09/02/2026

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Crítica do filme: 'Eu Volto pra te Buscar’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, onde ganhou exibição na praça mais conhecida da cidade mineira, o curta-metragem Eu Volto pra te Buscar nos leva a uma imersão em um cotidiano difícil, de poucas oportunidades, através dos sonhos de uma juventude que logo se depara com o choque da realidade.

Escrito e dirigido por Roger Bravo, esse é um filme que cria uma identificação imediata por meio de metáforas cotidianas, que logo chega nos embates das emoções. Sustentado pelos entrelaços entre o descobrir das primeiras idades e o amadurecimento diante da realidade que se apresenta, as linhas do roteiro desfilam seu discurso de forma contundente, sabendo exatamente o que quer dizer - e com impacto.

Morador da Zona Leste de São Paulo, Murilo relembra uma inesquecível amizade que virou luto, o choque com a violência, o primeiro contato com a arte como forma de expressão e um amadurecimento precoce, imerso numa realidade com seus desafios, refletindo, já mais maduro, sobre os muitos muros que existem.  

Nesse interessantíssimo filme, percebe-se que as cores vibrantes dão ar aos sonhos, funcionando como um recurso narrativo bem executado, traduzindo emoções intensas, evocando sonhos e memórias. O processo criativo também chama a atenção, convidando o público, no último ato, a compreender o que assistimos sob a perspectiva do crescimento emocional.

Brincando com a linguagem ao reunir técnicas de animações 2D e 3D com o live-action, a obra explora muitos horizontes e perspectivas para jogar luz para a narrativa. Em 14 minutos de projeção, passamos pela cultura do grafite e do hip-hop, a violência policial, a dor da perda, as inspirações, a desconfiança e as amizades, questionando a todo instante sobre os que querem ser, os que parecem ser e os que são.

 

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Crítica do filme: 'Se Esse Amor Desaparecesse Hoje'


Explorando a sutileza de uma relação sem esquecer de aprofundar em camadas, o longa-metragem sul-coreano Se Esse Amor Desaparecesse Hoje posiciona suas peças em um tabuleiro romântico, em busca daquele pedacinho que deixamos para quem amamos. Dirigido pela cineasta Kim Hye-young, o filme - que rapidamente alcançou o Top 10 da Netflix neste início de 2026 – percorre a juventude abordando temas como bullying, luto e o primeiro amor, a partir de uma conexão profunda que se estabelece entre seus personagens protagonistas.

Kim Jae-won (Choo Young-woo) é um jovem e solitário estudante do ensino médio que leva uma vida simples ao lado do pai, um fotógrafo que trabalha com arte em vidro e ainda vive o luto pela perda da esposa. Um dia, após um desafio, ele toma coragem e vai ao encontro de Seo-yoon (Shin Si-ah), uma jovem que rapidamente o encanta.

Porém, nessa história que tinha tudo para rumar para um final feliz, descobre-se que Seo-yoon perdeu a memória após sofrer um acidente de carro e foi diagnosticada com amnésia anterógrada – condição que, ao acordar, esquece tudo que aconteceu no dia anterior. Com regras definidas desde o início, os dois vão se apaixonando e enfrentando os obstáculos que aparecem pelo caminho.

Na linha de um ‘dorama’ - aquelas séries asiáticas marcadas por narrativas emocionais -, o filme constrói uma atmosfera de fábula, mas, à medida que avança em seu desenvolvimento, encontra questões existenciais marcantes, podendo alcançar muitos paralelos na realidade. Os mistérios do cérebro e a relação com as emoções ganham destaque, especialmente na principal reviravolta que acontece na trama – que pode pegar parte do público de surpresa.

Vale também destacar que há uma delicadeza emocional gerando um ritmo contemplativo à maior parte do tempo, herança de um cinema asiático que sabe como ampliar complementos narrativos. A boa condução da direção e a química do casal de protagonistas engradecem a obra, que, entre lembranças e dilemas, convida o público para momentos de reflexão sobre o vazio existencial que pode atravessar muitas histórias do lado de cá da tela.

Seguindo, em parte, a lógica de ‘Como se Fosse a Primeira Vez’, Se Esse Amor Desaparecesse Hoje busca encontrar suas próprias originalidades, tornando-se um drama romântico sutil e de cortar o coração.

