Crítica do filme: 'Vípuxovuko – Aldeia' [Fest Aruanda 2025]

Trazendo as reflexões sobre formas de organizações comunitárias, resistência cultural e gritos de identidade em uma aldeia urbana indígena no Mato Grosso do Sul, o curta-metragem Vípuxovuko – Aldeia parte para a ficção com muitas bases na realidade. O projeto surgiu de uma conversa do diretor filme, Dannon Lacerda, com a porteira do seu prédio, cujo sobrinho viria a se tornar inspiração para a obra.

Selecionado para a mostra competitiva de curtas-metragens nacionais do Fest Aruanda 2025, a obra avança nas suas críticas sociais, muito bem articuladas a partir de um protagonista de raízes indígenas, que escapa de generalizações. Ele trabalha como entregador e também exerce a função de líder de sua comunidade, reivindicando direitos e protegendo seu povo das ações desenfreadas dos mecanismos do Estado.  

A cultura indígena ganha registros através da fé, da cultura, da tradição e da preservação desses povos originários, que em muitos casos estão sempre na luta pela continuidade identitária em meio ao urbano e capitalista, sempre pronto para aprontar alguma manobra que ferem essas comunidades. A narrativa, em seus 15 minutos, preenche a tela com passagens marcantes que atravessam esses conflitos, sem deixar de revelar também a beleza dos ensinamentos e a riqueza estética e espiritual que, mesmo com a pressão e insensibilidade capitalista, nunca perderá seu valor.

 

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Crítica do filme: 'A arte de morrer ou Marta Díptero Braquícero' [Fest Aruanda 2025]

Por que estamos vivos? Existe algum momento para se entregar? Lançando a todo instante perguntas existenciais e desabafos em formas de reflexões, hipnotizando o público com palavras carregadas de múltiplos sentidos, o curta-metragem A arte de morrer ou Marta Díptero Braquícero, adaptado de um conto de Bruno Ribeiro, apresenta de maneira criativa suas fascinantes estranhezas e abre um convite para que os espectadores reflitam sobre a vida e a morte.

Um cliente (Luiz Carlos Vasconcelos) divaga sobre a antítese mais famosa de todo ciclo vital. Logo, se junta a ele uma garçonete (Ingrid Trigueiro), e assim os dois conversam sobre questões da existência após uma mosca se entregar à morte num prato de bife com batata frita - episódio que chama a atenção de um dos personagens, esse também narrador, que quebra a quarta parede nos envolvendo em pensamentos antes distantes, mas que ganham vida quando o marasmo da existência desperta a necessidade de contemplações.

Um cenário, uma fotografia deslumbrante – que provoca uma experiência expressiva, sem distrações - e palavras que envolvem. Com muito pouco, mas com uma criatividade cinematográfica que amplia todo o contexto, chegamos rapidamente às indagações provocadas pelas ações da natureza, pela sobrevivência e como tudo isso influencia o nosso redor. Escrito e dirigido por Rodolpho de Barros, A arte de morrer ou Marta Díptero Braquícero é uma pequena obra-prima que vai causar impacto onde quer que seja exibido.

É impressionante como esse projeto fica na gente, muito além dos seus curtos 14 minutos de projeção. Com várias portas que se abrem para pensarmos sobre o que vemos, o que salta aos olhos são aqueles momentos de reflexões quando estamos sozinhos - pensamentos distantes que só aparecem quando acessamos o inconsciente, nos levando a prender nosso foco para questões que afligem e nos fazem considerar sobre o real peso do mundo. Filmaço!

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Crítica do filme: 'Vulkan' [Fest Aruanda 2025]

Fugindo de qualquer zona de conforto e se arriscando no sensorial, a co-produção Brasil e França, Vulkan, é um filme quase sem falas, que repousa suas contemplações na sensualidade e da erupção do prazer questionando sem pressa as relações convidando o público a sentir e interpretar, longe de qualquer estrutura careta de um roteiro previsível. Dirigido por Julia Zakia, esse interessante curta-metragem foi selecionado para a mostra competitiva nacional do Fest Aruanda 2025.

Três personagens e a filosofia relacional do poliamor são as peças centrais desse projeto que celebra o sentimento mais poderoso que existe. Da leveza da felicidade às intensidades da intimidade e aos momentos de reflexão, somos conduzidos para refletir sobre essa dinâmica afetiva. Em cena, as atrizes brasileiras Bruna Linzmeyer e Georgette Fadel se juntam à francesa Mata Gabin, compondo um retrato poético sobre o que transborda na imprevisibilidade e no desejo ardente.

