O recomeçar é doloroso. Faz-se necessário investigar novas verdades, adequar novos valores e conceitos. Não cabe reconstruir duas vezes a mesma vida numa só existência. Filme de estreia do excelente cineasta chileno Pablo Larraín (O Clube, Neruda, Tony Manero, No) em Hollywood, Jackie mostra a visão de da ex-primeira dama dos Estados Unidos Jacqueline Kennedy sobre a tragédia que aconteceu com seu marido, o ex-presidente John F. Kennedy. O roteiro, assinado por Noah Oppenheim (A Série Divergente: Convergente), é bem detalhista sobre os fatos apresentados e mostra uma Jackie repleta de indecisões logo após o falecimento de seu amado marido. No papel principal, Natalie Portman, em uma atuação irretocável e sensível, indicado ao Oscar de Melhor Atriz esse ano.

Na trama, ambientada em novembro de 1963, acompanha a ex-primeira dama dos Estados Unidos Jacqueline Kennedy (Natalie Portman) dias após a tragédia que o país mais poderoso do mundo nunca esquecera, a morte do 35° presidente dos Estados Unidos John F. Kennedy durante uma carreata presidencial em Dallas, no Texas. Acompanhamos em detalhes toda a dor e o sofrimento de Jackie e o desenrolar intenso logo após a morte de seu companheiro. Bobby Kennedy (Peter Sarsgaard, em ótima atuação), irmão do ex-presidente, tem papel importante nessa história com diálogos intensos com a ex-primeira dama.

Esses dias após o luto são narrados de maneira muito intensa, e, assim vamos construindo um interessante quebra cabeça sobre os pensamentos e personalidade de Jacqueline Kennedy. Seus intensos diálogos com um padre -confissões de pensamentos constantes – sua relação carinhosa com uma das assessoras da Casa Branca Nancy Tuckerman (interpretado pelo irreconhecível Greta Gerwig) que vira seu porto seguro em exposição com a mídia mostrado com detalhes na apresentação da Casa Branca para um programa de televisão, sua revolta na hora de tomar fortes decisões para se despedir do marido já que Jackie queria um enterro emblemático mas os Estados Unidos estava com receio de novos ataques. Bobby Kennedy também muito afetado pela tragédia tenta sempre ser um porto seguro para a cunhada e os sobrinhos se mantendo a frente das decisões políticas já com o novo presidente Lyndon B Johnson e assessores em exercício.


O filme tem um ritmo deveras lento, ganha mais com a força de seus personagens. Flashbacks curtos ganham contornos explicativos que rodam uma entrevista que um jornalista, interpretado pelo ator Billy Crudup faz com Jackie, já afastada da loucura de Washington, dias após a tragédia. Para quem quer saber mais sobre a história pessoal que cercou um dos presidentes mais famosos do planeta, Jackie é uma visão diferente sobre alguns fatos sempre apresentados. Um filme corajoso e com belíssimas interpretações. 

Crítica do filme: 'Jackie'

Não há progresso se este não surgir através das dúvidas. Depois de diversos trabalhos impactantes na indústria cinematográfica mundial, como Forrest Gump, a trilogia De Volta para o Futuro, O Náufrago e tantos outros, o cineasta norte americano Robert Zemeckis volta às telonas em 2017 para mostrar uma trama repleta de referências a filmes antigos de espionagem onde o amor transborda e as escolhas viram conseqüências angustiantes. Aliados, protagonizado pelos excelentes atores Brad Pitt e Marion Cotillard é uma trama repleta de ação e suspense com revelações que se transformam em grandes reviravoltas ao longo dos intensos 124 minutos de projeção.

Na trama, ambientada no começa da década de 40, conhecemos o tenente coronel franco canadense Max Vatan (Brad Pitt), um espião em tempos de guerra que recebe uma missão em Casablanca, no Marrocos. Durante essa missão, que quase termina em tragédia para seu lado, conhece a bela e misteriosa agente francesa Marianne Beausejour (Marion Cotillard). Após conseguirem sair vivos da missão, ambos se apaixonam perdidamente e resolvem se casar e construir uma família. O problema maior dos pombinhos é que tempos mais tarde, Max é alertado por altas patentes do lado que luta que a esposa na verdade é uma espiã nazista que rouba essa identidade tempos atrás. Sem saber em quem acreditar e duvidando de tudo e todos, Max parte em uma missão pessoal que é descobrir a verdade sobre sua esposa.

