Quase sempre é preciso um golpe de loucura para se construir um novo destino. E vem da Hungria um dos roteiros mais significativos e inovadores dos últimos tempos no Universo do Cinema. White God, vencedor do prêmio de Melhor Filme da Mostra Um Certo Olhar no Festival de Cannes em 2014, é uma fita corajosa que mostra todas as habilidades técnicas do cineasta húngaro Kornél Mundruczó. Misturando inusitadas situações, envolvendo praticamente uma guerra entre cachorros e pessoas, o longa-metragem é uma grande lição sobre os limites que todos nós devemos navegar. Para tudo que é vida no planeta ter um certo tipo de evolução, precisamos nos entender como seres humanos urgentemente.

 Na trama, conhecemos a corajosa menina Lili (Zsófia Psotta) que vai precisar passar algumas semanas com seu deprimido pai. A menina, que toca trompete em uma orquestra de sua cidade, leva consigo um belo cachorro chamado Hagen, fato que não é bem visto por seu pai. Certo dia, após um dos inúmeros estresses diários de seu pai, o cãozinho é abandonado no meio da rua e ao longo das próximas semanas provocará uma grande revolução, e até certo ponto vingança, canina, onde vários cachorros conseguirão fugir de um abrigo e buscarão ‘justiça’ contra as pessoas que os maltrataram. 

Quando pensamos em ‘Revolução Canina’ tudo parece muito estranho, certo? No contexto do filme, esse clímax estoura em um momento chave, fazendo total sentido a série de conseqüências para as ações. Tudo é orquestrado pelo auau protagonista Hagen, em total sintonia com os outros caninos, dominam as cenas deixando o espectador com cara de surpresa para tantas ações surpreendentes. O peculiar é que nada parece ser forçado e, principalmente com os argumentos de maus tratos apresentados, a revolução canina pode ser bem vista por parte do público.

Pensando em termos técnicos e elaboração de planejamento das filmagens, é muito legal saber que todas as cenas foram realizadas com animais de verdade, cerca de 250. Mundruczó e companhia devem ter tido um enorme trabalho mas que valeu muito a pena. O Ato final é bastante poético, com direito a uma forte sequência  e até certo ponto uma linda mensagem de respeito é passada ao público.  White God é um daqueles filmes que você precisa ir correndo assistir, uma experiência única repleta de qualidades.

Crítica do filme: 'White God'



A guerra é feita para que os mais fortes vivam, e os mais fracos lutem pela sobrevivência. Indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro pela Jordânia, O Lobo do Deserto é um filme com uma fotografia belíssima, uma direção determinada e atuações concentradas. A sutileza envolta de situações extremas é a assinatura de Naji Abu Nowar que marca sua estreia na direção de longa-metragem. Mas, mesmo com ótimas qualidades técnicas, é necessário dizer que é um filme deveras difícil e para alguns será facilmente esquecido. 

Na trama, ambientada em parte do período da primeira guerra mundial, conhecemos o jovem Theeb (Jacir Eid Al-Hwietat) um menino, muito apegado com seu irmão, que vive com sua família na província otomana de Hijaz. Certo dia, um soldado do exército britânico aparece buscando ajudando para encontrar um lugar. Assim, em meio a um deserto cheio de perigos, Theeb e seu irmão vão ajudar o soldado e acabam encontrando uma aventura que fará Theeb amadurecer bem mais rápido que qualquer outro menino de sua idade.

Com diálogos amadurecidos, personagens convincentes e excelente tecnicamente, O Lobo de Deserto, instiga no espectador uma profundidade ampla sobre o contexto para definir as ações e reações da trama. A descoberta de várias coisas ao mesmo tempo, um precoce amadurecimento evidente e um espírito indomável do jovem protagonista são algumas das marcas desta história forte sobre o cotidiano de uma região em tempos de guerra. O filme não veste o rótulo de comercial, longe disso, prefere detalhar sua ambientação e conta muito com a força dos poucos personagens que vemos em cena. 

Vencedor do prêmio de Melhor Diretor na conceituada mostra Horizontes do Festival de Veneza 2014, Naji Abu Nowar brinda o público com uma aula de como fazer cinema em alto nível usando muita habilidade para contextualizar complexas situações ambientadas em um passado conturbado de uma região muitas vezes esquecida por todos nós.

