementos, não só traçando paralelos com as emoções, mas também para todo um contexto que fortalece o discurso.

Outro ponto chave são os importantes recortes temporais – longe de gerarem redundância - reforçam a solidão pelas partidas, as histórias apagadas, focando nas consequências de pessoas excluídas do próprio berço. A partir disso, em meio a montanhas deixando de existir e a vida se modificando por ações predatórias que só ganham proporções mais críticas quando uma enorme tragédia acontece, chegamos a um desfecho com significados importantes e reflexões que ligam os pontos para a necessidade mais do que urgente para uma forte política ambiental.

Continue lendo... Crítica do filme: 'O Silêncio das Ostras' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'Sem Pudor' [Festival do Rio 2024]

Um amor sem direção que leva duas almas aos limites. Buscando um forte recorte sobre um amor proibido entre uma mulher amargurada e uma jovem que embarca na descoberta da sexualidade, Sem Pudor navega pelas estruturas emocionais de conflitos que se seguem entre as diferentes dores e vícios. O roteiro busca em seu discurso um olhar para a ruptura do sonho pelas escolhas da realidade em um ambiente hostil, preconceituoso, machista, chegando também ao contorno sobre tradições, laços familiares próximos da ruptura e o lado cultural de uma região da Índia. O grande destaque vai para a atuação de Anasuya Sengupta, vencedora do Prêmio de Melhor Atuação na Mostra Um Certo Olhar no Festival de Cannes desse ano.

Na trama, conhecemos Renuka (Anasuya Sengupta), uma prostituta com um passado doloroso que após assassinar um comissário da polícia precisa fugir do lugar onde vive e acaba indo para o norte da Índia onde acaba conhecendo uma jovem chamada Devika (Omara). Logo, de uma improvável amizade, a relação se aproxima para um amor intenso que para se manter precisará ultrapassar várias barreiras que se acumulam num frequente enfrentamento de tudo e todos.

Escrito e dirigido pelo cineasta búlgaro Konstantin Bojanov, esse longa-metragem nos leva numa gangorra de emoções – com uma alta carga de tensão – onde os sopros da felicidade e também do caos se misturam nas inconsequências. As intrigantes protagonistas, duas mulheres completamente diferentes, buscam uma felicidade que nunca viveram, traçam planos que se mostram cada vez mais distantes. As dores, os vícios, a opressão se tornam capítulos de uma história de rupturas onde se caracteriza uma relação destrutiva mas também de descobertas.

Esse confronto com a própria rotina, apresentando ao longo da relação que se estabelece, é apresentado por Bojanov através de cenários que conversam com o estado emocional das personagens. Do caos familiar e da intolerância marcante de muitos de uma região, esses paralelos com as sensações são eficientes quebrando o clima de amargura e fazendo a ponte com a tensão. Ao longo das duas horas de projeção, cenas fortes de violência buscam uma rápida conexão com as reflexões que se apresentam pelo caminho.

Sem Pudor não é um filme fácil. É preciso de paciência para entender e buscar reflexões sobre o labirinto que se encontram duas almas que vivem intensamente o mais forte dos sentimentos marcadas por espinhos vindos da realidade dura que vivem. 

 

 

Continue lendo... Crítica do filme: 'Sem Pudor' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'Kasa Branca' [Festival do Rio 2024]

Um delicado recorte sobre amores, afetos e família. Partindo de um drama familiar e abrindo um leque de camadas contextualizadas por dilemas da vida, o longa-metragem Kasa Branca, que teve sua estreia no Festival do Rio 2024, é um passeio sobre verdades da realidade. Escrito e dirigido por Luciano Vidigal, de forma simples, objetiva e sem esquecer do bom humor, somos apresentados a carismáticos amigos, seus dramas e cotidianos.

Na trama conhecemos o jovem e gente boa Dé (Big Jaum) que está passando por um momento delicado. Sua avó, a única parente de seu presente, está numa estrada sem volta com a doença de alzheimer e, precisando cuidar dela, as contas só acumulam. Morador de um bairro de Mesquita, Chatuba, no Rio de Janeiro, ele resolve enfrentar esse momento vivendo o máximo de experiências com ela, contando com a ajuda de seus dois melhores amigos Adrianim (Diego Francisco) e Martins (Ramon Francisco).