Indicado ao Oscar, apenas na categoria de Melhor Figurino, o filme não deixa de ser uma pequena homenagem para o público que curte os filmes de espionagem. O roteiro, assinado pelo britânico Steven Knight (dos ótimos Locke e Senhores do Crime), é bem detalhista, tem grandes cenas de ação, uma espécie de clima noir no ar e muito suspense, estampado praticamente durante toda a fita pelas ações e descobertas dos personagens. É o típico filme que temos que esperar até a última cena para descobrir como montar as peças que faltam no tabuleiro.

A parte do romantismo e da descoberta do amor, lembra muito alguns filmes antigos na época dos lendários cineastas Michael Curtiz, Irving Rapper e tantos outros. Sempre com traumas e amores quase impossíveis ou muitas vezes sem aquele grande final feliz que todos esperam. O filme ganha contornos eletrizantes nos arcos finais, onde vira uma grande busca pessoal do protagonista para saber, na verdade, se tudo aquilo que viveu, sentiu com sua esposa era real ou fazia parte de um grande plano manipulador por conta dos objetivos da guerra, acima de tudo.


Aliados tem muitos méritos, não é um filme inesquecível mas é um filme para ser visto. Robert Zemeckis é um dos diretores mais acima da média em atividade, merece sempre a conferida dos cinéfilos. 

Crítica do filme: 'Aliados'

A confiança em si mesmo é o primeiro segredo do sucesso. Depois de brindar os cinéfilos com excelentes filmes como Omar (2013) e Paradise Now (2005), o cineasta israelense Hany Abu-Assad volta às telonas dessa vez para contar uma história baseada em fatos reais repleta de sofrimento e chances de alcançar o tão sonhado sucesso. O Ídolo é um filme repleto de críticas sociais, principalmente sobre a região onde se passa Gaza na Palestina.

Na trama, conhecemos o jovem Mohammed Assaf que curte os dias na cidade de Gaza, na Palestina, onde vive com sua família. Alegre e repleto de amigos que sempre se envolveram com músicas, passa por um grande abismo quando perde precocemente sua única irmã para uma doença terrível. Assim, ele cresce e seus sonhos ficam mais distantes e a realidade que vive o vai sugando. Até que um dia resolve voltar a buscar a música como inspiração e se candidata ao Arab Idol (o American Idol Árabe) no ano de 2013 buscando seu tão sonhado sucesso e reconhecimento.

Um dos grandes méritos de Hany Abu-Assad nesse filme, que também assina o roteiro, é consegue preencher muito bem, em seus longos arcos, todas as lacunas sobre a personalidade desse futuro grande cantor. Num primeiro momento vemos o dia a dia do protagonista em sua primeira fase, a descoberta da música e a importância que tem sua família e amigos em seu cotidiano. Já no médio arco, vemos uma outra fase, aquela do sonho que lutando contra muitos consegue a oportunidade de realizá-lo.  

As críticas sociais, chegam em forma de obstáculos para o protagonista. Quando resolve fugir de Gaza para poder participar da eliminatória do programa (sem saber se poderia voltar para casa), a questão da religião também ganha contornos, nesse caso só na superfície, no papel do amigo que cresceu e virou assíduo quase atrapalhando a trajetória de sucesso do cantor. A paisagem destruída pela guerra também ganham contornos interessantes pelas lentes de Hany Abu-Assad, como na parte do Parkour entre os escombros que com certeza despertou em Mohammed Assaf a variável que faltava para acreditar em seu sonho e não desistir.


Com uma entrada bem discreta no circuito exibidor brasileiro nessa última semana, por conta da quantidade dos filmes indicados ao Oscar que já se encontram em circuito, O Ídolo é um filme reflexivo que faz a gente nunca deixar de acreditar em nossos sonhos, não importando os obstáculos.