Crítica do filme: 'O Lobo do Deserto'

Em seu primeiro longa-metragem como diretor, o cineasta espanhol Dani de la Torre percorre o gênero de ação e Thriller para contar uma história bem agitada que guarda algumas boas surpresas já no seu arco final. Protagonizado pelo excelente ator espanhol Luis Tosar, El Desconocido passa do drama para a ação com a maestria de outros bons filmes que se assemelham em sua estrutura. O único pesar é que talvez o filme nunca ganhe as telonas do circuito nacional.

Na trama, conhecemos a história de um executivo de contas de um forte banco chamado Carlos (Luis Tosar) que passa por uma grave crise em seu casamento e possui uma relação bem distante com seus dois filhos. Certo dia, logo após sair de casa com os dois filhos no carro, recebe uma ligação misteriosa dizendo que embaixo do carro tem uma bomba e que se o carro parar o explosivo se acionará automaticamente. Desesperado, Carlos vai precisar de muito sangue frio para entender o porquê está nessa situação e quem está fazendo isso com ele.

O filme se parece um pouco com Locke (2013), protagonizado por Tom Hardy. A adrenalina, angústia e surpresa são exatamente no mesmo nível. El Desconocido ainda usa mais elementos para elucidar a história ao público. O excelente ator espanhol Luis Tosar mais uma vez dá um show em cena. Desde seu início, sabemos que o personagem chave da trama esconde alguns segredos que acabaram provocando as conseqüências dos atos mostrados. Ao longo dos 102 minutos, não conseguimos tirar os olhos da tela, fruto do excelente desenvolvimento de uma trama que tinha tudo para ser tão simples mas se mostra aos poucos bem complexa.


Se algum dia você leitor tiver chance de conferir a esse filme, não pense duas vezes.  El Desconocido reúne elementos fantásticos e bem criativos que tornam a experiência de ver a esse filme algo fantástica.

Crítica do filme: 'El Desconocido'

Quem abre o coração à ambição, fecha-o à tranquilidade. Em seu primeiro longa-metragem, o cineasta Shintaro Shimosawa tem a complexa missão de dirigir dois monstros sagrados do cinema. Misconduct, estrelado por Anthony Hopkins e Al Pacino, é um filme um pouco parecido com outros trabalhos do gênero, só que com alguns diferenciais nas composições dos personagens. O roteiro, assinado pela dupla Simon Boyes e Adam Mason, é estranhamente mentecapto.

Neste thriller dramático, conhecemos o ambicioso advogado Ben (Josh Duhamel), um homem que passa por uma crise no casamento por conta de uma tragédia que aconteceu. Sua mulher Charlotte (Alice Eve) é uma mulher gelada que praticamente vive no hospital onde trabalha. Certo dia, Ben encontra uma ex-namorada chamada Emily (Malin Akerman) que esconde informações confidenciais sobre o namorado, o bilionário Denning (Anthony Hopkins), que interessam o escritório de advocacia onde Ben trabalha, que é comandado por Abrams (Al Pacino). Assim, Ben acaba se metendo em uma trama misteriosa onde precisará tomar muito cuidado a cada nova revelação.

Misconduct, como um todo, é uma fita apenas regular. Exemplo de pontos positivos: vemos uma composição mais puxada para a realidade dos personagens, com destaque para o ambíguo Denning (Hopkins e sua eterna elegância em cena) e a quase robótica Charlotte, essa última muito bem interpretada pela atriz Alice Eve. Exemplo de pontos negativos: a falta de criatividade do roteiro para dar bons andamentos para as subtramas (que acabam sendo excessivas e atrapalham o entendido de parte da história), Josh Duhamel (infelizmente se perde em alguns momentos).


O longa-metragem, ainda sem data de estreia no circuito brasileiro, deixa a desejar. Mesmo quem curte filmes de suspense tende a se decepcionar bastante. 