Há uma certa poesia que paira sobre a atmosfera desse projeto, que apresenta uma estética apurada, fruto de uma fotografia que busca um olhar observador bem próximo das interações dos personagens, criando um forte vínculo emocional - também em relação ao lugar. Essa proximidade é a força de uma narrativa que se reflete através de imagens e movimentos, ganhando sentido conforme o filme avança para as intimidades, transformando-se em um registro experimental, com seus méritos, que envolve.

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'Boi no Mato' e 'Teatro em Jampa Vive' [Fest Aruanda 2025]

Boi no Mato

Apresentando uma breve e, em certos pontos, eficiente ‘Sinfonia do Vaqueiro’, o curta-metragem Boi no Mato, de Ana Calline, busca uma atmosfera que transita entre sensações e cotidiano, dentro de um sentido cultural que vai da coragem à vida selvagem enraizada na cultura sertaneja. Logo, solta na tela a identidade e resistência se juntando ao pertencimento, ligados ao vínculo afetivo e às tradições de toda uma região.

A narrativa tenta estabelecer elos para prender a atenção do espectador; as imagens geram impacto, embora muitas vezes faltem algumas explicações - certos porquês - especialmente para quem não conhece sobre o tema abordado. Mesmo com esse detalhe que fragiliza a narrativa, o alcance do entorno progride, deixando margem para reflexões sobre a força da dimensão cultural, da memória e da resistência.

 

Teatro em Jampa Vive

Com mensagens diretas e uma comunicação objetiva, de finalidade essencialmente promocional, o curta-metragem Teatro em Jampa Vive, de Kelly Freire Moreira, se limita ao formato de vídeo institucional ao colocar em evidência artistas e suas trajetórias pelos palcos de João Pessoa, na Paraíba. Embora cumpra o papel de comunicar e registrar a memória artística de toda região – algo válido e importante -, o filme deixa de explorar as experimentações cinematográficas que poderiam enriquecer o projeto.

Sanzia Pessoa, Buda Lira, Sôia Lira, Vittor Blam, Fabíola Ataíde, Raymon Farias são alguns nomes que entregam depoimentos ligados à memória da cultura pessoense. Essa riqueza cultural é sentida por meio das falas desses artistas. A questão é que, nesta obra, não se fura a bolha das fragilidades narrativas que se apresentam a todo instante, com um comprometimento excessivo com uma linguagem meramente funcional. Liga-se a câmera, preenche com depoimentos – com pouca ilustração do que é dito – junta-se tudo e faz-se um filme. Muito pouco, não é?

 

 

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Crítica do filme: 'Jacu' [Fest Aruanda 2025]

Em um exercício satisfatório – não diria inventivo – que alcança ritmo e prende a atenção, o curta-metragem Jacu, dirigido por Ramon Batista, nos convida a conhecer mais sobre a história de um fenômeno social e cultural por meio de um representante marcante de um nordeste profundo. Selecionado para a mostra competitiva ‘Sob o Céu Nordestino’ do Fest Aruanda 2025, esse é um trabalho que foge da narrativa tradicional priorizando uma experiência imersiva, construída a partir de imagens evocativas.

Com a câmera ligada em lugares que mostram marcas do passado - muitas vezes de forma estática, mas ainda assim encontrando movimento - e criando simbolismos e tensões através do sensorial, o projeto costura a maneira de contar sua história através de uma cirúrgica narração que acompanha toda a projeção. Assim, percebemos uma criatividade evidente na forma como o filme se comunica com o espectador, com elementos técnicos e estéticos em destaque.   

Partindo de uma casa histórica envelhecida pelo tempo como cenário, construindo um paralelo entre o antes e depois, chegamos à figura controversa do cangaceiro paraibano Chico Pereira, que colaborou com o grupo liderado por Lampião e viveu na fazenda Jacu – que dá nome ao filme.

Não se prendendo a essa figura emblemática para toda uma região, a obra abre seus leques de contextualização, permitindo reflexões sobre questões sociais e políticas, que ganham espaço nas entrelinhas, se tornando, ao longo dos seus 12 minutos, um importante registro sobre o sertão nordestino.