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08/02/2026

Crítica do filme: 'A Rainha do Xadrez'


64 casas, 32 peças, milhões de combinações. Esse é o xadrez: um jogo fascinante, repleto de possibilidades. Dentro desse universo, no início da década de 1980, surgiu na Hungria uma jovem jogadora que viria a se tornar um verdadeiro fenômeno desse jogo de raciocínio lógico e estratégico.

Com essa poderosa história em mãos, a Netflix resolveu desenvolver um documentário com a direção da britânica indicada ao Oscar Rory Kennedy. Assim, chegamos a A Rainha do Xadrez, lançado neste início de 2026 na mais poderosa plataforma de streaming.

Vinda de um região pobre na Hungria, onde nasceu em meio ao caótico dos anos 1970, Judit Pólgar, incentivada pelo pai – que tinha uma curiosa obsessão de tornar as filhas em gênias –, deu seus primeiros passos logo cedo nesse esporte. Aos seis anos, ganhou seu primeiro torneio e logo chamou a atenção do mundo enxadrístico.

Com o passar do tempo, Judit passou a sentir a pressão do governo comunista húngaro, que restringia a saída dela e de suas irmãs para torneios fora do eixo. Não desistindo de seus sonhos e dona de uma resiliência impressionante, ela logo quebrou mais essa barreira. A fama mundial veio depois do feito histórico na Olimpíada de Xadrez de 1988, em Tessalônica, na Grécia. Anos mais tarde, se tornou a mais jovem a conquistar o título de Grande Mestre – o mais alto do xadrez –, entre homens e mulheres.

Ofensiva na tática e delicada – além de simpática – nas palavras, a própria Judit, hoje perto de completar 50 anos, é um dos rostos entrevistados pelo projeto, ao lado de suas irmãs, Garry Karparov e especialistas em xadrez, que circulam em conjunto com imagens de arquivos contextualizando tudo que é apresentado.

Com tantos detalhes importantes e bem documentados para se apresentar, o projeto - talvez buscando gerar curiosidade e fascínio em novas pessoas para se apaixonarem pelo esporte - acaba limitando demais a narrativa a alguns pontos que passam frequentemente em tela ao longo dos 93 minutos de projeção.

Se jogando em um recorte pincelado de parte da vida e conquistas dessa que é uma das mais brilhantes enxadristas da história, o documentário percorre as inúmeras quebras de barreiras, sobretudo seu confronto com o machismo estrutural que cerca esse esporte.

Mas há um calcanhar de aquiles evidente, oriundo dos alicerces aos quais se prende o roteiro. Ao insistir na relação conturbada com o pai – que acaba se tornando redundante – e ao se resumir, em grande parte, aos seus confrontos com o enxadrista Garry Kasparov – um deles marcado por uma enorme polêmica – o documentário restringe excessivamente a narrativa.

A Rainha do Xadrez não chega a ser um documentário decepcionante, tem seus méritos, mas a história dessa jogadora é muito mais rica do que se resumir a esses confrontos.

 

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03/02/2026

Crítica do filme: 'Dois Procuradores'


Um dos filmes mais angustiantes que chegarão aos cinemas brasileiros neste primeiro semestre de 2026, Dois Procuradores nos guia a uma imersão sombria e sufocante em um centro de detenção soviético nos tempos de Stalin. Exibido no Festival de Cannes do ano passado, onde concorreu à Palma de Ouro, o projeto dirigido pelo cineasta ucraniano Sergey Loznitsa mostra, em detalhes, os absurdos cometidos ao estado de direito em uma época marcada pela legitimação de atos imperdoáveis por meio de confissões forçadas de inocentes.

No ano que se tornou um dos mais sombrios da história russa, 1937, marcado pela consolidação totalitária de Stalin e por ações desenfreadas contra a população - com julgamentos forjados e execuções -, uma mensagem de um antigo promotor do partido comunista, agora prisioneiro, acaba chegando às mãos do jovem promotor e inspetor de presídios locais em Bryansk, Kornev (Alexander Kuznetsov). Ao tentar abrir uma investigação sobre tudo o que escuta, descobrirá que não pode confiar em ninguém.