Crítica do filme: 'Misconduct'

Cada vez que você faz uma opção está transformando sua essência em alguma coisa um pouco diferente do que era antes. Indicado ao Oscar pelo Chile, a brilhante fita O Clube, dirigida pelo cineasta Pablo Larraín é sem dúvidas um dos melhores filmes do último ano. Não perdendo nem um segundo da atmosfera pesada, fruto dos passados dos personagens, o corajoso filme é um soco no estômago para quem ainda tinha qualquer dúvida sobre alguns absurdos que a Igreja Católica escondeu, esconde e esconderá do planeta.

Grande vencedor do Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim em 2015, O Clube conta a história de alguns homens ligados à Igreja Católica que se escondem de seus passados em uma casa no interior, ajudados por uma freira. Sem total ligação com o mundo e vivendo dia após dia enclausurados em seus pecados, certo dia recebem a visita de um padre que remexerá toda a angústia e aflição desses ex-padres.

 O roteiro, assinado pela dupla Daniel Villalobos e Guillermo Calderón é brilhante. O longa-metragem parece uma peça teatral, muito bem definida em seus atos. Impressionante as verdades ditas. Todos os atores estão inspirados. Mas o grande destaque é a direção. Com muita técnica e simplicidade, consegue captar toda a angústia dos personagens principalmente nos momentos chaves da trama, uma aula de direção de Larraín.


Mesmo falando abertamente as verdades sobre situações que ocorreram com pessoas ligadas à Igreja Católica e toda a polêmica que levanta, o longa-metragem foi aclamado em diversos festivais e quase conseguiu uma das cinco vagas finais para concorrer ao Oscar de Melhor filme estrangeiro neste ano. Não percam O Clube, um filme forte e uma grande aula de cinema.

Crítica do filme: 'O Clube'

Quase sempre é preciso um golpe de loucura para se construir um destino. Em seu primeiro longa-metragem no currículo, o cineasta Antoine Bardou-Jacquet resolve aceitar um projeto inusitado escrito pelo roteirista do excelente Morte no Funeral (as duas versões), Dean Craig. Dessa vez, Craig não consegue ajeitar o tom da comédia e tudo para muito exagerado, além da falta de força cênica, carisma mesmo, dos protagonistas em cena. Jacquet se perde do início ao fim, talvez fruto de sua inexperiência, não consegue realizar um bom trabalho.  

Na trama, no final da década de 60, acompanhamos o perturbado agente da CIA Kidman (Ron Perlman) que se mete em uma missão deveras peculiar: encontrar com o diretor Stanley Kubrick e propôr que o mesmo grave uma espécie de filme, do homem pisando na lua, caso a aventura norte-americana no espaço não desse certo. Mas tudo vai por água abaixo quando Kidman se confunde e acaba entregando a ideia sobre o filme para Jonny (Rupert Grint), um trambiqueiro que no final acabará ajudando Kidman a tentar conquistar seu objetivo, só que sem Kubrick.

A ideia inicial era boa: mexia com Kubrick, uma fake viagem à lua, personagens excêntricos em uma Londres de outros tempos, muito louca. A aplicação disso tudo foi um desastre. Deram margem ao extremo da loucura que o roteiro deixava de alcance e esqueceram que o filme poderia ser bem mais que isso. Personagens perdidos em cena, um roteiro que não consegue se ajustar, uma direção confusa. A decepção é tamanha que vira quase um pecado cinéfilo usar o nome do grande Stanley Kubrick numa bobagem desse tamanho.


O filme tem boas cenas de ação e uma abertura criativa mas somente isso. Muito pouco para ser apenas um filme regular, imagina um filme bom. Moonwalkers é uma grande decepção, não há como negar. Ainda bem que o homem foi à lua. Ou será que não foi?

Crítica do filme: 'Moonwalkers'

Você é livre para fazer suas escolhas, mas é prisioneiro das consequências. Escrito e dirigido por Anne Giafferi Amor ao Primeiro Filho é mais um daqueles filminhos água com açúcar que os franceses adoram produzir ao longo dos anos. Variando entre bons e arrastados momentos, o longa-metragem estrelado pela dupla Isabelle Carré e Patrick Bruel é um daqueles projetos que muitas vezes passam desapercebidos pelo público cinéfilo.