Crítica do filme: 'O Ídolo'

Só nos curamos de um sofrimento depois de o haver suportado até ao fim. Após alguns anos de hiato desde seu último filme, o cineasta nova iorquino Kenneth Lonergan (Conta Comigo) volta às telonas roteirizando e dirigindo um filme pra lá de triste que passa um angustia arrepiante sempre na ótica melancólica de seu protagonista. Manchester à Beira-Mar indicado a seis prêmios do Oscar, é uma história profunda repleta de buscas e dor, com flashbacks impactantes que muito nos mostram nas mudanças da vida de um homem que luta contra uma terrível tragédia em seu passado. Atuações marcantes são vistas, Casey Affleck e Michelle Williams elevam a qualidade da fita e o desconhecido Lucas Hedges cumpre com louvor seu importante papel na história.

Na trama, conhecemos Lee Chandler (Casey Affleck) um homem solitário que vive em um minúsculo quarto na cidade de Boston e sobrevive sendo uma espécie de faz tudo para alguns condomínios próximos a onde mora. Certo dia, seu passado bate em sua porta com a terrível notícia de que seu único irmão Joe (Kyle Chandler) acabara de falecera. Imediatamente, Lee precisa voltar a cidade onde morou durante anos, muito por conta de único sobrinho Patrick (Lucas Hedges), mas precisará enfrentar terríveis dores de seu passado.

Manchester à Beira-Mar é um longa metragem cirúrgico na modelagem de seus dramas. Há subtramas importantes que são exploradas aos poucos como a distante relação da ex-cunhada do protagonista com o filho. Quando descobrimos o que aconteceu com o protagonista, começamos a entender seu jeito caladão e distante que o acompanha em toda a trama. Os flashbacks, nos arcos iniciais um pouco jogados no roteiro, são parte importante do quebra cabeça que se monta, começamos a entender melhor o porquê daquela personalidade, perguntas do tipo: ‘Será que ele foi sempre assim?’ e ‘O que houve com esse personagem?’ são rapidamente respondidas, fator que nos faz sofrer junto com o personagem.

O filme fala também sobre as inúmeras tentativas que temos de recomeçar, mesmo quando quase tudo parece conspirar contra. A chance que Lee tem em tentar criar o filho de seu irmão, sendo seu tutor, é algo importante para ambos. Nesse desenrolar o roteiro segue frio e seco, e entre seus traumas (visão do protagonista), principalmente o confronto que acontece com sua ex-mulher Randi (Michelle Williams), após ser atualizado de como ela conseguiu de alguma forma seguir em frente é uma das cenas mais bonitas dos últimos anos, arrepia e emoção a flor da pele em cada segundo do emocionante diálogo.


Manchester à Beira-Mar não é um filme para corações fracos. A dor e a conseqüência andam lado a lado, assim como a emoção que sempre transborda no bom filme. Todo o elenco se doa ao máximo para que vejamos um excelente trabalho na telona.

Crítica do filme: 'Manchester à Beira-Mar'

A força sem inteligência é como o movimento sem direção. Baseado no livro Hidden Figures, de Margot Lee Shetterly, Estrelas Além do Tempo fala sobre o preconceito na época da corrida espacial, com o foco em três grandes mulheres negras que ajudaram a mudar o rumo das descobertas norte americanas nesse período. Com ótimas atuações e uma trilha sonora assinada pelo craque Pharrell Williams, o longa metragem dirigido pelo cineasta Theodore Melfi (Um Santo Vizinho) é um daqueles belos filmes, nessa época corrida de muitos lançamentos de prováveis indicados ao Oscar, que você não pode perder.

Na trama, conhecemos três mulheres fortes e determinadas que trabalham em um departamento específico de matemática dentro da toda poderosa Nasa. A matemática brilhante e mãe de três filhas Katherine G. Johnson (Taraji P. Henson, em mais uma bela atuação), a engenheira e dona de duas graduações na área das exatas Mary Jackson (Janelle Monáe) e a primeira supervisora mulher e negra da história da Nasa Dorothy Vaughan (Octavia Spencer, em mais um grande trabalho no cinema). Cada uma na sua área de atuação mas todas dentro do mesmo departamento, com um foco maior em  Katherine, vamos descobrindo ao longo dos 127 minutos de projeção todo o preconceito e obstáculos que as jovens precisam enfrentar para poder ajudar seu país em uma importante disputa com a Rússia no domínio das navegações espaciais.