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Crítica do filme: 'Colmeia' [Fest Aruanda 2025]

Um dos mais interessantes curtas-metragens exibidos no Festa Aruanda 2025, selecionado para a mostra competitiva ‘Sob o Céu Nordestino’, o projeto Colmeia nos leva para um show de imagens e seus paralelos que alcançam um mar de reflexões sobre a relação entre a natureza e os seres humanos. Tudo funciona em perfeita harmonia, deixando o público de portas abertas para suas próprias interpretações.

Nessa obra, impressiona a qualidade criativa para juntar elementos em cena que conseguem virar um turbo de pensamentos por meio dos contrapontos que estabelece. O trabalho, o cotidiano, as adaptações de sobrevivência – e até mesmo respingos da vida e da morte - são apresentados com diversos paralelos, numa jornada sensorial em que o som desempenha papel importante, conduzindo o espectador para o pensar a vida e o pulsar da existência.  

Além disso, o filme consegue encontrar elementos criativos dentro da própria linguagem – como um travelling acelerado cujos movimentos se acoplam - criando sensações de exaustão do cotidiano, como a pressa; ou de organização, como nas cenas com as abelhas; e até mesmo para comprimir percepções temporais, culminando em um efeito visual deslumbrante.  

Colmeia, dirigido por Tatiane de Oliveira, é uma grande análise existencialista – da liberdade à angústia e à condição humana - que abre seus leques para revelar igualdades e diferenças nas múltiplas relações. Filosófico e sociológico, esse filme faz nossa mente pensar bastante nos curtos 10 minutinhos de projeção. Maravilhoso!

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Crítica do filme: 'No Compasso do Coração' [Fest Aruanda 2025]

Carregado muito mais pela tentativa de provocar emoções do que por um roteiro estruturado de forma equilibrada, o curta-metragem No Compasso do Coração nos leva até um recorte imersivo - e muitas vezes subjetivo - a partir de um personagem autista que encontra, nos movimentos corporais através da dança, aquilo que o liberta. Pena que a narrativa não encontra elos para uma construção coesa e articulação consistente dos acontecimentos, deixando o público refém de breves respiros traduzidos em mensagens importantes.

Com uma relação próxima com a mãe, Olivio tem um verdadeiro fascínio pela expressão artística do corpo em movimento: a dança, onde encontra um oásis para expressar, através de gestos, sentimentos conflitantes. Em meio à pandemia, uma importante apresentação é cancelada, e o protagonista precisa lidar com a ansiedade. Juntando as peças desse momento delicado, ele não desiste de retomar o contato com o pulsar da vida.

Dentro dessa perspectiva sensorial, cheia de percepções individuais, a relação familiar e a arteterapia ganham espaço – e encontram, aí, caminhos para que mensagens sejam transmitidas -, mas sempre com uma necessidade de inserir o público por meio de um leque limitado de perspectivas, fato que tira o olhar observador mais amplo sobre um contexto que não se apresenta de forma envolvente.  

Do isolamento às reconexões, No Compasso do Coração, selecionado para a mostra Sob o Céu Nordetino do Fest Aruanda 2025, é um caso clássico de ‘corrida ao clímax’, um calcanhar de aquiles evidente que compromete o impacto emocional, mesmo diante da boa intenção das reflexões que conseguimos alcançar.  

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Crítica do filme: 'Index' [Fest Aruanda 2025]

O cinema pode ser um caminho para expressar a arte e remeter questões cravadas pelo tempo, onde a beleza precisa dar as mãos ao conteúdo. No curta-metragem Index, do artista visual João Lobo, a dinâmica proposta é refletir sobre o tempo por meio de inscrições rupestres de um sítio arqueológico localizado na cidade de Ingá, município paraibano, limitando o público a um papel de observador. Mas será que isso basta para entendermos a obra por completo?

Em um tiro curto de 9 minutos – com um ar psicodélico -, a imersão excessiva sobre o que não é explicado salta aos olhos: pelos céus, pela terra, colocando também a natureza em destaque. Vamos sendo conduzidos para uma viagem repleta de beleza, onde se fixam ideias isoladas em uma narrativa intraduzível, na qual o desassossego se torna constante pelas lacunas não preenchidas. Uma pena.

