Na trama, ambientada em uma Terra pós apocalíptica,
acompanhamos o engenheiro Finch (Tom
Hanks) que conseguiu sobreviver ao caos radioativo que se tornou caminhar
pelo nosso planeta se refugiando na empresa onde ele trabalhava. Lá mora com
ele seu cachorro, o grande amor de sua vida. Finch não está bem de saúde, pelo
visto parece que a radiação a que foi exposto sempre que ia buscar comida ou
algum elemento vital foi alta demais fazendo com que ele comece a construir um
novo robô e o faça ensinar sobre o ser humano. O plano é fazer o robô cuidar do
seu cachorro caso seja preciso. Assim, Finch e companhia embarcam em uma jornada
rumo a lugar mais seguro.
Como fazer para sobreviver em um planeta cheio de problemas
e sem saber se existem outros sobreviventes? A rotina acaba sendo algo
importante para Finch. Disciplinado, bate o cartão do ponto da empresa como se
fosse mais um dia de trabalho, organiza seu tempo para o estudo e assim conhecimento
da situação em que vive, e, principalmente o que precisa fazer para sobreviver
em um recorte onde a vegetação, comida, alimentos, quase não existem mais.
Uma relação de pai e filho é estabelecida, um homem e um
robô. Os dilemas, os aprendizados e de alguma forma vemos como um acaba
ajudando o outro nesse jornada quase sem esperança rumo a um destino incerto em
um planeta devastado talvez até mesmo pela ação do homem.
Finch, em meio à poeira,
fumaça, radiação, dramas e conflitos deixa sua marca de emoção quando pensamos
que a vida nunca deve ser vivida sem alguma esperança, seja no mundo que for.
Na trama, conhecemos Macbeth (Denzel Washington), um grande soldado e lorde escocês que após ter
um inusitado encontro com bruxas, acaba entrando na paranoia de executar o que
lhe foi falado que seria seu destino. Assim, ele e sua esposa, Lady Macbeth (Frances McDormand), resolvem criar um
plano maquiavélico que envolve a morte do atual rei Duncan (Brendan Gleeson).
Escrito no início de 1600 e com diversas versões que sempre
buscaram mostrar as forças dos conflitos ligados as consequências das atitudes de
seu protagonista, a essência de Macbeth é fazer refletir sobre os limites do
ser humano em contraponto a seus sentimentos. Aqui não é diferente. Os
paralelos sobre a expressão do medo, a paranoia que chega sem dias para ir
embora, o caos emocional que é instaurado na cabeça e corpo do ambicioso
personagem ditam o ritmo eletrizante dos arcos.
Há um prólogo que podemos definir como uma queda de braço entre
o ceticismo e a ambição. O primeiro é o pensar inicial do protagonista que só
apenas tendo o orgulho ferido se completa pela ambição de sua cruel esposa. Nos
atos em seguida, vemos o clímax se dividir sob a questão da ação e a consequência.
Um elo de interseção aqui nesse longa-metragem é o uso do preto e branco como
imagem, até mesmo linguagem, ao lado do tempo, espaço, som. Coen parece buscar explorar o lado
psicológico, como se as linhas dos personagens estivessem traçadas pela
intensidade de suas características emocionais, a ganância até o fim, a dor até
o fim, a culpa até o fim.
Parece que estamos em um teatro, acho até que a intenção foi
essa. Para quem não está acostumado com os profundos e reflexivos textos de Shakespeare
pode achar o filme difícil, ou até mesmo chato. Mas não se engane por completo
caro cinéfilo, dê uma chance ao filme e vá até o fim. Esse filme é muito
reflexivo dentro de um recorte cirúrgico e completamente atemporal.
Na trama, acompanhamos um padre norte-americano chamado
Peter (Will Beinbrink) que vai
trabalhar no México e acaba participando de seu primeiro exorcismo. Durante a
situação, na batalha contra as forças do mal, acaba cometendo um sacrilégio que
é filmado mas somente ele tem a cópia da fita. Quase 20 anos se passam um outro
exorcismo necessita de sua ajuda e ele agora precisará enfrentar os atos
cometidos no passado para combater o presente. Ele contará com a ajuda do padre
e experiente exorcista Michael (Joseph
Marcell).
As teorias, segredos e muitas questões escondidas dentro do
universo da igreja católica ao longo dos tempos sempre foi algo que chamou a
atenção de muitos realizadores na hora de escreverem seus roteiros. Aproveitando
esse gancho, Hidalgo e cia buscam um recorte que liga o pecado ao conflito de
um personagem constantemente perturbado.
As referências ao clássico O Exorcista são inúmeras. O foco acaba sendo como se criar o susto,
ou pelo menos o clima de tensão, dentro de uma história que não é nada profunda.
