Crítica do filme: 'Superpai'

Pô, sempre mais do mesmo! Em mais uma tentativa de moldar comédias nacionais a partir de estruturas hollywoodianas de roteiro, chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (26.02) a comedia Superpai. Repleto de piadinhas sem graças, o que causa mais choros de tristeza pelos blockbusters do cinema nacional do que qualquer outra coisa, Superpai possui ainda personagens mal desenvolvidos e principalmente um protagonista de dar pena. Já podemos considerer esse, como um dos piores filmes que vão chegar ao nosso circuito nesse ano.

Na trama, conhecemos o complicado Diogo (Danton Mello), um homem de meia idade desempregado, e metido a jogador de pôquer, que vive um momento familiar muito ruim pois todo dia briga com sua mulher e ainda por cima não consegue criar um forte vínculo paterno com seu único filho. Certo dia, na noite de uma festa de veteranos de sua ex-escola, resolve deixar seu filho em uma creche e acaba se metendo em grandes confusões.

Com direito a vômitos a la O Exorcista, diálogos bisonhos e atuações terríveis, nos sentimos no meio do deserto do Saara. Não existe Oásis, tudo é muito ruim. As poucas piadas que encaixam e dão certo chegam da turma do stand up comedy que faz uma participação no filme. O roteiro possui sua certa estrutura, moldados por padrões norte-americanizados mas falta muita força cênica para o filme decolar.

Superpai peca também por não possuir pontos de interação com o público por conta dos inúmeros absurdos gratuitos que vemos nas sequências. É um grande pacote de exageros que descaracterizam qualquer tipo de obra cinematográfica que quer passar algum tipo de mensagem. Em muitos momentos durante o filme, que cisma em não acabar, pensamos que esse projeto só serviu para virar ponto de propaganda do Telecine Play. Nós cinéfilos ficamos tristes, o cinema nacional merece mais.

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Crítica do filme: 'Kingsman – Serviço Secreto'

Jack Bauer? James Bond? Jason Bourne? Depois dos ótimos filmes Kick-Ass e X-Men: First Class, o cineasta britânico Matthew Vaughn volta as telonas com um filme recheado de grandes e competentes astros que se reúnem para mais uma vez provar que existem blockbusters de qualidade. A mentirada rola solta como nos filmes mais impossíveis já produzidos: homens sendo cortados ao meio, egocêntricos vilões, enormes explosões mas tudo isso feito com um grande charme que conquista o público rapidamente.

Na trama, conhecemos a história de Harry Hart (Colin Firth) um homem elegante que faz parte da organização de espionagem secreta denominada Kingsman. Anos atrás, durante uma rotina de treinamentos, um de seus homens morre salvando sua vida. Anos se passam e o filho desse homem que falecera é escolhido por Harry para adentrar ao Kingsman, só que para isso precisará completar um treinamento insamente difícil ao lado de outros concorrentes. Em paralelo a isso, Harry e toda Kingsman começam a investigar um milionário do ramo da tecnologia que pretende dominar o mundo.

Kingsman – Serviço Secreto é um filme violento mas elegante. O roteiro tem um dinamismo enorme. Dois clímaxs correndo em paralelo é a grande sacada do diretor. Enquanto assistimos aos clímaxs do treinamento que o personagem principal passa, o outro personagem importante, Harry (Colin Firth), investiga o futuro vilão da história, interpretado pelo sempre excelente Samuel L. Jackson (que tira vários risos da plateia sempre que em cena). O filme é feito para você não tirar os olhos da telona, ação, comédia e emoção na medida certa.

O público não consegue tirar os olhos da tela, a cada nova cena um riso novo. Cheio de piadas inteligentes e recheada de sarcasmos em sua execução, Kingman – Serviço Secreto ainda é super bem interpretado, possui personagens excelentes e que ainda incorporam toda a classe e elegância da terra da rainha. Nomes de personagens como Merlin e Lancelot, mostra como o filme é uma grande excursão britânica com todos os moldes das comédias blockbusters norte-americanas.

Com giros ao melhor estilo Matrix, vilã de pernas metálicas, surpresas, traições. Kingsman – Serviço Secreto é um dos melhores blockbusters que serão lançados nesse ano em nosso circuito, não percam!

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Crítica do filme: 'Two Night Stand'

Como controlar os impulsos da pós-adolescência? Dirigido pelo norte-americano, estreante em longas-metragens, Max Nichols e com um roteiro assinado por Mark Hammer, Two Night Stand é uma comédia adolescente com uma pegada independente. Os atores Miles Teller (do espetacular Whiplash) e Analeigh Tipton possuem uma bela harmonia em cena o que releva os inúmeros clichês e a falta de profundidade em alguns diálogos. 

