Crítica do filme: 'A Miss'

Ambientado em um dos bairros mais deliciosos da zona norte carioca, o longa-metragem brasileiro A Miss levanta a bandeira do pertencimento por meio de uma família e seus conflitos. Escrito e dirigido por Daniel Porto, o filme parte de uma relação conturbada entre mãe e filhos para alcançar temas importantes da nossa sociedade, através de uma fórmula que diverte sem esquecer de encontrar camadas – ainda que, por vezes, beirando à superfície dramática.

Martha (Maitê Padilha) e Alan (Pedro David) são dois irmãos que vivem seus dias em pé de guerra com a mãe, a exigente – e sem paciência - Iêda (Helga Nemetik). Dona de um salão de cabeleireiro, ela está à beira do descontrole e possui uma obsessão por um famoso concurso de beleza. Os irmãos entram em apuros quando Marta descobre que Alan quer participar da competição no seu lugar. A partir daí, contando com a ajuda de Atena (Alexandre Lino), embarcarão em uma estrada de descobertas.

Um dos méritos do roteiro é conseguir chegar na identificação rápida com o público através de situações, o lugar e seus personagens. Há exageros pontuais, situações amplificadas mas que fogem de qualquer estigma de caricatura. Não se prendendo a um tema, consegue ser plural ao entrelaçar questões ligadas ao pertencimento, maternidade, identidade e sexualidade.

Caminhando pelo bairro do Grajaú, no Rio de Janeiro - com pedaços de Vila Isabel e Maracanã – o projeto disseca as frustrações e as maneiras como encaramos esse sentimento. Em um dos centros dos debates está uma mãe repleta de vulnerabilidades, que criou os filhos sozinha após o falecimento do marido, e cujas ações revelam mais sobre si do que sobre eles, totalmente responsável pelo que cativa. Uma personagem hipnotizante, que transita entre leveza e força, ganhando vida pela bela atuação de Helga Nemetik.

A narrativa sustenta a emoção por meio do presente, preenchendo lacunas com um humor fácil de digerir, sem suavizar as tensões. O amor de mãe e o se aceitar misturam-se a brincadeiras com o delicioso bairro do Grajaú, elevando o filme a um patamar que mescla divertimento e reflexões.

A Miss estreia dia 26 de fevereiro nos cinemas.

 

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Crítica do filme: 'Olho por Olho'

Se jogando em uma provável interpretação sombria de uma figura mítica do folclore europeu, o longa-metragem de terror Olho por Olho – que estreou recentemente na HBO MAX - aposta suas fichas nas crendices populares, trazendo o sobrenatural sob os holofotes colocados em gerações de uma família que sofrem a consequência da culpa. Pena que inconsistências no roteiro nos levam para uma jornada sonolenta e irregular.

Dirigido por Colin Tilley, essa é uma obra vai se construindo aos poucos, em um início sugerindo mais que mostrando. Esse ritmo cadenciado na composição da narrativa estabiliza a atmosfera de tensão – algo que pode ser uma faca de dois gumes -, ao criar sensações de incertezas através de recursos da linguagem visual que vão materializando algo que não podemos enxergar, em um primeiro momento.

A jovem Anna (Whitney Peak) vai morar com a avó cega (S. Epatha Merkerson), no interior, após uma tragédia atingir sua família. Sem ter muito o que fazer em um primeiro momento, resolve conhecer melhor a região. Em uma das caminhadas, conhece dois jovens arruaceiros, Julie (Laken Giles) e Shawn (Finn Bennett). Quando esses novos amigos tomam uma atitude absurda contra um garoto e Anna não faz nada para ajudar, acaba sendo amaldiçoada. Aos poucos, ela vai descobrindo também segredos sombrios da própria família.

Todo rodado na cidade de Savannah, no estado da Geórgia, o projeto parece querer impor uma série de lições de moral por meio do universo fantástico. Assim, atravessa a culpa e suas consequências, reunindo no centro das atenções uma dinâmica familiar marcada pelo distanciamento, com histórias que se separam entre gerações, encontrando-se no frágil elo com o eixo central da trama.