Todo filme de terror, de alguma forma, passa por essa questão. Aqui não é diferente.
Na trama, conhecemos Palmer (Justin Timberlake), um ex-atleta com bolsa na faculdade que acaba
se metendo em uma enorme confusão, sendo preso e passando bastante tempo na
prisão. Ele volta pra casa da avó e assim busca recomeçar sua vida. Paralelo a
esse momento que passa de sua vida, o destino colocar em seu caminho Sam (Ryder Allen), um jovem garoto que mora
com a drogada mãe Shelly (Juno Temple)
no terreno da avó de Palmer. Aos poucos Palmer e Sam vão se aproximando e um
tenta aprender mais com o outro.
Escrito por Cheryl
Guerriero, o projeto bate na tecla das relações familiares. Sobre isso,
enxergamos a de Palmer com sua avó, o primeiro cheio de impasses tendo que
lidar com todos os tipos de problemas que vão desde o preconceito contra o fato
dele ser um ex-detento até as dúvidas que sua avó tem ainda sobre a índole
dele. Também enxergamos a relação de Sam com sua família, praticamente
abandonado por longos dias por uma mãe com problemas com drogas e a aproximação
dele com Palmer e sua avó na esperança de uma novo lar ou pelo menos referências
mais positivas para sua vida.
Palmer é um filme
cheio de camadas quando pensamos em emoção. O fato dos personagens serem
introspectivos nos deixam margem para complementos do que não são ditos mas que
são demonstrados nas ações dentro dos conflitos que aparecem ao longo das quase
duas horas de projeção.
Nesse episódio, Raphael Camacho entrevista o crítico de cinema e pesquisador especializado em cinema Pedro Butcher.
O Programa Guia do Cinéfilo acontece toda terça-feira, ao vivo, no canal da TV Caeté no youtube.
#cinema #filmes #guiadocinefilo
Na trama, conhecemos Brian Harper (Patrick Wilson), um astronauta da Nasa que em uma missão ao lado de
Jocinda (Halle Berry) percebe algo
estranho vindo de algum lugar fora da terra o que ocasiona um terrível
acidente. Anos se passam e Brian está desacreditado, taxado como o único
culpado da missão, sem emprego e se virando como professor de um observatório. Só
que algo na Lua, que do nada foge de sua órbita, faz com que um curioso e
estudante de astronomia chamado KC (John
Bradley) perceber que o planeta está em risco, paralelo a isso a NASA agora
com Jocinda em alta posição de comando convoca uma missão de emergência para tentar
achar soluções para o problema. Os destinos de Brian, KC e Jocinda vão se unir
para tentarem salvar o planeta.
Com um orçamento girando em torno de 150 milhões de dólares,
o filme buscar resgatar a essência do explorar as teorias, algumas conspiratórias,
de tudo que pode dar errado fora da terra e seus reflexos por aqui. Emmerich,
diretor de O Dia Depois de Amanhã,
Independence Day e Stargate, parece explorar uma mescla de elementos desses
três filmes. As consequências na Terra da ação sem igual como no primeiro
citado, a posição dos heróis e armamentos para o combate como no segundo
citado, e as suposições imaginativas (algo bem comum nos filmes de ficção
científica) que o terceiro apresenta. O foco trazido aqui gira em torno da
inteligência artificial, como se a revolta da criação se voltasse contra quem
criou. Terá Emmerich feito uma crítica social? O problema se encontra, até
mesmo para essa tese se tornar mais explicativa, nos porquês.
As subtramas são rasas, há muitos personagens e o filme se
perde em alguns arcos nas suas longas duas horas e 10 minutos de projeção. A
parte dos conflitos familiares é talvez a mais rasa delas. Um exemplo é o foco
perdido de elo entre pai e filho sem um pingo de carisma ou mesmo pontos de
reflexão, o que prova que muitos dos personagens são muito mal desenvolvidos ao
longo da trama. John Bradley (o Samwell
Tarly de Game of Thrones) e seu KC é
a ponta cômica da história e tem seus ótimos momentos sendo um dos pontos altos
do filme.
Para quem curte filmes catastróficos esse parece ser mais um
projeto para se conferir. É aquele tipo de filme que ou você embarca na loucura
(até mesmo achar pontas de originalidade) ou dorme no ar gelado do cinema. Veja
o filme e faça sua escolha!
Na trama, voltamos a encontrar Selminha (Samantha Schmütz) que no primeiro filme
ficou milionária do dia para noite e agora se vê numa situação complicada pois
toda sua herança de centenas de milhões de reais está sendo contestada na
justiça por uma homônima da protagonista. Sem ter o que fazer, acaba se vendo
forçada a volta ao seu passado principalmente quando a Justiça estipula que até
a resolução do caso um salário mínimo de R$ 30 por dia será o que ela terá
para viver.