Parece ser um filme feito para si mesmo, sem pretensões de ampliar reflexões ou mesmo debates sobre o tour pelas belezas que se apresentam. Forma e o conteúdo não conversam; distanciam-se. Essa abordagem sensorial vira um experimento excessivamente entediante, conseguindo a proeza de, em 9 minutos, dispersar os espectadores.

Cinema é imagem e movimento, mas também é conteúdo que precisa ser apresentado sem a necessidade de explicações – ou, pelo menos, contendo dicas - sobre o que é sua obra. Um dos filmes de abertura do Fest Aruanda 2025, Index necessita de complementos de pesquisa para ser minimamente compreendido e, assim, perde toda a graça. É frustrante não aprendermos mais pela própria tela do cinema.  

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'Vento Sussurrante' e 'O Mistério dos Olhos de Luzia' [Comunicurtas 2025]

Vento Sussurrante

De um convite inesperado ao sobrenatural avançando na realidade, o curta-metragem Vento Sussurrante se arrisca em uma narrativa na qual declamações se transformam em diálogos, e o romance ganha tons de terror e suspense. A história apresenta um sedutor vampiro highlander que busca apresentar a eternidade a um novo amor. Excessivamente sentimental, se enrola no próprio discurso mas tem o mérito de se arriscar.

Há uma questão que precisamos comentar: existe uma fragilidade evidente na narrativa – a maneira como é contada essa história. É difícil entender para além da ingenuidade da sedução proposta, mesmo com uma moldura reconhecível e elementos narrativos específicos, como o sobrenatural. Vale o exercício – e coragem – de se jogar na proposta, mas é uma pena que a obra não se arriscque nas infinitas possibilidades que o cinema pode oferecer.   

 

O Mistério dos Olhos de Luzia

Com gravações em Matinhas (PB), chegamos em um dos primeiros dias de Mostra Competitivas do Comunicurtas 2025 até um curta-metragem que busca trazer reflexões existenciais e morais a partir de uma lenda – e também de histórias reais - que nasceram através de tragédias contra mulheres.

Com uma cronologia um pouco espaçada – da sensibilidade ao confronto do encanto – percorremos uma perspectiva que expõe uma relação opressiva, fruto de um casamento forçado que não termina bem. A violência contra a mulher atravessa os temas propostos, conduzindo a reflexões importantes sobre os diversos tipos de violência que, infelizmente, acontecem tanto na realidade. O roteiro tem uma virada que explora o sombrio associado ao sobrenatural (algo meio gótico) levando a um final emblemático, mesmo deixando pelo caminho deslizes narrativos.  

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Crítica do filme: 'Samba Infinito' [Comunicurtas 2025]

Uma vez por ano, milhares de pessoas vão às ruas para festejar uma das festas populares mais famosas do mundo: o carnaval. Esse prazer estonteante dos foliões, que mistura ritmos e culturas, dá margem para boas histórias - exatamente como é o caso de Samba Infinito, filme de Leornardo Martinelli exibido pela primeira no Festival de Cannes e selecionado para a mostra competitiva do Comunicurtas 2025.

Da folia ao inusitado, acompanhamos um gari que, durante seu trabalho já no fim das festas de carnaval, encontra um jovem garoto, logo o ajudando a procurar alguém próximo. Percorrendo as ruas de uma enorme cidade - que poderia ser qualquer uma de nosso país -, no final desse encontro algo que remete ao passado se coloca diretamente diante dele.

Transições belíssimas nos presenteiam com a fantasia e o musical numa atmosfera contagiante, traçando paralelos com a folia e um sentimentalismo profundo que desembarca em relações passadas, mas nunca perdidas pelo tempo. E essa palavrinha – tempo - aqui ganha fortes alicerces e se torna parte dos caminhos interpretativos que podem ser alcançados.

Com uma composição visual deslumbrante, que influencia sensações e significados - das lembranças do último abraço à certeza do fim atravessando o desmonte do carnaval -, esse curta-metragem ainda consegue associar formas culturais ao modo fascinante que interpreta a importância da leitura e os contornos do olhar individual para lugares repletos de representações.

Com Camila Pitanga e Gilberto Gil em participações especiais – algo que só engrandece a obra – , Samba Infinito é um daqueles projetos cheios de caminhos imaginativos, até mesmo para alcançarmos as reflexões que propõe.