Na trama, conhecemos Megan (Analeigh Tipton), uma ex-estudante de medicina que terminara com o noivo recentemente e não consegue se desgrudar da solidão. Certo dia, resolve se cadastrar em um dos inúmeros portais de relacionamentos que existem na internet. Assim, conhece Alec (Miles Teller) um jovem que adora uma piada e que irá passar 48 horas ao lado de Megan. No começo, eles não se entendem mas aos poucos vão começando a descobrir a história de cada um deles.

Chama a atenção a naturalidade e improviso da dupla de protagonistas ao longo de toda a fita. Há muito carisma em cena. O roteiro se camufla de superficial para busca sua profundidade dentro das várias deixas para assuntos complexos, existenciais, sobre relacionamentos. Two Night Stand pode ser considerado por alguns um filme ‘sessão da tarde’ mas tenta ser diferente ou maduro em muitos momentos. 

(Atualizado em julho/2021).

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Crítica do filme: '50 Tons de Cinza'

Amor e desejo são coisas diferentes. Nem tudo o que se ama se deseja e nem tudo o que se deseja se ama. Baseado no best-seller mundialmente famoso de E.L. James, chegou aos cinemas brasileiros na última semana o aguardado longa-metragem 50 Tons de Cinza. Para comandar esse trabalho, foi chamada a cineasta britânica Sam Taylor-Johnson (que havia feito ótimo trabalho no excelente filme O Garoto de Liverpool) e os quase desconhecidos atores Dakota Johnson e Jamie Dornan para protagonizar o casal chave da trama. Ao longo dos sonolentos 125 minutos de fita, vemos uma direção totalmente perdida na hora de captar as emoções/objetivos dos personagens, o casal de protagonistas parecendo robôs de transformers (tamanha falta de carisma e emoção) e um roteiro (adaptado) de Kelly Marcel que esconde, ou praticamente some, com qualquer vestígio dos personagens contidos nos livros. 50 Tons de Cinza é o mais novo Titanic (o navio) do cinema.

Na trama, conhecemos a bela e tímida Anastasia Steele (Dakota Johnson), uma jovem que após ir para uma entrevista no lugar de uma amiga, acaba conhecendo o misterioso empresário Christian Grey (Jamie Dornan). Logo de cara, os dois futuros pombinhos se atraem e logo começam a embarcar em uma relação peculiar, com contratos e pedidos exclusivos, tudo por conta de um segredo que Grey esconde em um quarto secreto dentro de sua casa. Lendo essa sinopse parece até um filme de mistério, né? Mas na verdade, 50 Tons de Cinza em vez de provocar acaba gerando uma outra coisa: sono.

Para um filme baseado em um livro dar certo, sabemos muito bem que a química entre os protagonistas precisa estar super afiada, o que nem de longe acontece com essa fita. A norte-americana Dakota Johnson e irlandês Jamie Dornan não conseguem se entender em momento algum na história. Movimentos robóticos (principalmente nas cenas mais aguardadas), falta de carisma, diálogos fracos que não geram quase nenhum tipo de interação com o público. Com certeza, a maioria das pessoas que adentrarem as salas de cinema para assistirem a este trabalho sairão decepcionadas, não só pela falta de harmonia em cena, mas por inúmeros motivos. Tentaram transformar uma história impactante na leitura (o número de adeptos pelo menos mostra isso), em um filme romântico com os mais caricatos clichês hollywoodianos.

Com o absurdo lançamento em 1079 salas de cinema de todo o Brasil, o que prejudica os verdadeiros filmes bons chegarem aos nossos cinemas, 50 Tons de Cinza corre um sério risco de estar em muitas categorias no próximo Framboesa de Ouro. Os leitores não foram premiados com uma boa adaptação, a indignação deve ser grande. Como cinema, simplesmente não funcionou.  Como diria nosso querido dramaturgo e poeta William Shakespeare: “É mais fácil obter o que se deseja com um sorriso do que à ponta da espada.”

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Eu dando dicas de filmes na Rádio CBN ao vivo hoje :)

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Crítica do filme: 'Corações Livres'

No ano de 2002, a brilhante cineasta dinamarquesa Susanne Bier, brindou os cinéfilos de todo o planeta com mais um filme que defende as tradições do movimento revolucionário cinematográfico dinamarquês, denominado Dogma 95. Estamos falando do emocionante filme Corações Livres. Relançado no circuito carioca nas últimas semanas, o filme protagonizado pelo sempre espetacular Mads Mikkelsen causa um forte sentimento em nossos corações, é o tipo de projeto que volta e meia estaremos pensando sobre. Há uma humanidade profunda em cada situação complexa que acontece nessa grande história.