O alicerce é a relação do protagonista com a avó. Abandonado pelo pai na infância, Dé se vê em um ponto crítico, sem dinheiro para o básico, prestes a ficar sozinho no mundo, se tornando refém do apenas sobreviver. Todo dia vendo o trem passar - um óbvio paralelo com suas memórias e na busca por algo que não o faça desistir e seguir em frente - acompanhamos sua história com um ritmo dosado, chegando nos demonstrativos de medos e aflições, esses, contidos em cada ponto da narrativa que, trazendo um assunto duro envolvido muitas vezes pela falta de esperança, traça suas reflexões sociais.

Tocando em temas delicados, que são amenizados pelas pausas dramáticas a partir da contagiante amizade dos três amigos e suas questões, esse é um filme sobre verdades. Indicando certeiros paralelos com o mundo real, não é esquecido uma contextualização que vão desde descasos do sistema de saúde pública, mílicia, a corrupção policial, até a falta de um facilitador via políticas públicas na compra de remédios caríssimos.

Como um cronista do cotidiano carioca, trazendo a força da simplicidade na estrutura narrativa, exemplificados por gestos de ternuras imensuráveis, Luciano Vidigal mostra que mesmo na falta de esperança é possível respiros. E ao transformar isso tudo num grande mar de reflexões numa tela grande a mensagem chega com força a todos que estão dispostos a conhecer, aprender e dar sua contribuição.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Kasa Branca' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'Os Enforcados' [Festival do Rio 2024]

Apontando o dedo para o alto da pirâmide da criminalidade, o novo trabalho do cineasta Fernando Coimbra – também diretor do excelente O Lobo Atrás da Porta - é um ousado passeio por ações violentas, tramoias sangrentas, tendo no centro das atenções um casal inescrupuloso que entra numa espiral de ascensão e queda na organização criminosa familiar que fazem parte. Selecionado para o Festival do Rio 2024, o projeto tem uma narrativa pulsante, encostando no tragicômico e mantendo-se firme no discurso que logo se mostra uma contundente crítica social com mais que respingos na atualidade.

 

Na trama, ambientada no Rio de Janeiro atual dominado pelo poder de criminosos, conhecemos Regina (Leandra Leal) e Valério (Irandhir Santos), um casal, parceiros de planos, que vive abraçado à uma família de crime, ligada ao jogo do bicho e lavagem de dinheiro, na capital da cidade maravilhosa. Quando resolvem dar um passo nessa hierarquia, cruzando uma série de limites, planejam o que acham ser um plano perfeito. Só que uma série de consequências desse ato tomam conta dos próximos passos desse recorte rumo ao caos.

Coimbra não alivia ao mostrar os detalhes dessa caminhada rumo à ruína, se joga numa reta de ousadia quebrando os paradigmas familiares, adicionando a crítica social focada no poder corrupto, usando o chocar para criar a tensão e reflexão. Um dos elementos importantes, é a composição e desenvolvimento personagens, que encontram suas camadas em um tour pelo psicológico dominados pela inconsequência, envoltos num estado de alerta constante chegando até a validação da iminência onde a ciranda do poder pode girar a qualquer momento.

Para validar o forte impacto das cenas, uma direção de arte impecável se torna quase um personagem, um espelho complementar do que vivem e sentem os personagens – brilhantemente interpretados por Irandhir Santos e Leandra Leal. Sem alívio para as ações inescrupulosas e batendo forte na tecla de uma elite corrupta que se acha intocável, toda essa atmosfera criada deixa o público atento e surpreso ao longo das duas horas de projeção.

Exibido pela primeira vez no Festival de Cinema de Toronto, Os Enforcados tem como carta na manga a imprevisibilidade, algo que soma demais à narrativa, se consolidando através do caos de ações desenfreadas e do minucioso olhar para a elite do crime, como um forte retrato de nossa sociedade. Os vivos que assustam muito mais que os mortos.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Os Enforcados' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'Emilia Pérez' [Festival do Rio 2024]

O filme de abertura da 26ª edição do Festival do Rio é uma constante explosão de brilhantismo que se joga em uma impecável estrutura musical, sem limites para profundidades de seus complexos personagens, conversando com um contexto repleto de variáveis que vão desde os fortes sentimentos que afloram, após uma radical mudança, até a ganância e o poder. Não há tempo para escantear a violência. A corrupção, os cartéis, ganham seus espaços e reflexões. Por esse caminho, chegamos na força de sentimentos que entram em conflito, que logo se tornam pulsantes, com números musicais inesquecíveis.