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Crítica do filme: 'Ninguém (mais) Verá' [Comunicurtas 2025]

Um grito ácido e bem-humorado. Selecionado para a Mostra Brasil do Comunicurtas 2025, o documentário Ninguém (mais) Verá , de Fabiano Raposo, é um assertivo e poderoso projeto que não hesita em colocar o dedo em feridas morais, políticas e sociais, mesclando imagens do ontem e da atual Campina Grande. Direto e provocativo, exaltando leveza e o bom humor, logo percebemos se tratar de um registro necessário e acachapante, que utiliza o cinema como um poderoso megafone.

Impressiona como tudo que é visto na tela funciona com certo impacto, impulsionado por uma montagem que direciona de forma elegante a progressão narrativa, chegando rapidamente na percepção dos espectadores. Os recursos e infinidades que o cinema oferece ganham criatividade e ironia, com mensagens - e mais mensagens - sendo vistas por meio de uma locomotiva de relatos críticos sociais e da exposição de polêmicas estruturas de poder.

Entre esses olhares próximos e constantes, nos deparamos com imagens atuais da cidade e com registros de arquivo de obras do repórter fotográfico e cineasta paraibano Machado Bittencourt - algo que enriquece ainda mais a obra.

O projeto passeia por muitos assuntos sem perder o ritmo envolvente; busca provocar o pensar, instigar o pensamento crítico em olhares próximos e distantes sobre questões que atravessam a cidade. Com uma narração costurando a narrativa e imagens direcionando denúncias e chacoalham as reflexões, esse filme-denuncia se transforma em um dos grandes acontecimentos do festival Comunicurtas.

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Crítica do filme: 'Campina Noir' [Comunicurtas 2025]

A balada do justiceiro adormecido. Com o pessimismo e a desilusão diluídos numa atmosfera noir, marcada por um alter ego afiado e cheio de referências na cultura pop, chegamos - no penúltimo dia de exibições das mostras competitivas do Comunicurtas 2025 - até o curta-metragem Campina Noir, dirigido por Kennyo Alex. Nesse suspense policial, a vingança, a violência e a caçada a um serial killer tornam-se elementos dos conflitos de personagens carregados com dolorosas marcas do passado.

A trama é bem simples, mas por que não dizer também engenhosa? Ambientado em uma Campina Grande (PB) de 1985, a violência aflora pelas ruas da cidade, enquanto elementos da força policial – perdidos nas investigações – recorrem a um super-herói aposentado que vive seus dias no ostracismo. Em uma referência à Gotham City e ao universo de Batman, vamos sendo conduzidos a uma história de justiça, ressentimento e vingança.

A construção do personagem mais marcante, Flama - uma espécie de batman de sua região - é objetiva, mas carregada de elementos que remetem ao simbolismo que se estabelece. Não sei se vocês conhecem – eu não conhecia -, mas o personagem fora criado anteriormente pelo quadrinista paraibano Deodato Borges. Antigamente tido como uma ajuda para combater o crime, o herói agora vive dias entre bebidas e cigarros, se culpando pela morte de seu fiel escudeiro, Zito.    

Dentro desse contexto, com um pessimismo que se acentua a cada virada de página do roteiro, há várias formas de enxergar e embarcar nessa história. Salta aos olhos o conflito sempre complexo entre ser herói e ser civil – algo presente em quase todos os super-heróis que conhecemos – além das críticas sociais repletas de ambiguidades morais. Pena que o final aberto e sem desfecho não conclui o que propõe, indo para longe da expectativa, apenas deixa lacunas e se torna inconclusivo.  

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Crítica do filme: 'Meu Superman' [Comunicurtas 2025]

No segundo dia de exibições das mostras competitivas do Comunicurtas 2025, acompanhamos uma história que envolve família e escolhas. Diretamente de São José do Rio Preto (SP), o curta-metragem Meu Superman, dirigido por Alexandre Estevanato, nos mostra um retrato que se estende pelo tempo, explorando a relação familiar entre pai e filho e as escolhas tomadas quando a necessidade do cuidar se mostra presente.

Um homem na casa dos seu 40 anos, que sempre teve no pai um ponte de apoio em determinada fase da vida, se vê precisando cuidar dele, já que o mesmo se encontra com os primeiros indícios de uma doença neurodegenerativa progressiva. Conforme o tempo passa, trazendo situações às quais precisa se habituar, lembranças de outros tempos passam a compor sua trajetória até aquele presente – e alcançando também o futuro.