Na trama, conhecemos um casal de namorados apaixonados, Cæcilie e Joachim, que vivem tranquilamente em uma grande cidade na Dinamarca. Certo dia, após um grave acidente, Joachim perde os movimentos da cintura para baixo e isso causa uma série de transtornos para Cæcilie que não consegue se adaptar a essa nova situação. Joachim, fora atropelado por Marie (Paprika Steen) que é casada com o médico Niels (Mads Mikkelsen) e trabalha no mesmo hospital onde Joachim é internado. O que acontece? Cæcilie começa a se aproximar de Niels e um intenso relacionamento amoroso acontece, deixando o destino de cada personagem incerto.

O filme fala sobre relacionamentos e escolhas. Até que ponto a personagem Cæcilie pode ser apontada como uma vilã da história? Ela não pode se apaixonar novamente? Mas o namorado depois do acidente não precisa dela? O conceito de liberdade aos sentimentos dá a esse roteiro uma humanidade sem tamanho, nos sentimos próximos da história e dos personagens a toda hora. Tiramos nossas próprias conclusões a todo instante, é uma mescla de compreensão, raiva, angústia, agonia. Os sentimentos, oriundo das ações dos personagens, saltam da tela e chegam em cheio em nossos corações.

Esse quarteto fantástico do cinema dinamarquês (Mads Mikkelsen, Paprika Steen, Nikolaj Lie Kaas e Sonja Richter) são geniais. Juntos, transformam uma história complexa em uma trama inesquecível. A transparência dos personagens impressiona, conseguimos ler os sentimentos pelas intensas expressões e ações de todos em cena. É um trabalho brilhante de Susanne Bier na condução desses craques. Quem ganha com isso é o público que tem a oportunidade de ver um filmaço europeu que mas do que nunca mostra que filme bom é atemporal. 

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Crítica do filme: 'The Grand Seduction'

E vem diretamente do Canadá um dos filmes mais divertidos do ano. The Grand Seduction, novo trabalho do desconhecido diretor Don McKellar, é uma aula de cinema em muitos aspectos. Primeiro, conseguiu reunir um elenco maravilhoso (de conhecidos e desconhecidos artistas), segundo porque possui um roteiro brilhante que transforma o filme em diversão para todas as idades e terceiro porque no final da história você quer conhecer pessoalmente aquela comunidade que tanto emociona nossos corações.

Na trama, conhecemos Murray French (interpretado pelo sempre fantástico Brendan Gleeson), um senhor de idade quase avançada que vive em uma vila de pescadores isolada dos grandes centros. Totalmente ilhados, os moradores passam por grandes dificuldades financeiras. Para tentar mudar esse quadro,  Murray precisa achar um médico fixo para a comunidade para que uma grande empresa se hospede no lugar e modifique a vida de todos os moradores. O felizardo é o Dr. Lewis (Taylor Kitsch) que será surpreendido por todos no local.

Esse filme tem tantas cenas legais que fica difícil definir uma só como a melhor. A criatividade de Murray e Cia para tentar convencer o jovem doutor a ficar na vila de pescadores é enorme. Vestindo a carapuça de Dick Vigarista, Murray começa a inventar hábitos nunca vistos naquela comunidade mas que o doutor se identifica. A rotina de todos os moradores é afetada completamente com a chegada do médico, e isso é totalmente renovador para os envolvidos.

O público torce o tempo todo para que o protagonista consiga chegar em seu objetivo, não importando os métodos aplicados. É um anti-herói, um homem comum, cheio de defeitos e qualidades que conseguimos nos identificar facilmente. A história, por ser docemente realista, conquista a todos nós deixando um gostinho de quero mais quando o filme acaba. Deveria e poderia virar um seriado, daria muito certo também.  

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Crítica do filme: 'Amor à Primeira Briga'

Após dirigir um curta-metragem chamado Paris Shanghai, 4 anos atrás, o diretor Thomas Cailley embarca numa história sobre a juventude na França, em seu primeiro longa-metragem que chega ao Brasil no próximo mês Amor à Primeira Briga. Os protagonistas da história, possuem um entrosamento perfeito para nos guiar em uma jornada peculiar em busca de um sentido para a vida. Você, de alguma forma, se sente conectado a história e torce pelos personagens a todo instante.

Na trama, conhecemos Arnaud Labrède (Kévin Azaïs), um jovem carpinteiro que após o falecimento do pai precisa ajudar nos negócios da família ao lado de sua mãe e seu irmão mais velho. Certo dia, em um Stand militar na região praieira onde vive, conhece a bela Madeleine Beaulieu (Adèle Haenel), uma jovem pouco sociável que possui atitudes  grosseiras com todos a sua volta. Por força do destino, Arnaud é contratado para um trabalho na casa de Madeleine e assim nasce uma amizade onde ambos irão aprender o real sentido de suas vidas.