Esta não deixa de ser uma narrativa básica guiada pelo medo. Não há nada muito diferente em relação à linguagem em comparação a outros projetos do gênero. Os elementos de tensão são distribuídos através de situações aterrorizantes que se chocam com lendas urbanas – algo já visto muito por aí. Árvore misteriosa, a alma em forma de figura fantasmagórica que só pensa em vingança, figuras familiares ambíguas e jovens sem noção, tentam ser elementos importantes dentro de uma história que, em muitos momentos, se perde em seu discurso.

 

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Crítica do filme: 'Zafari'

Criando uma atmosfera de confinamento a partir de uma distopia que mostra classes sociais em conflito, indo da sensação de ameaça a o silêncio desconcertante, em Zafari somos jogados até uma distopia sarcástica que apresenta um retrato impactante do comportamento humano quando o instinto de autopreservação está por um fio - ultrapassando qualquer linha de moral.

Dirigido pela cineasta venezuelana Mariana Rondón, que já havia nos brindado com o ótimo Pelo Malo (2013), o filme aposta na provocação de um roteiro que vai da ironia à acidez, expondo falhas morais aos montes e lançando críticas diretas a uma hipocrisia que se molda por meio de intrigantes personagens - e ainda evitando soluções previsíveis.

Ana (Daniela Ramírez) e Edgar (Francisco Denis) vivem dias de apreensão em um condomínio de alto padrão, ao lado do filho. Tentando sobreviver a um presente conturbado - com Gangues de motoqueiros dominando as ruas, blackouts constantes e a escassez de recursos básicos - o casal mais se afasta do que se une para encontrar soluções.

Ela usa sua posição na associação de moradores para entrar em apartamentos em busca de comida e itens básicos; ele é um acomodado que nunca pensa no coletivo. A chegada de um hipopótamo ao zoológico da cidade – próximo ao prédio onde moram – faz o casal embarcar em uma estrada de conflitos.  

Nesse liquidificador de elementos conflitantes que ruma a passos largos para um drama sufocante, vemos a situação se desenrolar por meio da perspectiva de Ana. Com o ambiente distópico impondo desafios, percebemos indivíduos presos a uma consciência egoísta, não sabendo entender como sobreviver - ou mesmo se adaptar.

A cada cena, com sensações variada de sufocamento em um ambiente fechado e com movimentos sutis de câmeras para ampliar o caos vindo de fora daquele lugar, a obra se mostra valiosa ao espremer o suco de uma tensão paranoica, ao mesmo tempo que apresenta diálogos afiados, repletos de críticas sociais.  

Totalmente fora da caixa, com abordagens inesperadas Zafari se arrisca ao propor o encontro com o constrangimento oriundo de alegorias do caos social, refletindo desigualdades e conduzindo o público a pensar a cada instante.

 

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Crítica do filme: 'Ah, a Amizade…'

As indecifráveis linhas tênues entre a amizade e o amor são o combustível de Ah, a Amizade… , filme que chegou ao catálogo da Netflix neste início de 2026. Dirigido por Johnny Barbuzano, essa comédia romântica despretensiosa não apresenta nenhuma novidade quando pensamos em linguagem cinematográfica. Esse longa-metragem Sul-africano se resume a uma fórmula de bolo batida, seguindo padrões já consolidados, que acaba caindo na sonolência conforme os 95 minutos de projeção atravessam a tela.

Thando (Katlego Lebogang) e Charles (Siya Sepotokele) são dois amigos de longa data precisam lidar, em um primeiro momento, com a distância, já que um deles vai morar durante alguns anos em Nova Iorque. Quando Charles retorna, apresenta sua futura noiva e logo surge uma viagem para um destino paradisíaco para oficializar essa relação. Esse fato desperta em Thando mais incertezas sobre o que sente por ele.