Impressiona como essa obra consegue ser atemporal e traçar, aos olhos mais atentos, fortes paralelos com o presente no mundo – quem gosta de geopolítica tem aqui um prato cheio! Com uma narrativa que nos coloca como testemunhas observadoras dos acontecimentos, gerando o desconforto de presenciar os absurdos cometidos e obrigando o público a questionar moralmente tudo o que acompanha, amplia-se a todo instante, ao longo de quase duas horas de projeção, o contexto de um período que marcou a transição russa do estado revolucionário a um estado totalitário.

Todas as peças desse jogo político são coladas na mesa em um roteiro detalhista, no qual o silêncio ecoa, baseado na obra de homônima de Georgy Demidov, que ficou refém da própria sorte, preso em campos de concentração soviéticos por mais de uma década. Com o poder não precisando se justificar, encontramos com o terror imposto pelo Comissariado do Povo para Assuntos Internos – a conhecida NKVD –, o órgão de segurança do governo do ditador soviético e instrumento direto do poder estatal em uma época que se passava por cima de tudo, violando o processo legal.

Com um mise-en-scène impecável, apontando para as relações de poder, Dois Procuradores apresenta seu forte olhar para a repressão do passado sem esquecer de indicar os caminhos para paralelos com o presente.

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02/02/2026

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Crítica do filme: 'Grão' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Com um personagem central que percorre seus dias na solidão de pouquíssimas oportunidades, a bordo de um carro de quase 20 anos equipado com som de proibidões nas alturas e preso à roleta russa do destino, o curta-metragem Grão, exibido na seleção da 29ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes, aborda, em sua essência, o trabalho informal e as desilusões do buscar a sobrevivência à margem da sociedade.

Se sustentando da venda ilegal de soja, recolhendo grãos encontrados entre produtos que se extraviam com o vai e vem dos transportes, o protagonista é um jovem invisibilizado por sua condição, bem distante de qualquer sonho que persegue seu pensar, estagnado na solidão de encontrar soluções para sobreviver. Vivendo no sul do Brasil, uma das principais regiões produtoras do produto mencionado, o personagem começa a perceber que precisa encontrar novas soluções para continuar sobrevivendo.

Dirigido por Gianluca Cozza e Leonardo da Rosa, o interessante projeto - com cerca de 20 minutos - coloca em evidência um drama pessoal e a relação com um dos principais produtos que está no epicentro da economia agrícola do nosso país, uma junção que logo chega em reflexões sobre nossa sociedade. As críticas que chegam pelas entrelinhas juntam as peças para expor a escassez de oportunidade e a luta para existir dentro de um cenário de total exclusão.

Grão, em sua narrativa fluida, não dificulta a compreensão, situa o público sobre seu discurso e apresenta, através de uma única perspectiva, um contexto importante para levantar questionamentos sobre as formas de exclusão de afetam muitas pessoas.

 

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01/02/2026

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Crítica do filme: 'Roteiro para uma Fuga’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Com um ar filosófico e pulos de um existencialismo abraçado na narrativa, o curta-metragem pernambucano Roteiro para uma Fuga levanta questões de identidade e automaticamente simbolismos e razões que constroem um existir. Com direção e roteiro de Priscila Nascimento, esse filme aposta na delicadeza caminhando a curtos passos pelas angústias e a busca por sentidos, revelando-se uma investigação sugestiva pela própria história de uma narradora – figura viva e observadora na narrativa.

Nesse projeto, selecionado para a 29ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes, não há nada de inovador quando pensamos em linguagem cinematográfica, mas o seu modo de contar essa história - direto e simples - encontra atalhos para tornar atraente ao público as imposições do que é incontrolável – também conhecido como obstáculos pelo caminho. Uma boa definição da obra é: um filme fácil de digerir e que pode convidar à reflexões.

Com imagens que passam pelo tão falado São Luiz, um dos cinemas de rua mais charmosos e amados pelos cinéfilos de todo o Brasil, e outros lugares que se ligam a lembranças e experiências que representam dilemas, logo se chega também em analogias através de conhecidos filmes. Com uma narração que impõe intimidade, acompanhamos o surgimento de questões que envolvem família, amor, trabalho - elementos que vão de encontro ao medo das repressões sociais.