Trazendo uma doçura às emoções conflitantes, o projeto aposta na busca dos olhares para as dificuldades do outro. No entanto, a frágil narrativa se atropela em um sentimentalismo gritante – buscando reter a atenção pela intensidade – recorrendo a inserções que funcionam como uma espécie de pausas dramáticas, preparando o expectador para alguma conclusão que acaba se perdendo dentro do discurso do roteiro.

Meu Superman, que conta a presença do experiente ator e cantor mineiro Moacyr Franco, transmite mensagens que giram em torno da perda da autonomia. Contudo, ao tentar suavizar a dor por meio da adição do lúdico – ligado à imaginação – o filme despenca para uma introspecção do espírito se tornando previsível e estagnado, perdendo frescor.

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Crítica do filme: 'Serenata do Adeus' [Comunicurtas 2025]

No segundo dia de exibições das mostras competitivas do Comunicurtas 2025, nos foi apresentado um curta-metragem bem eficiente na sua proposta. Com uma linguagem pop de fácil identificação, imerso em uma narrativa ágil e comunicativa, Serenata do Adeus, dirigido e roteirizado por Marcio Mehiel, transita pelo caos dos momentos difíceis formando um retrato importante sobre o amadurecimento.

Ambientado na década de 1980, o filme abre espaço para um ar ‘coming of age’ ao abordar temas importantes a partir do olhar de uma turma de amigos que vivencia – juntos e separadamente - uma série de situações dolorosas durante um certo período de tempo com o foco no final do ano. Em poucos minutos, o roteiro transborda fatos marcantes que dialogam com diferentes formas de violência, conflitos internos, questões de sexualidade, gravidez, dores e as marcas que permancem para sempre.

É impressionante como a forma de contar essa história gera uma rápida identificação com públicos de muitas idades. Explorando camadas profundas do conflito interno – culpa, insegurança, medo - a vontade de fugir e a dor desse ir embora marca uma construção poética densamente representativa, nos levando pelas gangorras emocionais.

Os ótimos personagens - em uma harmonia evidente – constroem múltiplos olhares para os desenrolares da trama, fruto também de uma direção competente que se apoia em um ritmo intenso, encontrando a angústia e a aflição, mas nunca perdendo o tom crítico de instiga o refletir sobre todos os seus temas.  

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Crítica do filme: 'Cinema sem Teto' [Comunicurtas 2025]

Por que os lugares que tanto amamos já não existem mais? Puxando essa pergunta para o sempre conturbado circuito exibidor brasileiro, o curta-metragem paulista Cinema sem Teto, dirigido por Denise Szabo, busca colocar para debate a vida e a morte das salas de cinema – com o foco nos cinemas de rua da cidade de São Caetano. Exibido no primeiro dia da mostra competitiva do Comunicurtas 2025, com uma narração intimista, revelando sensações e pensamentos ligados a outros períodos de maior entusiasmo por esses lugares, o projeto aponta uma direção para reflexão, mas sua narrativa não atinge nem a superfície do tema, deixando de enriquecer debates sobre a questão.

A ideia é boa. Com duas cadeiras sendo colocadas próximas de onde funcionaram salas de cinema que marcaram gerações, vamos acompanhando um tour por experiências pessoais que tentam circular entre as incertezas e o ato de resistir. Esse assunto é muito amplo, e os porquês acabam se diluindo em forma de desabafo, mas sem o recheio necessário para alcançar questões mais profundas – colocar o dedo na ferida mesmo.

Nessa mistura entre registro e entretenimento – aqui mais próxima da camada de envolvimento emocional – alcançamos nossas primeiras memórias numa sala de cinema, talvez um paralelo que a obra queria atingir. Contudo, a problemática em torno desses fechamentos e da modernização da tecnologia audiovisual – especialmente a chegada dos streamings –,  assim como os modelos de negócios, acabam ficando escanteados, deixando complementos para interpretações individuais de cada um de nós.  

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Crítica do filme: 'A Menina que Amava Gatos' [Comunicurtas 2025]

Voltando a assuntos ligados ao período logo pós-pandêmico para trazer um tema associado a animais abandonados, no primeiro set de curtas-metragens que assistimos no Comunicurtas 2025 ficamos de frente com um filme de lindas mensagens, mas de uma ingenuidade gigante ao tratá-los em uma narrativa cinematográfica. Dirigido por Maria Tereza Azevedo, o projeto busca alcançar – sem muitas pretensões - uma mistura de possibilidades da linguagem cinematográfica com prosa poética, mas sem a habilidade de fazer isso acontecer na tela.