Como saber quem é a pessoa certa para entregar seu coração? Trazendo o humor – um dos poucos elementos que funcionam, fruto do carisma dos personagens - ao caótico dos conflitos emocionais, o filme levanta essa e outras questões. Assim, entendemos os dramas que os personagens vivem, mergulhados em uma solidão silenciosa, sem saber como expressar, o que, realmente sentem. Isso é algo mundano, pelo qual qualquer ser humano pode passar alguma vez na vida - aspecto que deveria aproximar esse entretenimento das reflexões amorosas da vida real.

Pena que o roteiro não apresenta nada novo ao molho do gênero cinematográfico. Não provoca e insiste em uma narrativa que não se arrisca, evitando qualquer decisão dramática imprevisível, permanecendo presa totalmente aos clichês. Ao optar por uma linha totalmente convencional na forma de contar essa história, as boas reflexões que poderiam surgir em Ah, a Amizade… acabam limitadas aos simbolismos de uma visão fantasiosa do amor romântico, guiada pela fantasia das almas gêmeas.

 

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Pausa para uma série: 'Unfamiliar'

Lançando luz sobre um clássico jogo de espionagem que se molda através de uma configuração familiar com seus segredos, chegou de mansinho à Netflix Unfamiliar, uma série alemã de seis episódios, com um recheio generoso de personagens ambíguos, traições, segredos, amantes e reviravoltas – daquele tipo que prende a atenção e dá vontade de maratonar.

No aniversário de 16 anos da filha, dois agentes da BND (Serviço Federal de Inteligência da Alemanha) dado como mortos - Meret (Susanne Wolff) e Simon (Felix Kramer) - são contatados por um homem misterioso. Esse primeiro movimento daria início ao caos na vida do casal. A ligação com uma missão realizada uma década e meia atrás na Bielorrússia – e todos os mistérios que a cercam – é o ponto de partida para chegarmos em revelações importantes, desencadeando uma cadeia de ações e consequências.

Criado por Paul Coates, a trama, que se desenrola toda em Berlim, é bem amarrada e atravessa aos poucos os segredos do passado, que se tornam peças importantes dos conflitos do presente. O uso do flashback – um elemento bem utilizado em ‘voltas ao passado’ – é moderado, preservando a fluidez da narrativa sem desacelerar o ritmo.

Separando muito bem – e encontrando atalhos para criar paralelos – entre o conflito familiar e o caos que se instaura no lado profissional dos personagens, esse projeto surpreende a cada novo episódio, um melhor que o outro. Tudo começa bem embaralhado, principalmente com o episódio piloto que apresenta as primeiras pistas sem muitas explicações. Mas, a partir do segundo capítulo, a narrativa ganha um equilíbrio, com fatos marcantes que nos prendem à história.

‘Desconfiança’ é uma palavra bastante lembrada quando percebemos sobre o que é essa trama. O discurso do roteiro se constrói em cima de um casal de espiões precisando superar conflitos como família provocados por ações de anos atrás - até mesmo para tentar salvar seu casamento. À medida que esse contexto se expande, a manipulação, a vigilância, as alianças na corda bamba e a velha conhecida ambiguidade moral começam a aparecer nos episódios.

Pra quem curte uma boa obra sobre espionagem, Unfamiliar é uma escolha certeira. Mesmo com seu final totalmente aberto – que remete à iminência de uma segunda temporada – vale a pena embarcar nessa história, que deixa um leve gostinho de quero mais.

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Crítica do filme: 'Quartos Vazios'

Trazendo outros olhares para a dor imensurável das tragédias em escolas que atingiram famílias em todo os Estados Unidos, o curta-metragem documental Quartos Vazios é um belíssimo e comovente filme, construído em meio a uma importante reportagem. Dirigido por Joshua Seftel, o projeto indicado ao Oscar 2026 parte do concreto de um registro: dos desabafos de um experiente profissional da comunicação, da emoção dos pais e de imagens que falam por si só.