Na trama, conhecemos o arquiteto de sucesso e hipocondríaco Ange (Patrick Bruel) um mulherengo que no passado não quis assumir uma suposta criança que seria seu filho. Como a vida dá voltas, certo dia, uma farmacêutica de meia idade invade seu escritório e pede uma curiosa ajuda de Ange, para ajudá-la a convencer seu suposto filho a assumir a paternidade de uma criança fruto do relacionamento desse suposto filho com a filha da farmacêutica em questão. Confusão criada, agora Ange precisará passar um apressado processo de amadurecimento para poder resolver todas as questões não resolvidas tanto do seu passado, quanto de seu presente.

Ange et Gabrielle, no original, é um típico filme sessão da tarde. O roteiro é raso, apesar de bons diálogos que acompanham a corrida história. A falta de profundidade afasta um pouco o público dos personagens e automaticamente da trama em si. Há bons momentos, principalmente quando o filme ganha uma virada, e o relacionamento entre os protagonistas fica mais próximo. A melhor cena do filme é quando pai e filho precisam cuidar de um bebê e acabam se atrapalhando bastante. Situação já vista em outros filmes e de maneira bem parecida, nada original.


Sem previsão de estreia no circuito brasileiro, com boas possibilidades de ir direto para as locadoras, Amor ao Primeiro Filho não é um filme ruim mas um projeto muito parecido com outros filmes do gênero. Nada mais de especial. 

Crítica do filme: 'Amor ao Primeiro Filho' (Ange et Gabrielle)

Esquecer é uma necessidade. A vida é uma lousa, em que o destino, para escrever um novo caso, precisa apagar o caso escrito. A experiente e mais que competente cineasta espanhola Isabel Coixet (Vida Secreta das Palavras) volta às telonas com uma simpática fita protagonizada por dois grandes atores, adorados por nós cinéfilos, Patricia Clarkson e Ben Kingsley. Ao longo dos 90 minutos de projeção somos privilegiados de ver tamanha harmonia em uma história muito airosa sobre novas descobertas numa fase avançada da vida.

Na trama, conhecemos a crítica literária Wendy (Patricia Clarkson), uma mulher de elegante e realizada profissionalmente que vê sua vida virar de pernas para o ar quando seu marido Ted (Jake Weber) resolve divorcia-se dela e ir viver com uma mulher mais jovem. Tentando superar a depressão que bate diariamente após o ocorrido, Wendy resolve se dedicar a uma atividade que nunca pensara muito sobre, dirigir. Assim, acaba conhecendo Darwan (Ben Kingsley), um imigrante indiano que vive com o sobrinho em uma casa cheia de outros imigrantes.  Darwan trabalha em uma auto escola e acaba virando o professor de Wendy. Assim, uma grande amizade, até certo ponto colorida, começa a nascer.

A roteirista Sarah Kernochan (9 1/2 Semanas de Amor) acerta a mão em cheio, principalmente, na intensidade e a forma como é mostrada algumas curiosas situações da rotina da dupla de protagonistas. Todo o processo de separação de Wendy só aproxima cada vez mais o público da rica personagem, as interações e conversas com sua filha também exploram de maneira jeitosa todas as qualidades da protagonista.  Darwan e os seus problemas, ou não, com o casamento arranjado, além de toda a problemática sobre imigração (assunto quase que atemporal no nosso planeta)  não são deixados de lado e ao longo dos irretocáveis arcos vão sendo passados ao público com uma paciente sabedoria.


Nada no filme é apressado, tudo é bem explorado. Uma deliciosa fita que deixa um gostinho de quero mais, sobretudo por conta de seu desfecho quase poético e bastante verdadeiro. Não percam esse belo filme.  

Crítica do filme: 'Learning to Drive'

Em certos momentos, os homens são donos dos seus próprios destinos. Depois de dirigir o excelente Kapringen (A Hijacking), o cineasta dinamarquês Tobias Lindholm volta às telonas com um filme profundo que fala sobre ética, lealdade dos militares e uma justiça de um país desenvolvido e firme que vai atrás dos fatos. A War, indicado ao Oscar pela Dinamarca e um dos cinco selecionados na categoria melhor filme estrangeiro, é um drama impactante onde as ações do protagonista geram diversas discussões ao longo de toda a apresentação dos fatos.