Utilizando a técnica de animação para mostrar o drama e as indignações de uma jovem que ama os animais e se depara com a morte de alguns deles – envenenados por uma pessoa inicialmente misteriosa -  A Menina que Amava Gatos, filme oriundo de Aparecida – uma das mais jovens cidades brasileiras (31 anos), localizada no sertão da Paraíba, apresenta uma estrutura dramática que não chega na tensão desejada, buscando refúgio em um fluxo sensorial maçante.

Pouco fluido, com transições entre cenas de forma abruptas e um estilo de montagem que atrapalha qualquer ritmo narrativo, o filme não alcança qualquer possibilidade eficiente na questão da linguagem – ainda carecendo de precisão nos infinitos recursos que o cinema pode oferecer. Sei que é meio chato ficar apontando questões e questões em um filme com mensagens importantes, mas a experiência de assistir a um filme nos leva a muitos caminhos para interpretá-los. Você pode assistir e gostar - e essa é justamente a graça do cinema.

A Menina que Amava Gatos não chega a ser um desperdício de um tema que reforça os números alarmantes de abandonos de animais no pós-pandemia, mas o resultado é uma história desequilibrada, sustentada por um esqueleto narrativo insuficiente.  

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Crítica do filme: 'O Colecionador de Cheiros de Nucas Femininas' [Comunicurtas 2025]

Percorrendo um tema peculiar que envolve obsessão e psicologia, abrimos os trabalhos no Comunicurtas 2025 assistindo a um filme bem interessante, que utiliza a criatividade a seu favor para evidenciar sua singularidade. Ao descortinar a linguagem cinematográfica em uma narrativa dinâmica, explorando os pontos de vistas que se entrelaçam em torno de um ‘serial nucas’, esse projeto paraibano, dirigido por Natalia Damião e Ana Clara Vidal de Negreiros é um convite ao despertar de inquietações que rapidamente se tornam reflexões.

Um viciado em nucas femininas – isso mesmo que você leu – vem colecionando odores (quase 800) ao longo de anos, isolando-se em uma bolha de dedicação total à sua coleção - pra lá de estranha. A partir de alguns pontos de vistas que se encontram em uma espécie de investigação sobre a questão - da fantasia à psicologia, passando pela sociologia, sexologia e a visão popular - chegamos a um recorte inusitado sobre o ser humano e o distanciamento social.

Com um previsível enquadramento de nucas inserido em sua unidade visual – algo que não é excessivo, mas tem seu momento – e que cai como uma luva à imersão proposta no caminho do personagem, percebemos também uma exploração interessante dos caminhos de ilusão do movimento a partir de imagens comunicando ideias, no caso, representações de pensamentos. Tudo isso deixa a narrativa pronta pra abraçar a delicadeza e estilo em seu modo de contar essa história.   

Exibido no Curta Cinema 2025 – onde, inclusive, levou um prêmio – e já chamado a atenção em qualquer programação pelo seu curioso título, O Colecionador de Cheiros de Nucas Femininas apresenta um mergulho profundo da psique humana – da desordem emocional às formas de interpretação do desejo e do inconsciente.  

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Crítica do filme: 'Quem se Move' [Mostra de Cinema de Gostoso 2025]

O silêncio e as percepções do vazio quando a luz no fim do túnel parece distante. No penúltimo dia da 12ª Mostra de Cinema de Gostoso, fui até a Sala Petrobrás - um lugar maravilhoso para assistir a um filme - e lá me deparei com um interessante curta-metragem paulista que me fez refletir sobre seus temas durante todo o dia.

Abordando algumas horas na noite cheia de possibilidades de uma jovem imigrante brasileira em Lisboa - completamente perdida sobre o futuro e buscando atalhos para suas soluções nos encontros e desencontros que a vida coloca em sua frente - Quem se Move busca encontrar significados no campo das percepções, sem deixar de destacar o conflito existencial, se aventurando nas possibilidades infinitas da linguagem e prendendo nossa atenção.