As comédias nacionais são um grande trunfo dos números das
bilheterias nos cinemas quando pensamos nos filmes feitos por aqui. Um dos
motivos é exatamente a busca por paralelos com a realidade da maioria dos
brasileiros, aqueles perrengues que só quem anda de ônibus lotados todos os
dias sabe. Tô Ryca 2 segue essa
fórmula, esse caminho, sem muita originalidade (inclusive caminha muito próximo
de Até que a Sorte nos Separe) mas
tendo a força do carisma da intérprete de sua protagonista, a humorista Samantha Schmütz. Algumas cenas são
forçadas, partes do roteiro parecem estarem em loop mas o objetivo desse
trabalho é trazer entretenimento para esses tempos tão difíceis que
enfrentamos, sendo assim toda tentativa é válida.
Na trama, conhecemos um jovem (Chay Suede) ladrão que vendo a oportunidade de roubar mais um
carro, uma caminhonete de luxo parada em uma rua pacata de uma grande cidade,
não pensa duas vezes e inicia a ação do roubo. O problema é que quando ele
tenta sair do carro para fugir o carro simplesmente não abre e aos poucos ele
começa a perceber que está preso de propósito pelo dono do carro, que entra em
contato com ele pelo telefone do carro, um ginecologista renomado (Alexandre Nero) que já fora roubado
outras vezes e dessa vez resolveu fazer justiça com as próprias mãos. Lutando
para sobreviver sem comida, água e com o emocional completamente destruído
inicia-se um jogo psicológico intenso onde a moral é colocada em xeque.
A narrativa é muito bem definida, o filme prende a atenção.
Há uma construção superficial dos personagens mas eles estão dentro dos
contextos sociais que o filme navega, os conflitos são vistos a todo instante e
com margem para olharmos sob os dois pontos de vistas. Esse recorte sociológico
solta à diversas questões: a impunidade, a insegurança, os direitos humanos, entre outros pontos. O lado
emocional é um item importante, coloca os personagens em uma linha tênue que
separa a vítima do seu agressor. Pode ser observado também que o diálogo não é
um confronto, é um desabafo de alguém que perdeu os princípios éticos e
escondeu dentro de si a moral. A banalização da violência é bastante objetiva
aqui com a menção, quase um pano de fundo, do jornalismo sensacionalista que
cobre situações de confronto.
O roteiro, adaptado por João
Candido Zacharias, tem o mérito de jogar as questões para debates, fazendo
com que os espectadores mais atentos busquem refletir sobre as cordas bambas
das ações dos personagens. Tem alguém certo nessa história? Como você reflete
sobre isso? A ação e consequência aqui nada mais é do que o reflexo da
realidade do lado de cá da telona.
Na trama, conhecemos o treinador principal do New Orleans
Saints Sean Peyton que após conquistar o Super Bowl (o grande objetivo de todos
os times do futebol americano) é pego em um escândalo que coloca em xeque sua
carreira e toda sua reputação. Suspenso pela Liga, resolve estreitar laços com
seu filho que mora com a ex-mulher dele e assim acaba tendo a chance de treinar
uma equipe juvenil de ligas infantis da qual seu filho faz parte. Sem saber
direito como se reaproximar do filho, já que o menino é muito magoado com ele, o
futebol americano acaba sendo um elo que dá essa oportunidade a ele.
Não saberemos se esse filme é uma maneira de humanizar forçadamente
essa figura genial na sua profissão mas polêmica quando pensamos em ética. Mas
o que podemos aprender com Time do
Coração, Home Team no original, é
que relações entre pais e filhos podem ser complicadas. Aqui o conflito giram em
torno das hipocrisias quando pensamos em exemplo. Distante do filho, com um escândalo
envolvendo pagamento para machucar adversários, um homem desce do pedestal que
estava para tentar se reconectar primeiro com si mesmo, entender que a vida não
são jogadas planejadas e que é muito difícil viver sem cometer erros.
O roteiro segue a pegada de outros tantos feitos anualmente
no mercado hollywoodiano, times que não são bons encontram seu caminho através
de um elo condutor. Muito parecido com Nós
Somos os Campeões, até mesmo na hipocrisia do exemplo, no filme de 1992,
dirigido por Stephen Herek, o
advogado Gordon Bombay (Emilio Estevez)
depois de ser preso por dirigir alcoolizado é condenado a 500 horas de serviço
comunitário e tem que treinar uma equipe de hóquei infantil.
O mercado norte-americano de cinema ama uma história de redenção,
com ou sem pretensão de humanizar controversos personagens.