Na trama, conhecemos Claus Michael Pedersen (Pilou Asbæk), um militar de alta patente que lidera tropas dinamarquesas em um ambiente hostil. Claus é acima de tudo leal e muito bem visto por seu pelotão, em sua casa, a mulher e os três filhos o aguardam ansiosamente. Certo dia, após um ataque em uma expedição de rotina, o líder precisa tomar uma decisão muito difícil que mexerá com a sua vida pessoal e a de todo seu pelotão.

Vezes com Von Trier, vezes com Vinterberg, muitas vezes com Bier, ao longo dos anos, vamos sendo apresentados a toda uma profunda intensidade dramática que o cinema dinamarquês consegue proporcionar. Tobias Lindholm chega de vez ao planeta cinema com uma pegada cada vez mais realista que usa a ação como forma de espremer as emoções mais figadais. Krigen, no original, começa na ação e aos poucos, quase cirurgicamente, entramos em um drama vigoroso, daqueles imperscrutáveis. Consegue conectar os olhos mais dispersos para dentro da tela.


Uma figura importante para a trama se consolidar como um dos melhores dramas deste ano é a personagem de Maria (Tuva Novotny em uma interpretação espetacular), esposa de Claus. A decisão da família pesa para Claus mesmo sendo ele um cara íntegro e que defende seus ideais. No arco final, ficamos totalmente rendidos à curiosidade sobre as escolhas que todos os envolvidos tomarão. O final é impactante e mostra que mesmo tendo um fim, para o protagonista pode não ser bem assim. Grande filme, grande direção, grande elenco. Não percam!

Crítica do filme: 'A War'

Onde acaba o amor têm início o poder, a violência e o terror. Escolhido para representar a Áustria na competição do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 2016, Goodnight Mommy (Boa Noite, Mamãe) é um suspense, vestido de drama com pitadas impactantes de terror. Dirigido pela dupla de cineastas Severin Fiala e Veronika Franz, o longa-metragem, com lançamento confirmado no circuito nacional para o próximo dia 25 de fevereiro, possui uma benemerência simples, que é o de manter os olhos do público atentos aguardando ansiosamente os desfechos e algumas respostas desta curiosa história.

Na trama, conhecemos os gêmeos Lukas (Lukas Schwarz) e Elias (Elias Schwarz) que vivem em uma bela casa, isolada, no interior de uma cidade, ao lado de sua misteriosa mãe (Susanne Wuest). Essa última, é uma mulher cheia de amargura, rígida, que anda com uma faixa em volta do rosto. Dia após dia, os irmãos começam a desconfiar de que aquela mulher que vive com eles pode não ser a mãe deles. Assim, ao longo dos angustiantes 95 minutos de projeção, vamos sendo apresentados melhor a essa história que possui um desfecho para lá de apavorante.

A trama é bem trabalhada e os personagens vão ganhando força conforme as revelações são feitas. O primeiro e o segundo ato parece que são para encher um balão de festas e o terceiro ato chega com uma agulha para explodi-lo. Goodnight Mommy  é um projeto onde todos pensam que é um longa-metragem de terror mas na verdade é um suspense aterrorizante que vai ficando angustiante a cada nova cena. O roteiro tem muitos méritos em transformar a atmosfera do filme em algo meio enigmático, repleto de saídas para as resoluções da trama. O ato inicial é raso porém muito instigante, o segundo ato fortalece mais os personagens, e o ato final é o da transformação e virada da trama. Cada ponta é bem amarrada e por mais que algumas conclusões se cheguem antes do seu fim, não deixa de ter bastante criatividade essa história.


Para quem curte filmes de suspense e de terror, Goodnight Mommy (Boa Noite, Mamãe) é um prato cheio. Não percam!