Vencedor de dois prêmios no prestigiado Festival de Cannes desse ano, Emilia Pérez nos apresenta a brilhante advogada dominicana - que mora no México - Rita (Zoe Saldaña), completamente infeliz por estar sempre em casos duvidosos que mesmo com a vitória a deixa com a consciência nada tranquila. Um dia, recebe uma proposta inusitada de um dos mais perigosos chefes da máfia do país, Manitas (Karla Sofía Gascón), que consiste em ela o ajudar a se tornar uma mulher e assim desaparecer, além de abandonar a vida no crime. Mas o que será que o destino aprontará ao longo dos próximos anos?

Livremente adaptada do romance Ecoute de Boris Razon, nesse filme marcante podemos equilibrar a narrativa em dois momentos que logo alcançam ações complementares, dentro do antes e depois de uma cirurgia de total mudança. Criar a desconstrução proposta e manter o discurso afiado, imersos em dilemas, é um caminho que o roteiro segue sem deixar as menções das emoções em cada parte. Através de números musicais que ficarão marcados em nossas memórias, o longa-metragem, fortíssimo candidato para o próximo Oscar – em algumas categorias – conhecemos personagens fascinantes com uma série de descobertas carregadas por sentimentos extremos.

Há um achado psicológico interessante, que navega por toda a trama. Como não existe a transferência de consciência, o roteiro estabelece a chegada da aceitação para se descobrir sentimentos próximos do amar, quase uma reversão em relação ao caos de outrora. Quando nos enxergamos nesse ponto, guiados por uma sensibilidade que salta ao exímio conjunto de imagens que conversam com o abstrato do pensar, temos dois olhares: a de um óbvio álibi e seus dilemas e o de um alguém em busca de mudanças mas não sabe muitas vezes lidar com marcas que acumulou por toda uma outra vida.

Indicado da França para o próximo Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e dirigido pelo cineasta francês Jacques Audiard – diretor também do excelente Ferrugem e Osso – esse é um dos filmes imperdíveis da edição do festival carioca.

 

Continue lendo... Crítica do filme: 'Emilia Pérez' [Festival do Rio 2024]

Crítica do filme: 'Oeste Outra Vez' [CINEBH 2024]

Dos assobios iniciais ao amplo contexto de homens e suas fragilidades, o longa-metragem Oeste Outra Vez é uma cirúrgica equação rumo ao caos. Escrito e dirigido por Érico Rassi, o projeto atravessa a iminência pelo trágico transformando os momentos anteriores das grandes ações em verdadeiras percepções das vulnerabilidades. Rodado em 2019, na Chapada dos Veadeiros, em Goiás, essa é história que logo domina a nossa atenção, se mantendo assim do início ao fim.

Na trama, conhecemos o amargurado Totó (Ângelo Antônio), dono de um bar decadente, que após ser abandonado pela companheira, resolve acertar as contas com um outro morador da cidade onde mora, Durval (Babu Santana). Totó então contrata Jerominho (Rodger Rogério), que diz ser um competente pistoleiro, para matar Durval. Mas as coisas não saem conforme o planejado, levando essa história para uma série de desencontros rumo às profundezas da solidão.

Tudo passa, nada fica. Muito bem filmado, e com diálogos maravilhosos, essa espécie de faroeste brasileiro bebe da fonte dos irmãos Coen - de Fargo principalmente - mas mostrando personalidade e originalidade em toda a condução da surpreendente narrativa. Nesse sertão caracterizado como uma terra sem lei, onde pulsa o acaso, ações com opostos desejados se tornam recorrentes, porém longe de redundâncias. Em um dos seus inúmeros méritos, percebemos uma fotografia que conversa a todo instante com o estado emocional dos personagens.