Enfatizando a certeza de que o contexto molda uma trajetória de vida, o filme desvendar um olhar para o processo de criação de histórias, na aproximação com as vivências e as relações encontradas pelos caminhos percorridos. Nesses questionamentos profundos, que lidam com dúvidas a todo instante, a única certeza que permanece é que o filme de nossas vidas é uma página de roteiro sempre à espera das próximas linhas.

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Crítica do filme: 'Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Uma legenda logo no início da obra nos situa em um panorama amplo de um passado que segue vivo no presente. A partir da busca por um registro do que restou de memórias de um lugar simbólico de um movimento religioso - símbolo de resistência camponesa que percorreu as década de 1920 e 1930 -, o curta-metragem Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto abre algumas páginas de um livro de recordações sobre uma situação que marcou a história cearense.

A autonomia em um processo artesanal de revelação, aliado a um ajuste por meio de recursos digitais, cria-se dentro dessa narrativa algumas possibilidades. Entre sensações que parecem paralisar o tempo e nos conduzir de volta ao ponto principal do seu registro, o filme, em cerca de 10 minutos, estrutura imagens e movimentos feitos em 16mm, nos quais as dimensões sensoriais da imagem influenciam experimentações.

Do intrigante da captação à amplitude histórica, nem tudo é explicado, necessitando complemento por meio de pesquisa. A origem de tudo que vemos, começa em Crato (Ceará), com José Lourenço, líder católico popular nordestino que criou um modelo coletivo de vida, baseado no trabalho comunitário - algo que, aos poucos, foi incomodando manda-chuvas da região. Alguns anos depois, o lugar onde viviam foi invadido e destruído pelas forças do governo de Getúlio Vargas, e seguidamente bombardeado pela Força Aérea Brasileira.

Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto, selecionado para a 29ª Mostra de Cinema de Tiradentes e dirigido por Weyna Macedo, Lucas Parente, Adeciany Castro, Mariana Smith, segue o movimento que o cinema provoca: o de registrar pra eternidade. A partir desse relevante registro, pontos importantes de um episódio marcante na cultural nordestina - que se entrelaça na fé e na luta pela terra - nunca ficarão adormecidos.

 

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31/01/2026

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Crítica do filme: 'Gilson de Souza – Na Corda Bamba' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Com um recheio generoso de inesquecíveis canções, que buscam o complemento para uma atmosfera introspectiva de um lutador que, em muitos sentidos, buscou seu lugar no mundo por meio de sua arte, o curta-metragem Gilson de Souza – Na Corda Bamba brinda o espectador com uma história que precisava ser contada, mesclando documentário e ficção.

Dirigido por Brunno Alexandre, o projeto apresenta um curto recorte da vida de Gilson de Souza: de pugilista da categoria meio-pesados à sambista, autor de ‘Orgulho de um sambista’ e ‘Poxa’. Falecido há quatro anos, no dia do próprio aniversário, aos 78 anos, percorremos algumas de suas estradas da vida, com início no interior de São Paulo, na década de 1960, perto do começo da ditadura no Brasil. Nesse momento chave de sua trajetória, vemos um homem em conflito entre o esporte e a música, duas paixões de sua vida.

Ressaltando silêncios e provocando atemporalidade por meio da estética de uma fotografia em preto e branco, além de umas brincadeiras com a linguagem de forma a causar impacto estético e contribuir com o ritmo e a imersão da narrativa, esse filme de 10 minutinhos acerta no alvo ao resgatar a memória de uma rica trajetória e transformá-la em registro.

Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, Gilson de Souza – Na Corda Bamba nos leva para um passeio por meio de uma realidade subjetiva, na qual sensações e pensamentos conflitantes se tornam expressões das mais diversas emoções.  

 

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30/01/2026

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Critica do filme: 'Para não ser levada por qualquer ventania' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Impressionante como, em apenas sete minutos, uma obra consegue ser tão profunda e criativa ao mesmo tempo. Articulando as diversas potencialidades da linguagem, tendo apenas ligações telefônicas feitas a um alguém especial que já se foi e de uma série de cenários sob um olhar distante e aleatório, o curta-metragem Para não ser levada por qualquer ventania apresenta o luto como tema principal de uma narrativa que se sente e convoca reflexões.

Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, o projeto escrito e dirigido por Eleonora Loner utiliza poucos recursos e, ainda assim, consegue alcançar o brilhantismo de uma mensagem por meio de uma ideia simples e eficiente. Filmagens caseiras - provavelmente feitas por câmeras de celulares – tornam-se nossos elos com os mistérios de algumas conversas que, a princípio, não entendemos direito sobre o que se trata, mas que vamos entendendo aos poucos seu sentido.

A necessidade do afeto, o desejo de não perder as lembranças, as aflições da ausência, e até mesmo o silêncio que se torna ensurdecedor são pontos chaves para decifrarmos as mensagens que a obra produz chegando diretamente ao conjunto de reações que o luto provoca. Esse sentimento de vazio logo vira uma dedicatória poética, avançando por um percurso de ressignificação.

Ao dividir com o público essa história, de maneira corajosa, Loner expõe suas dores, desejos e tormentos, através também do vazio que ficou. Nessa ebulição do silêncio - um ponto marcante na obra -, todos nós ganhamos, de alguma forma, razões para pensar sobre nossas próprias histórias e nossos próprios silêncios deixados por alguém que já se foi.  

  

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Crítica do filme: 'Faísca' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Por meio de imagens marcantes e de uma narração potente, o curta-metragem Faísca, selecionado para a 29ª Mostra de Cinema de Tiradentes é um filme que gera impacto logo nos primeiros minutos. A obra nos leva para conhecer a aldeia marrecas, ligada a um povo indígena, a partir do notório desaparecimento de animais conhecidos da região. Pelas terras avermelhadas desse lugar, a narrativa nos guia para um tour que atravessa gerações de mulheres imersas em uma cultura rica, que precisa vencer os obstáculos que se impõem.  

Pelos desabafos e paralelos entre o desaparecimento de onças através e histórias familiares dessa comunidade do povo Kariri, em Quiatius, distrito de Lavras da Mangabeira, no Ceará, percorremos reflexões que envolvem ensinamentos familiares, degradação ambiental e o vínculo afetivo de pertencimento. Nessa espécie de filme-denúncia, a conexão dessas muitas realidades constrói paralelos poderosos como uma força resistente contra a ação nociva e desenfreada do homem.

O título, Faísca, ganha inúmeros significados. Atravessa os rituais dos ancestrais, a vivência na caatinga, a sabedoria transmitida de mãe para filha, os aprendizados e a validação da palavra identidade, além da força que surge para enfrentar a pressão de empreendimentos em território indígena. Dessa ideia, nasce um desabafo potente, que ganha forma poética pela condução objetiva e simbólica da narrativa.

Dirigido por Barbara Matias Kariri, Faísca já havia sido exibido no Festival de Brasília do ano passado e, nesse início de 2026 ganhou espaço na programação da Mostra Praça, em Tiradentes. Um lugar onde as mensagens da obra ganharam mais força, em um encontro coletivo sob o céu mineiro.

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Crítica do filme: 'Hacker Leonilia' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Selecionado para a 29ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes, o engenhoso trabalho do brasiliense Gustavo Fontele Dourado, Hacker Leonilia, explora a ficção cientifica entrelaçada à aventura por meio de técnicas de animação e da extensão do mundo real para o digital - seja pela identidade ou mesmo pela interatividade. Um projeto criativo, com ótimo desenvolvimento de sua protagonista: uma idosa hacker que busca na força das memórias uma luta contra o universo que está presa. A obra é baseada, em parte, na história da avó de Gustavo, Leonilia Ferreira.

Os caminhos para esse roteiro não devem ter sido fáceis, já que o que se apresenta em tela é uma sofisticada estrada para se chegar na autorreinvenção através de uma realidade virtual. Há um simbolismo importante sobre a vida eterna, do embate entre meio ambiente e tecnologia, assim como dos laços que se distanciam por questões ligadas ao passado. Da utopia de um mundo ideal à distopia que expõe sinais evidentes de alerta, vamos entendendo diversas razões humanas como o estopim de uma mudança de rota.

Para recriar toda essa ideia, a materialização parece ser feita, em partes, através da ilusão do movimento em fotografias quadro a quadro (stop-motion) combinada a técnicas em 2D (desenhos sequenciais). Essa junção imprime um ritmo bastante corrido, fazendo com que algumas pontas fiquem soltas - algo que não influencia o entendimento - por isso a atenção do público é necessária. Festas realizadas por meio de lives, andróides que assumem formas humanas, elementos vão sendo inseridos para compor um cenário extenso de um metaverso e também toda a denúncia quando esse universo se revela nocivo.