O filme é modelado a partir da visão do mundo de dois jovens que estão em dúvidas e em caminhos diferentes sobre o que fazer com a vida deles na fase adulta, o ponto de interseção entre eles é uma curiosa amizade colorida que surge a partir de algumas coincidências do destino. Arnaud é calmo, inteligente e de alguma forma se sente atraído pela beleza rústica de Madeleine. Já ela, é o inverso do que faz. Tem uma dificuldade em entender as pessoas ao seu redor, odeia trabalhos em grupo e sempre consegue arrumar algum tipo de confusão para sair de delicadas situações que não possuem respostas lógicas.

O roteiro de Amor à Primeira Briga, assinado pelo próprio diretor e por Claude Le Pape, é construído de maneira delicada, tentando fugir a todo tempo de qualquer clichê que poderia incomodar o cinéfilo mais rigoroso. Falar sobre a juventude e conseguir fazer uma certa crítica social é uma missão muito difícil de ser realizada, por isso, Thomas Cailley e companhia merecem todo o mérito pois conseguem criar uma história envolvente e que diz muito sobre o planeta em que vivemos.

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Crítica do filme: 'O Predestinado'

Dirigido pelos cineastas e irmãos alemães Michael e Peter Spierig, O Predestinado é algo como o primo mais velho do espetacular A Origem (de Nolan) e tio de terceiro grau de todos os bons filmes sobre viagem no tempo que já foram produzidos até hoje. A criatividade e inteligência dos irmãos na direção desse filme é algo fabuloso, raramente um filme prende sua atenção todos os segundos de projeção. Nolan aplaudiria de pé.  Ethan Hawke dá um verdadeiro show na pele do protagonista, um dos melhores e mais enigmáticos papéis de sua vasta carreira.

Na trama, conhecemos uma agente de viagens no tempo (Hawke) que precisa impedir que um criminoso extremamente perigoso cometa os atos que executou no passado. Para isso, passa por uma grande viagem no tempo para tentar mudar o rumo dessa história que é cheia de armadilhas e surpresas. Os quebra-cabeças contidos nessa trama são geniais, já no desfecho o público fica de boca aberta ao saber o destino dos personagens que aparecem na trama.

Nada é o que parece nessa história. É o tipo de filme que se você perder o começo, não irá entender absolutamente nada do final. O roteiro flerta com os mais possíveis e lógicos erros de viagens no tempo mas consegue de uma forma fabulosa levar o público a uma história de suspense que surpreende demais. Os diálogos entre os personagens são charadas que chegam ao espectador como pistas para irmos aos poucos juntando as peças desse complicado quebra-cabeça.

O inacreditável é um belo trabalho como esse não chegar aos cinemas brasileiros e ir direto para as locadoras. Praticamente um absurdo. O público merecia ver um filmaço desses nos cinemas.

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Crítica do filme: 'Insubordinados'

A criatividade é a maior rebelião na existência. Dirigido por Edu Felistoque e com um roteiro da atriz, e protagonista desta história, Silvia Lourenço, um dos próximos filmes nacionais ao chegar ao circuito é o reflexivo Insubordinados. O que chama  a atenção logo de cara é a estética tão bonita que assistimos, cada cena tem identidade e cada elemento, do mais simples ao mais complexo, possuem um sentido na mensagem que a história passa. Os personagens vão se tornando envolventes aos poucos e vai crescendo, ao longo dos 82 minutos de fita, um desejo do público em saber qual será o desfecho de cada um deles.

Na trama, conhecemos Janete (Silvia Lourenço) uma mulher solitária que está passando por mais um momento difícil em sua vida, já que seu pai, um coronel aposentado da polícia militar, está em coma. Todo dia ela vai ao hospital visitá-lo, parece nunca sair de lá. Em meio a espera de alguma mudança no quadro em que seu pai se encontra, Janete deixa a imaginação tomar conta de suas ações e começa a criar uma história que acaba sendo um paralelo de tudo que enfrentou em sua vida.

O princípio da autonomia versus o direito de viver. O filme se aproxima de assuntos polêmicos, argumentos são lançados e chegam ao espectador com a força de um soco no estômago. Saudades do pai, da época em que acordava ao som do rádio transmitindo as primeiras notícias do dia e aquele cheirinho de café que dominava o ambiente. A solidão da protagonista é um dos principais temas da trama, entendemos melhor os personagens quando juntamos essa variável a tudo que a trama apresenta como consequência das ações executadas pelos poucos mas ricos personagens que a trama possui.

Com uma trilha sonora hipnotizante, o filme parece não ter sentido muitas vezes, precisamos acoplar os paralelos que são apresentados em formas de metáforas oriundas de tudo que a protagonista já viu ou ouviu. É praticamente uma fuga da realidade, executada de maneira competente por Silvia Lourenço. No fim, percebemos que tudo, que é contraditório na atual realidade, cria vida e sentido virando um belo trabalho de nosso cinema.

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