Criando significados por meio de uma montagem dinâmica, a diretora Stephanie Ricci busca o confronto emocional e o despertar de um estado de alerta, em uma bela condução narrativa que preenche a tela com possibilidades. Muitas vezes estático – sustentado também pela atuação competente da ótima atriz Olívia Torres – o filme mantém seu clímax constante através de uma tensão interna profunda.

Esse é um assunto que sempre está presente na atualidade: a imigração. No entanto, a obra não se limita nessa questão, abrindo camadas para questionamentos sobre propósito e identidade, significados das relações e uma angustiante percepção do vazio. Um belo projeto.

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Crítica do filme: 'Final 99' [Festival do Rio 2025]

O estado de ser num mundo de reinvenções do próprio pertencimento. Em uma trama bem bolada, que aborda a palavra 'identidade' em muitas facetas, o curta-metragem gaúcho Final 99, escrito e dirigido por Frederico Ruas, nos leva até um drama existencial - com flerte no suspense – em que, a partir da perda de um objeto, um possível encontro desperta reflexões sobre questões contemporâneas e existenciais. O filme foi selecionado para a Première Brasil de Curtas do Festival do Rio 2025.

Um segurança noturno (Bruno Fernandes) de um lugar cercado de tecnologia, mas também de um silêncio ensurdecedor, perde sua identidade - possivelmente vítima de algum furto. O documento é encontrado por uma imigrante estrangeira (Mbyá Guarani Luicina Duarte), que propõe um encontro.

Rodado logo após o caótico estado de emergência que atingiu o Rio Grande do Sul recentemente, o projeto apresenta rapidamente sua trama conseguindo alcançar camadas dentro do discurso proposto - um mérito de uma obra que não alonga e, ainda assim, preenche nosso refletir com suposições.

Interpretativo em alguns momentos, usa da casualidade e até mesmo uma indecifrável distopia para explorar a nossa capacidade de autoexistência - o nosso lugar em um mundo de oportunidades, mas também solidão. Estar em um lugar que não sente como seu, os desvios da solitude e o instante que a ficha cai - a partir dos acontecimentos acompanhamos a jornada melancólica de um protagonista que vai decifrando seu próprio estado de ser.

Em 14 minutos, percebemos um uso afiado da linguagem - de forma criativa e que prende a atenção, aliado a uma direção de arte chamativa e uma direção competente, em uma tentativa inabalável de explorar caminhos para uma comunicação com o espectador. Do concreto do tempo aos simbolismos do existir, elementos saltam aos olhos, compondo uma parábola (no sentido figurativo) cheia de lições que entrelaça o pertencimento com um olhar empático voltado à imigração.

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Crítica do filme: '152 AB' [Mostra de Cinema de Fama]

Modelando uma narrativa simples e eficiente sobre as inquietudes urbanas, o curta-metragem 152 AB é um retrato sociológico do cotidiano de muita gente. Por esse gancho, a identificação já fisga rapidamente o público, trazendo paralelos com a realidade. Dirigido pela dupla Daniel Jaber e Jelton Oliveira, esse é um singelo recorte existencial, onde na estrada de desilusões as luzes de esperanças piscam e precisam, de alguma forma, serem aproveitadas.

Dois personagens e suas dificuldades, morando lado a lado, em um lugar onde os sonhos parecem se despedaçar. Ela, com dívidas de aluguel, prestes a ser despejada. Ele, com notícias terríveis e uma saudade de doer o peito. Num rápido encontro, desabafos e espasmos de luz do fim no túnel se mostram presentes.

Um muro dividindo histórias que se complementam. Através dos protagonistas e suas angústias, além os sonhos perdidos – completamente na corda bamba das emoções – a pergunta que logo nos fazemos é: O que fazemos na loucura cotidiana das responsabilidades e dificuldades? Através dos diálogos desses conhecidos de curto tempo, vizinhos que pouco se falavam, as peças de encaixe entre as duas histórias chegam em reflexões profundas sobre a vida.

Através da liberdade criativa e infinidades de possibilidades do cinema, o projeto encontra seu norte com elementos simples. Esse não se arriscar deixa tudo mais ‘pé no chão’, focando em ótimos diálogos e mensagens diretas que modelam o desenvolvimento dos personagens. Mesmo com um excesso de trilha sonora - que acaba escapando da atmosfera de tom sóbrio lapidado por melancolia que conduz a narrativa – 152 AB deixa sua marca, explorando as muitas realidades da grande parcela da população dos centros urbanos.

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