Crítica do filme: 'Goodnight Mommy (Boa Noite, Mamãe)'

A confiança é ato de fé, e esta dispensa raciocínio. Com um elenco inspirado, um roteiro delicioso e uma direção primorosa, a comédia, indicada ao Oscar 2015 pela Bélgica, O Novíssimo Testamento é um daqueles filmes originais que abrem um grande e largo sorriso dos cinéfilos desde seu início até seu desfecho. Ao longo de inesquecíveis 112 minutos de projeção, vamos acompanhando a trajetória inusitada de ninguém mais, ninguém menos, que Deus e sua busca em consertar o inconsertável. A delicadeza com que o diretor Jaco Van Dormael (do impossível de esquecer Mr. Nobody) conduz esta jocosa trama é algo bem peculiar e que merece ser visto e revisto.

Le Tout Nouveau Testament no original, estreou no último dia 21 de janeiro e conta a história de Deus (Benoît Poelvoorde), que, no imaginário mundo dos roteiristas deste projeto, é casado e tem uma filha. Ele está entediado e sua única e peculiar diversão é definir as conseqüências das atitudes das pessoas, criando situações irritantes para elas. Chateada com essas atitudes do pai, a filha de Deus invade o computador dele envia uma mensagem para os celulares de todas as pessoas na Terra dizendo quando casa uma delas vai morrer. Além disso, ela, com a ajuda do irmão J.C, resolve montar um novo testamento e corre atrás de discípulos na Terra. Assim, por conta de tudo isso e mais um pouco, Deus será obrigado a descer e tentar resolver a situação.

Para quem se intitula como cético ou muito certinho pode ser que não consiga encontrar pontos de interações com essa fábula dos tempos modernos. O projeto é genial em muitos sentidos. Fala do amor em novíssimas circunstâncias, praticamente declama a normalidade entre sentimentos de uma mulher e um gorila, mostra uma face desconhecida do poder da aceitação do ser humano. Há uma metáfora expressiva em cada subtrama, as pinceladas de peculiaridade acopladas nas pancadas na normalidade são de longe o grande charme do filme que tem no seu elenco nomes como: Catherine Deneuve, Benoît Poelvoorde e François Damiens.


Em uma época onde encontrar a originalidade no cinema cada vez vem ficando mais difícil, ainda bem que existem cineastas como Van Dormael, que dão luz, brilho e renovam a magia no ato de assistir um filme. Bravo!

Crítica do filme: 'O Novíssimo Testamento'

Dirigido pelo cineasta britânico Dan Mazer, que apenas tinha tido uma experiência em longas-metragens com o filme Dou-lhes Um Ano (2013), Tirando o Atraso é uma comédia honesta que desde seu arco introdutório se coloca como apenas uma diversão sem pretensão aos olhos cinéfilos. Protagonizada pela dupla Robert de Niro e Zac Efron, o filme, que estreou na última quinta-feira (04) será fuzilado pela crítica especializada mas com certeza tirará muitos risos de quem for assistir.

Com parte das filmagens sendo realizada na cidade de Atlanta, Tirando o Atraso conta a história de um jovem advogado chamado Jack (Zac Efron), dedicado profissionalmente, que precisa dar uma carona para o avô, Dick, um aposentado do exército, que não vê a muito tempo. O jovem só não esperava embarcar em uma alucinante viagem cheia de mulheres, descobertas e surpresas.

O filme fala também sobre escolhas e nesses momentos, apenas a comédia salva com alguns bons diálogos. O roteiro é apenas raso em alguns quesitos. É bem forçado o contexto de romance que acontece entre Jack e uma colega da ex-escola, é mal aproveitada e praticamente sem explicação a relação entre o protagonista mais jovem e seu pai. A esposa de Jack, interpretada por Julianne Hough (Rock of Ages) apenas dar o ar de sua graça no final, com uma cena bem engraçada ao som de Celine Dion.


Robert de Niro é um ator versátil mas que nesse longa-metragem perde um pouco o personagem em alguns momentos. A química com Zac Efron até que funciona até certo ponto, a troca de idades e a mudança de senso comum da maturidade vir de alguém mais jovem para alguém mais velho. Ao fim do último ato, em um desfecho um pouco decepcionante que opta pela mesmice de outros filmes do gênero, percebemos que faltou um pouco mais de fé na química entre os protagonistas para que o filme tivesse mais méritos. 

Crítica do filme: 'Tirando o Atraso'