A partir do silêncio, de uma solidão nas linhas da amargura, se constrói e logo desconstrói, com subtramas ganhando espaço seguindo um discurso que pisa com força no tragicômico. Nessa pequena obra-prima do cinema brasileiro, personagens acumulam as emoções de uma frágil masculinidade se tornando nômades das próprias inconsequências. Pra jogar luz e compreensão a tudo isso, além e outros elementos – como a notória e já comentada radiante fotografia - uma marcante trilha sonora abrilhanta o equilibrado ritmo pelas imagens e movimentos.

Oeste Outra Vez, grande vencedor do Festival de Gramado esse ano, foi um dos selecionados para a Mostra Vertentes do CineBh 2024. Um filme que atravessa nosso refletir de várias formas ampliando o contexto através de personagens em conflitos que caminham passo a passo para o centro do tabuleiro emocional onde a solidão é um oasis corriqueiro.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Oeste Outra Vez' [CINEBH 2024]

Crítica do filme: 'Sariri' [CINEBH 2024]

A crença das tradições e o confronto com a realidade. Abordando várias questões femininas por meio de duas irmãs oprimidas pelo machismo de todo um entorno onde vivem, sem esquecer de alcançar novas possibilidades através das tradições e fantasia, a cineasta chilena Laura Donoso apresenta um filme objetivo que consegue chegar em várias camadas de reflexões. Em 77 minutos de projeção, com o místico encontrando a fantasia num certo momento, Sariri é um filme que atravessa qualquer melodrama com a rigidez de um forte discurso.

Na trama, num povoado isolado chamado La Lágrima, em uma casa simples, moram duas irmãs de idades diferentes, a mais velha Dina (Catalina Rios) e a mais nova Sariri (Martina Gonzalez). Muito próximas, as irmãs tem sonhos e dúvidas sobre o futuro por viverem num lugar dominado pelas ações opressoras dos homens da região. Certo dia, após uma gravidez indesejada, Dina resolve planejar uma fuga e entra num dilema para saber o que fazer com a irmã. Ao mesmo tempo que essa última precisa enfrentar um desafio.

Há uma personificação do estado de espírito que caminha muito bem de forma complementar à narrativa. A mãe representa o passivo em meio a uma bolha machista, Dina os sonhos interrompidos mas não esquecidos, e a personagem título a esperança. Pelo olhar das duas irmãs a história vai se moldando através de ações e descobertas através de uma constante busca por mudanças, na constatação da infelicidade. Nesse ponto o protagonismo de Dina já se mostra evidente mas sendo Sariri o fator chave dos dilemas.

Buscando um enriquecimento na exploração das infinidades da linguagem, o roteiro mergulha no misticismo, nas crenças, para conversar com as tradições. Essa composição é muito bem elaborada, se torna interessante dentro do contexto de forte presença da razão emocional. Quando sai do campo da realidade e encontra elementos de fantasia, a narrativa se arrasta para o campo interpretativo para se chegar aos dilemas. Esse pode ser o divisor de águas para parte do público, é preciso embarcar nas importantes e reflexivas mensagens contidas.

Selecionado para a Mostra Território do CineBH 2024, Sariri também elabora a solidão de várias formas, seja na razão de existência, seja no palco onde se desenrola esse drama que costura os lapsos de esperança com a dor da opressão. Tomara que esse filme algum dia chegue no circuito brasileiro.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Sariri' [CINEBH 2024]

Crítica do filme: 'Pasárgada' [CINEBH 2024]

Lindas imagens que buscam algum significado. Primeiro trabalho na direção da competente atriz paraense Dira Paes, exibido primeiro no Festival de Gramado e logo depois no CineBh 2024, nos leva para uma proposta de imersão e denúncia ao redor de uma forte mas confusa protagonista e sua conexão com a terra, a natureza, o seu presente, os desejos e as lembranças. Ao longo de 93 minutos de projeção, tendo a Mata Atlântica e sua diversidade como cenário, o sensorial toma conta das ações que giram em torno dos desencontros da protagonista se amontoando em uma série de lacunas para serem preenchidas pelos espectadores.