Hacker Leonilia integrou a excelente seleção de curtas-metragens brasileiros que foram exibidos na principal praça da cidade de Tiradentes (MG), localizada no Largo das Forras. Um filme que impressiona pela sagacidade em transmitir suas reflexões sobre a vida, inseridas em um debate atual sobre tecnologia.

 

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Crítica do filme: 'Lomba do Pinheiro' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Buscando a identidade coletiva através de uma narrativa híbrida, com elementos sobrenaturais, que explora um mito através de uma das primeiras áreas indígenas do sul do nosso país, o curta-metragem Lomba do Pinheiro, dirigido por Iuri Minfroy, registra uma imersão cultural ligada à ancestralidade em um recorte que se propõe amplo, articulado por diálogos sobre o cotidiano.

Com apenas 19 minutos, o projeto rompe as fronteiras entre a ficção e o documentário ao apresentar o cotidiano de integrantes da aldeia kaingang Fag Nhin, situada na zona leste de Porto Alegre, por meio de suas rotinas. Do artesanato ao treinamento de um time de futebol feminino, passando pela inserção da tecnologia na cultura indígena e pelo desejo de documentar a história da aldeia, aos poucos vamos sendo conquistados por essa narrativa inventiva, que chega em ótimas reflexões.

O curioso se mostra presente através de depoimentos que nos situam diante de relatos sobre aparições de um possível lobisomem, que já fora visto por diversas pessoas na região. Essa junção do sobrenatural ao concreto dos desafios de um povo que enfrenta enormes obstáculos para manter sua cultura viva se insere no mar de possibilidades que a linguagem cinematográfica oferece – e aqui é amplamente oferecida pela narrativa.

Lomba do Pinheiro foi selecionado para o recorte Panorama da Mostra de Cinema de Tiradentes 2026. Um filme que dribla algumas fragilidades técnicas através da força de uma narrativa.

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Crítica do filme: 'Tião Personal Dancer' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


De uma forte expressão cultural ligada à celebração coletiva às surpresas da intensidade da atração, em Tião Personal Dancer somos convidados a acompanhar um jogo de sedução de duas almas solitárias que tem a pista de dança como cenário. Dirigido por Aristótelis Tothi, o curta-metragem foi uma das obras selecionadas para o recorte Panorama da Mostra de Cinema de Tiradentes 2026.

Reginaldo (Adolfo Moura) faz parte de um de amigos que sempre que podem estão pelas casas de forró espalhadas por Goiânia. Numa sexta-feira dessas, a atenção de Reginaldo se fixa em Tião (Otto Caetano), um professor de dança profissional. Ao longo da noite, de um evento a outro, algo parece se conectar para esses dois universos.

Ao longo de 23 minutos e embalada pela batida do forró, a narrativa progride de forma envolvente ao transformar um momento de lazer em uma oportunidade de encontro. Buscando a todo instante uma curta experiência de impacto, focada em dois personagens, com construções sensoriais marcantes – a trilha sonora, o silêncio, cores, luz, enquadramentos – a obra abre seus leques de reflexões confiando mais na sutileza das cenas do que em uma maior imposição.

O roteiro posiciona seu discurso para o interpretar o que acontece através da atração, um caminho complexo e cheio de estradas, mas que aqui encontra equilíbrio ao enfatizar as sugestões em vez de romper camadas de explicação. Explorando muitos elementos cinematográficos de forma simples - e também inventiva -, Tião Personal Dancer camufla suas intensidades deixando caminho aberto para as poesias da atração.   

 

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Crítica do filme: 'Nosso Amigo Romário' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]


Em um dos dias de Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, nos encontramos com um filme repleto de simbolismos, que percorre os caminhos curiosos do inusitado para atravessar razões existenciais de grande valor. Nosso Amigo Romário, escrito e dirigido pelo cineasta mineiro Antonio Pedroni, valoriza a atmosfera ligada às emoções, construindo uma experiência emocional marcante que convida para lindas reflexões e gerando muitas lições.