O jornalista Steve Hartman e o fotógrafo Lou Bopp, vinham produzindo, ao longo de alguns anos, uma reportagem sobre crianças mortas em tiroteios escolares. Faltando três histórias para concluir seu projeto, a ideia é ampliada e se transforma nessa obra documental. Com a permissão dos pais, passam a fotografar os quartos de crianças que perderam a vida em ataques armados em escolas.

Com depoimentos do jornalista, do fotografo e dos pais das crianças, somos conduzidos para uma história de cortar o coração, mas que também deixa belas mensagens sobre o que aqueles lugares significavam para cada uma das crianças e o que representam nos dias de hoje para seus pais. A importância desse registro se torna cada vez maior, quando Steve levanta um ponto crítico ao revisitar a própria carreira e refletir sobre as formas como reportagens sobre tragédias - que levaram a muitos quartos vazios -  foram conduzidas ao longo dos anos.

Desde o final da década de 1990, os tiroteios em escolas nos Estados Unidos aumentaram mais de 600% ao ano – um dado alarmante! Esse filme chega para se somar às importantes reflexões sobre políticas de armamento, pauta em constante discussão entre políticos norte-americanos, eleição após eleição. Do Tennessee, passando pelo Texas e chegando à Califórnia, Quartos Vazios amplia seu alcance ao conscientizar e, em apenas 34 minutos, consegue expor com uma sensibilidade profunda a dor imensurável de famílias que precisam, todos os dias, reaprender a viver.

 

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Crítica do filme: 'Eu Volto pra te Buscar’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, onde ganhou exibição na praça mais conhecida da cidade mineira, o curta-metragem Eu Volto pra te Buscar nos leva a uma imersão em um cotidiano difícil, de poucas oportunidades, através dos sonhos de uma juventude que logo se depara com o choque da realidade.

Escrito e dirigido por Roger Bravo, esse é um filme que cria uma identificação imediata por meio de metáforas cotidianas, que logo chega nos embates das emoções. Sustentado pelos entrelaços entre o descobrir das primeiras idades e o amadurecimento diante da realidade que se apresenta, as linhas do roteiro desfilam seu discurso de forma contundente, sabendo exatamente o que quer dizer - e com impacto.

Morador da Zona Leste de São Paulo, Murilo relembra uma inesquecível amizade que virou luto, o choque com a violência, o primeiro contato com a arte como forma de expressão e um amadurecimento precoce, imerso numa realidade com seus desafios, refletindo, já mais maduro, sobre os muitos muros que existem.  

Nesse interessantíssimo filme, percebe-se que as cores vibrantes dão ar aos sonhos, funcionando como um recurso narrativo bem executado, traduzindo emoções intensas, evocando sonhos e memórias. O processo criativo também chama a atenção, convidando o público, no último ato, a compreender o que assistimos sob a perspectiva do crescimento emocional.

Brincando com a linguagem ao reunir técnicas de animações 2D e 3D com o live-action, a obra explora muitos horizontes e perspectivas para jogar luz para a narrativa. Em 14 minutos de projeção, passamos pela cultura do grafite e do hip-hop, a violência policial, a dor da perda, as inspirações, a desconfiança e as amizades, questionando a todo instante sobre os que querem ser, os que parecem ser e os que são.

 

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Crítica do filme: 'Se Esse Amor Desaparecesse Hoje'

Explorando a sutileza de uma relação sem esquecer de aprofundar em camadas, o longa-metragem sul-coreano Se Esse Amor Desaparecesse Hoje posiciona suas peças em um tabuleiro romântico, em busca daquele pedacinho que deixamos para quem amamos. Dirigido pela cineasta Kim Hye-young, o filme - que rapidamente alcançou o Top 10 da Netflix neste início de 2026 – percorre a juventude abordando temas como bullying, luto e o primeiro amor, a partir de uma conexão profunda que se estabelece entre seus personagens protagonistas.