Na trama, conhecemos Irene (Dira Paes), uma ornitóloga de prestígio que se joga numa expedição na Mata Atlântica para um mapeamento clandestino, um trabalho para um grupo criminoso especialistas em tráfico de pássaros silvestres – animais que não tem muito contato com os humanos. Ao longo do tempo nessa região, e contato apenas com outras duas pessoas, aos poucos vai refletindo sobre sua jornada até ali ao mesmo tempo que interage com grande intensidade com a natureza que se mostra ao seu redor.

Será o objetivo do filme ser um filme denúncia? Tentando se conectar com o que é mostrado – através de lindas imagens – muitas vezes paramos e nos perguntamos: Qual é o discurso? Esse elemento importante da linguagem cinematográfica possui, no caso, uma construção confusa, propõe reflexões sobre desconstruções, um presente repleto de culpas, mas muitas vezes diz nada com coisa nenhuma. Um exemplo nítido é a proposta de abordar o tráfico de animais e não ir a fundo nessa questão bastante complexa, com uma série de pessoas envolvidas, fato que pode acabar frustrando a atenção do público.

Quem você é? Quem você foi? Há um outro caminho para tentarmos entender melhor essa história, nesse caso dentro de uma reta para dentro do olhar da protagonista, seu antes e o atual momento. Aqui, busca-se personificações e imagens aleatórias para conversar com o abstrato das emoções. A saudade da filha, da relação com a família – mostrado no longo bate papo com a irmã – ganham um paralelo com o inconsciente, uma alegoria que se mostra atrapalhada e mais confunde do que esclarece.

Repleto de ações simbólicas, que logo se tornam interpretativas, dentro do ciclo proposto pelo roteiro – começa e termina de uma mesma posição mas com perspectivas diferentes – Pasárgada é uma jornada com riquezas de imagens que buscam qualquer significado. Algumas pessoas vão se conectar e embarcar no decifrar o emocional e o psicológico de Irene, outras não. O filme chegou aos cinemas nessa última semana de setembro. Prestigie o cinema brasileiro e tire suas próprias conclusões.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Pasárgada' [CINEBH 2024]

Crítica do filme: 'Ramona' [CINEBH 2024]

Partindo da busca na composição de um Raio-x da futura personagem de um filme de ficção a cineasta Victoria Linares Villegas amplia os olhares com uma curiosa – e inteligente - condução documental, uma marca notória de um dos ótimos filmes exibidos na décima oitava edição do CineBh, o dominicano Ramona. Trazendo para os holofotes através de uma metalinguagem cirúrgica - uma produção cinematográfica, dentro do próprio filme - a maternidade na juventude ou início da fase adulta, o precoce amadurecer, da negação à discriminação, todo o processo de descobertas, acabam chegando até um recorte social profundo e cativante.

Através do criar dentro de um raciocínio nada genérico, atingindo em cheio o ‘pensar fora da caixa’, encontramos pela premissa uma atriz buscando em um intenso laboratório a inspiração para uma personagem que está grávida na adolescência. Assim, parte pelas ruas da periferia de Santo Domingo e encontra muito mais do que apenas uma história, mas uma representação social, logo chegando a uma construção múltipla, de algo que era para ser apenas uma personagem expande-se para um universo de possibilidades mudando a trajetória do filme.

A procura pelo conhecimento do processo proposto acaba não querendo dizer absorver experiência com a situação. Esse dilema acaba atingindo a atriz do filme que pelo desejo de retratar o mais fiel possível a realidade percebe na própria produção novos caminhos e olhares para a premissa dessa história. Explicar esse processo a partir do uso da própria sétima arte - o que podemos chamar de metalinguagem - é uma bela sacada. Ao concretizar as inspirações através desse uso objetivo da própria linguagem cinematográfica, o projeto ganha um conhecimento inesperado.

Integrando a Mostra Continente do CineBH 2024, o filme dominicano Ramona – que teve sua estreia mundial no Festival de Berlim – é uma daquelas ótimas surpresas que nos convida para novas possibilidades de alcances da linguagem sem deixar de acertar o alvo com um narrativa alinhada ao discurso.

Continue lendo... Crítica do filme: 'Ramona' [CINEBH 2024]