No interior de Minas Gerais, no ano da copa do mundo de futebol masculino de 1994 – aquela mesma onde o Brasil venceu – conhecemos Francisco (Carlos Francisco), um senhor de idade que vive em uma casa humilde junto de sua filha Renata (Paula Amorinni) e seu neto Pedrinho (Daniel Pedro). Um dia, ele se depara com uma fato peculiar: encontra um alienígena a poucos metros de casa e passa o restante dos dias criando um forte vínculo de amizade com ele.

Selecionado para a Mostra Praça, no lindo Cine Petrobrás, a céu aberto, esse é um filme que nos instiga a ver o mundo através de seu protagonista. Utilizando vetores de afeto para provocar interessantes diálogos, a narrativa nos conduz para questões existenciais – sobretudo à oposição conceitual entre a vida e a morte – e também a beleza de simples gestos, o voltar a ser criança e as lembranças que despertam.

A compaixão logo se mostra presente, sendo um alicerce acoplado na ingenuidade. Nada é forçado, tudo é construído com a força da beleza das relações, da empatia, da dinâmica familiar. Em 18 minutos, sem muitas inovações quando pensamos em possibilidades para a linguagem cinematográfica, vemos uma obra pés no chão mas que levita para as possibilidades através de uma atuação emocionante de Carlos Francisco. Lindo filme.

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08/01/2026

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Pausa para uma série: 'Custe o que Custar'


O autor norte-americano Harlan Coben, de 63 anos, segue criando histórias marcadas por mistérios complexos em tramas que abraçam as reviravoltas - um conteúdo que se torna um prato cheio para virar um produto audiovisual. Custe o que Custar, primeira minissérie lançada pela Netflix em 2026, é baseada em sua obra Run Away, publicada seis anos atrás. Com suas 364 páginas, aborda os impactos em uma família que luta contra o vício em drogas da filha mais velha.

Mas nada neste projeto é somente o que aparenta ser. Reunindo alguns núcleos, com ótimos personagens que adicionam demais à trama e que, aos poucos, se entrelaçam com à história principal, os dramas familiares se desenvolvem como pequenas peças embutidas em um cenário que se amplia conforme vamos descobrindo as verdades. Traumas na infância, adoção, possíveis traições, paranoia, árvores genealógicas, manipulação, seitas e psicopatas, vão se reunindo ao longo de oito intensos episódios, provocando um verdadeiro desfile de questões sociais.

Simon (James Nesbitt) é um consultor financeiro bem-sucedido, pai de três filhos, que vive feliz ao lado da esposa, a pediatra Ingrid (Minnie Driver). Só que toda a aparente calmaria na família esconde um grave problema: a filha mais velha, Paige (Ellie de Lange), se tornou uma viciada em drogas e sumiu de casa faz alguns meses. Na busca por seu paradeiro, Simon é envolvido em uma estrada onde situações o levam ao limite do desgaste emocional.

A grande missão desta obra seriada era como reunir toda a complexidade da trama, sem perder o interesse do público, em apenas oito episódios. Mesmo com algumas pontas soltas, as histórias se entrelaçam de forma coerente, se completando. Há o núcleo principal da família despedaçando, a investigação policial de uma dupla próxima na profissão e na paixão, as descobertas de uma detetive particular - muito bem interpretada por Ruth Jones - e a história de um casal de jovens assassinos, que formam a base dos segredos que são revelados no tempo certo, prendendo a atenção. Chegamos ao último episódio sem saber direito que desfecho nos aguardava – e isso é positivo.

A maneira como se amarra toda a trama central dentro do discurso também é interessante, focando nos argumentos que se cercam – talvez o grande acerto da produção. A partir do cancelamento – algo que está cada vez mais em moda nesse modo instantâneo das redes sociais –, o primeiro episódio abre-alas para ganhar nossa atenção nos conduzindo aquela bomba de emoções que recai sobre uma família, que possui personagens longe de serem carismáticos, mas cumprem seu papel de juntos chegarem nas dores de um presente caótico.

Custe o que Custar é uma minissérie que tem um pouco de tudo: drama, mistério e revelações bombásticas. O projeto se arrisca ao tentar transmitir o máximo de tensão em uma trama ousada, que usa das surpresas de verdades escondidas como uma ponte até importantes reflexões sociais. A Netflix começa bem suas adições de minisséries ao catálogo em 2026.

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