Kim Jae-won (Choo Young-woo) é um jovem e solitário estudante do ensino médio que leva uma vida simples ao lado do pai, um fotógrafo que trabalha com arte em vidro e ainda vive o luto pela perda da esposa. Um dia, após um desafio, ele toma coragem e vai ao encontro de Seo-yoon (Shin Si-ah), uma jovem que rapidamente o encanta.

Porém, nessa história que tinha tudo para rumar para um final feliz, descobre-se que Seo-yoon perdeu a memória após sofrer um acidente de carro e foi diagnosticada com amnésia anterógrada – condição que, ao acordar, esquece tudo que aconteceu no dia anterior. Com regras definidas desde o início, os dois vão se apaixonando e enfrentando os obstáculos que aparecem pelo caminho.

Na linha de um ‘dorama’ - aquelas séries asiáticas marcadas por narrativas emocionais -, o filme constrói uma atmosfera de fábula, mas, à medida que avança em seu desenvolvimento, encontra questões existenciais marcantes, podendo alcançar muitos paralelos na realidade. Os mistérios do cérebro e a relação com as emoções ganham destaque, especialmente na principal reviravolta que acontece na trama – que pode pegar parte do público de surpresa.

Vale também destacar que há uma delicadeza emocional gerando um ritmo contemplativo à maior parte do tempo, herança de um cinema asiático que sabe como ampliar complementos narrativos. A boa condução da direção e a química do casal de protagonistas engradecem a obra, que, entre lembranças e dilemas, convida o público para momentos de reflexão sobre o vazio existencial que pode atravessar muitas histórias do lado de cá da tela.

Seguindo, em parte, a lógica de ‘Como se Fosse a Primeira Vez’, Se Esse Amor Desaparecesse Hoje busca encontrar suas próprias originalidades, tornando-se um drama romântico sutil e de cortar o coração.

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Crítica do filme: 'A Rainha do Xadrez'

64 casas, 32 peças, milhões de combinações. Esse é o xadrez: um jogo fascinante, repleto de possibilidades. Dentro desse universo, no início da década de 1980, surgiu na Hungria uma jovem jogadora que viria a se tornar um verdadeiro fenômeno desse jogo de raciocínio lógico e estratégico.

Com essa poderosa história em mãos, a Netflix resolveu desenvolver um documentário com a direção da britânica indicada ao Oscar Rory Kennedy. Assim, chegamos a A Rainha do Xadrez, lançado neste início de 2026 na mais poderosa plataforma de streaming.

Vinda de um região pobre na Hungria, onde nasceu em meio ao caótico dos anos 1970, Judit Pólgar, incentivada pelo pai – que tinha uma curiosa obsessão de tornar as filhas em gênias –, deu seus primeiros passos logo cedo nesse esporte. Aos seis anos, ganhou seu primeiro torneio e logo chamou a atenção do mundo enxadrístico.

Com o passar do tempo, Judit passou a sentir a pressão do governo comunista húngaro, que restringia a saída dela e de suas irmãs para torneios fora do eixo. Não desistindo de seus sonhos e dona de uma resiliência impressionante, ela logo quebrou mais essa barreira. A fama mundial veio depois do feito histórico na Olimpíada de Xadrez de 1988, em Tessalônica, na Grécia. Anos mais tarde, se tornou a mais jovem a conquistar o título de Grande Mestre – o mais alto do xadrez –, entre homens e mulheres.

Ofensiva na tática e delicada – além de simpática – nas palavras, a própria Judit, hoje perto de completar 50 anos, é um dos rostos entrevistados pelo projeto, ao lado de suas irmãs, Garry Karparov e especialistas em xadrez, que circulam em conjunto com imagens de arquivos contextualizando tudo que é apresentado.

Com tantos detalhes importantes e bem documentados para se apresentar, o projeto - talvez buscando gerar curiosidade e fascínio em novas pessoas para se apaixonarem pelo esporte - acaba limitando demais a narrativa a alguns pontos que passam frequentemente em tela ao longo dos 93 minutos de projeção.

Se jogando em um recorte pincelado de parte da vida e conquistas dessa que é uma das mais brilhantes enxadristas da história, o documentário percorre as inúmeras quebras de barreiras, sobretudo seu confronto com o machismo estrutural que cerca esse esporte.

Mas há um calcanhar de aquiles evidente, oriundo dos alicerces aos quais se prende o roteiro. Ao insistir na relação conturbada com o pai – que acaba se tornando redundante – e ao se resumir, em grande parte, aos seus confrontos com o enxadrista Garry Kasparov – um deles marcado por uma enorme polêmica – o documentário restringe excessivamente a narrativa.

A Rainha do Xadrez não chega a ser um documentário decepcionante, tem seus méritos, mas a história dessa jogadora é muito mais rica do que se resumir a esses confrontos.

 

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Crítica do filme: 'Dois Procuradores'

Um dos filmes mais angustiantes que chegarão aos cinemas brasileiros neste primeiro semestre de 2026, Dois Procuradores nos guia a uma imersão sombria e sufocante em um centro de detenção soviético nos tempos de Stalin. Exibido no Festival de Cannes do ano passado, onde concorreu à Palma de Ouro, o projeto dirigido pelo cineasta ucraniano Sergey Loznitsa mostra, em detalhes, os absurdos cometidos ao estado de direito em uma época marcada pela legitimação de atos imperdoáveis por meio de confissões forçadas de inocentes.

No ano que se tornou um dos mais sombrios da história russa, 1937, marcado pela consolidação totalitária de Stalin e por ações desenfreadas contra a população - com julgamentos forjados e execuções -, uma mensagem de um antigo promotor do partido comunista, agora prisioneiro, acaba chegando às mãos do jovem promotor e inspetor de presídios locais em Bryansk, Kornev (Alexander Kuznetsov). Ao tentar abrir uma investigação sobre tudo o que escuta, descobrirá que não pode confiar em ninguém.

Impressiona como essa obra consegue ser atemporal e traçar, aos olhos mais atentos, fortes paralelos com o presente no mundo – quem gosta de geopolítica tem aqui um prato cheio! Com uma narrativa que nos coloca como testemunhas observadoras dos acontecimentos, gerando o desconforto de presenciar os absurdos cometidos e obrigando o público a questionar moralmente tudo o que acompanha, amplia-se a todo instante, ao longo de quase duas horas de projeção, o contexto de um período que marcou a transição russa do estado revolucionário a um estado totalitário.

Todas as peças desse jogo político são coladas na mesa em um roteiro detalhista, no qual o silêncio ecoa, baseado na obra de homônima de Georgy Demidov, que ficou refém da própria sorte, preso em campos de concentração soviéticos por mais de uma década. Com o poder não precisando se justificar, encontramos com o terror imposto pelo Comissariado do Povo para Assuntos Internos – a conhecida NKVD –, o órgão de segurança do governo do ditador soviético e instrumento direto do poder estatal em uma época que se passava por cima de tudo, violando o processo legal.

Com um mise-en-scène impecável, apontando para as relações de poder, Dois Procuradores apresenta seu forte olhar para a repressão do passado sem esquecer de indicar os caminhos para paralelos com o presente.

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Crítica do filme: 'Grão' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Com um personagem central que percorre seus dias na solidão de pouquíssimas oportunidades, a bordo de um carro de quase 20 anos equipado com som de proibidões nas alturas e preso à roleta russa do destino, o curta-metragem Grão, exibido na seleção da 29ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes, aborda, em sua essência, o trabalho informal e as desilusões do buscar a sobrevivência à margem da sociedade.

Se sustentando da venda ilegal de soja, recolhendo grãos encontrados entre produtos que se extraviam com o vai e vem dos transportes, o protagonista é um jovem invisibilizado por sua condição, bem distante de qualquer sonho que persegue seu pensar, estagnado na solidão de encontrar soluções para sobreviver. Vivendo no sul do Brasil, uma das principais regiões produtoras do produto mencionado, o personagem começa a perceber que precisa encontrar novas soluções para continuar sobrevivendo.

Dirigido por Gianluca Cozza e Leonardo da Rosa, o interessante projeto - com cerca de 20 minutos - coloca em evidência um drama pessoal e a relação com um dos principais produtos que está no epicentro da economia agrícola do nosso país, uma junção que logo chega em reflexões sobre nossa sociedade. As críticas que chegam pelas entrelinhas juntam as peças para expor a escassez de oportunidade e a luta para existir dentro de um cenário de total exclusão.

Grão, em sua narrativa fluida, não dificulta a compreensão, situa o público sobre seu discurso e apresenta, através de uma única perspectiva, um contexto importante para levantar questionamentos sobre as formas de exclusão de afetam muitas pessoas.

 

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Crítica do filme: 'Roteiro para uma Fuga’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Com um ar filosófico e pulos de um existencialismo abraçado na narrativa, o curta-metragem pernambucano Roteiro para uma Fuga levanta questões de identidade e automaticamente simbolismos e razões que constroem um existir. Com direção e roteiro de Priscila Nascimento, esse filme aposta na delicadeza caminhando a curtos passos pelas angústias e a busca por sentidos, revelando-se uma investigação sugestiva pela própria história de uma narradora – figura viva e observadora na narrativa.

Nesse projeto, selecionado para a 29ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes, não há nada de inovador quando pensamos em linguagem cinematográfica, mas o seu modo de contar essa história - direto e simples - encontra atalhos para tornar atraente ao público as imposições do que é incontrolável – também conhecido como obstáculos pelo caminho. Uma boa definição da obra é: um filme fácil de digerir e que pode convidar à reflexões.

Com imagens que passam pelo tão falado São Luiz, um dos cinemas de rua mais charmosos e amados pelos cinéfilos de todo o Brasil, e outros lugares que se ligam a lembranças e experiências que representam dilemas, logo se chega também em analogias através de conhecidos filmes. Com uma narração que impõe intimidade, acompanhamos o surgimento de questões que envolvem família, amor, trabalho - elementos que vão de encontro ao medo das repressões sociais.

Enfatizando a certeza de que o contexto molda uma trajetória de vida, o filme desvendar um olhar para o processo de criação de histórias, na aproximação com as vivências e as relações encontradas pelos caminhos percorridos. Nesses questionamentos profundos, que lidam com dúvidas a todo instante, a única certeza que permanece é que o filme de nossas vidas é uma página de roteiro sempre à espera das próximas linhas.

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Crítica do filme: 'Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto’ [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Uma legenda logo no início da obra nos situa em um panorama amplo de um passado que segue vivo no presente. A partir da busca por um registro do que restou de memórias de um lugar simbólico de um movimento religioso - símbolo de resistência camponesa que percorreu as década de 1920 e 1930 -, o curta-metragem Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto abre algumas páginas de um livro de recordações sobre uma situação que marcou a história cearense.

A autonomia em um processo artesanal de revelação, aliado a um ajuste por meio de recursos digitais, cria-se dentro dessa narrativa algumas possibilidades. Entre sensações que parecem paralisar o tempo e nos conduzir de volta ao ponto principal do seu registro, o filme, em cerca de 10 minutos, estrutura imagens e movimentos feitos em 16mm, nos quais as dimensões sensoriais da imagem influenciam experimentações.

Do intrigante da captação à amplitude histórica, nem tudo é explicado, necessitando complemento por meio de pesquisa. A origem de tudo que vemos, começa em Crato (Ceará), com José Lourenço, líder católico popular nordestino que criou um modelo coletivo de vida, baseado no trabalho comunitário - algo que, aos poucos, foi incomodando manda-chuvas da região. Alguns anos depois, o lugar onde viviam foi invadido e destruído pelas forças do governo de Getúlio Vargas, e seguidamente bombardeado pela Força Aérea Brasileira.

Do Caldeirão da Santa Cruz do Deserto, selecionado para a 29ª Mostra de Cinema de Tiradentes e dirigido por Weyna Macedo, Lucas Parente, Adeciany Castro, Mariana Smith, segue o movimento que o cinema provoca: o de registrar pra eternidade. A partir desse relevante registro, pontos importantes de um episódio marcante na cultural nordestina - que se entrelaça na fé e na luta pela terra - nunca ficarão adormecidos.

 

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Crítica do filme: 'Gilson de Souza – Na Corda Bamba' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Com um recheio generoso de inesquecíveis canções, que buscam o complemento para uma atmosfera introspectiva de um lutador que, em muitos sentidos, buscou seu lugar no mundo por meio de sua arte, o curta-metragem Gilson de Souza – Na Corda Bamba brinda o espectador com uma história que precisava ser contada, mesclando documentário e ficção.

Dirigido por Brunno Alexandre, o projeto apresenta um curto recorte da vida de Gilson de Souza: de pugilista da categoria meio-pesados à sambista, autor de ‘Orgulho de um sambista’ e ‘Poxa’. Falecido há quatro anos, no dia do próprio aniversário, aos 78 anos, percorremos algumas de suas estradas da vida, com início no interior de São Paulo, na década de 1960, perto do começo da ditadura no Brasil. Nesse momento chave de sua trajetória, vemos um homem em conflito entre o esporte e a música, duas paixões de sua vida.

Ressaltando silêncios e provocando atemporalidade por meio da estética de uma fotografia em preto e branco, além de umas brincadeiras com a linguagem de forma a causar impacto estético e contribuir com o ritmo e a imersão da narrativa, esse filme de 10 minutinhos acerta no alvo ao resgatar a memória de uma rica trajetória e transformá-la em registro.

Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, Gilson de Souza – Na Corda Bamba nos leva para um passeio por meio de uma realidade subjetiva, na qual sensações e pensamentos conflitantes se tornam expressões das mais diversas emoções.  

 

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Critica do filme: 'Para não ser levada por qualquer ventania' [Mostra de Cinema de Tiradentes 2026]

Impressionante como, em apenas sete minutos, uma obra consegue ser tão profunda e criativa ao mesmo tempo. Articulando as diversas potencialidades da linguagem, tendo apenas ligações telefônicas feitas a um alguém especial que já se foi e de uma série de cenários sob um olhar distante e aleatório, o curta-metragem Para não ser levada por qualquer ventania apresenta o luto como tema principal de uma narrativa que se sente e convoca reflexões.

Selecionado para a Mostra de Cinema de Tiradentes 2026, o projeto escrito e dirigido por Eleonora Loner utiliza poucos recursos e, ainda assim, consegue alcançar o brilhantismo de uma mensagem por meio de uma ideia simples e eficiente. Filmagens caseiras - provavelmente feitas por câmeras de celulares – tornam-se nossos elos com os mistérios de algumas conversas que, a princípio, não entendemos direito sobre o que se trata, mas que vamos entendendo aos poucos seu sentido.

A necessidade do afeto, o desejo de não perder as lembranças, as aflições da ausência, e até mesmo o silêncio que se torna ensurdecedor são pontos chaves para decifrarmos as mensagens que a obra produz chegando diretamente ao conjunto de reações que o luto provoca. Esse sentimento de vazio logo vira uma dedicatória poética, avançando por um percurso de ressignificação.

Ao dividir com o público essa história, de maneira corajosa, Loner expõe suas dores, desejos e tormentos, através também do vazio que ficou. Nessa ebulição do silêncio - um ponto marcante na obra -, todos nós ganhamos, de alguma forma, razões para pensar sobre nossas próprias histórias e nossos próprios silêncios deixados por alguém que já se foi.  

  

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