O filme começa com um belo arco inicial, focando no cotidiano profissional das três amigas e toda a luta para conquistarem seus reconhecimentos. Tendo que viver com uma segregação racial absurda, onde até os banheiros e refeitórios da Nasa eram divididos pela cor das pessoas, as três brilhantes em suas carreiras profissionais precisam ser valentes e lutarem por seus merecidos direitos a todo instante. O filme retrata bem essa época e faz uma grande reflexão também com os dias atuais e a merecida valorização da mulher no mercado de trabalho.  A matemática é o alfabeto com o qual Deus escreveu o universo, as leis dos senos e cossenos, além de diversas fórmulas complexas, ajudam as três protagonistas a encontrem seu espaço em um planeta que sofre até hoje com atitudes preconceituosas.

A física é a poesia da natureza. A matemática, o idioma. Já no segundo arco, o filme ganha contornos matemáticos profundos, com introdução de uma das personagens a famosa linguagem de programação Fortran (já que uma das jovens precisa entender a programar um enorme computador da ainda pouco conhecida, naquela época, IBM), tentativas de cálculos para levar um norte americano a dar sete voltas completas pela órbita da Terra. Também, nesse segundo arco, um embate jurídico para conseguir freqüentar uma faculdade que só entravam brancos por uma das jovens que sonhava em ser engenheira contratada da Nasa.


A história é muito bem contada, tem a força de sua leveza com os arranjos cinematográficos que ficam encaixados matematicamente perfeitos no grande carisma que as personagens possuem.  Estrelas Além do Tempo estreia na primeira quinta-feira de fevereiro nos cinemas brasileiros e você não pode deixar de conferir esse belo filme. 

Crítica do filme: 'Estrelas Além do Tempo'

Sem medo não há coragem. Indicado ao SAG, Globo de Ouro, Bafta e provavelmente ao próximo Oscar, o novo longa metragem do ator e diretor Mel Gibson (que não dirigia um filme há dez anos, Apocalypto (2006)) é baseado em uma história real e conta a saga de um jovem que segue firmemente em seus princípios e sua fé em um ambiente hostil dentro de um dos campos de batalha mais sangrentos na história do mundo.  Na pele do protagonista, o ex-Spider Man Andrew Garfield cumpre muito bem seu papel, o roteiro que deixa um pouco a desejar mesmo a direção sendo espetacular.

Na trama, ambientada na década de 40, conhecemos o carismático Desmond Doss (Andrew Garfield), um jovem que fora criado no interior dos Estados Unidos junto com seu irmão Hal, sua mãe e seu conturbado pai. Após apaixonar-se por uma linda enfermeira chamada Dorothy Schutte (Teresa Palmer), Desmond resolve se alistar no exército norte americano para lutar na segunda guerra mundial por achar que é seu dever. Cheio de princípios e invocando leis que poucas pessoas conheciam ele quer se manter no exército mas sem tocar em nenhuma arma, fazendo parte do corpo de médicos para ajudar nas batalhas quando preciso. Isso causa uma grande confusão com seus superiores, o Capitão Glover (Sam Worthington) e Sargento Howell (Vince Vaughn) que fazem de tudo para ele desistir. Só que a fé é gigante para esse jovem e mesmo indo a corte marcial consegue os direitos de ir pro campo de batalha totalmente desarmado e assim irá enfrentar os horrores da guerra tentando mostrar seu valor.

Andrew Garfield encaixou bem no papel do protagonista e seus coadjuvantes nos campos de batalha cumprem com louvor suas missões. Falta para a construção completa do personagem, um pouco mais de profundidade nos laços iniciais que possui com sua família, seu irmão Hal é completamente esquecido da trama fator que é estranho já que Desmond quer entrar no exército também por causa do irmão.  A sua fé é bastante explorada, com algumas cenas forçadas (é verdade) mas com muito simbolismo de algo que representa o alicerce dos seus princípios.

Logo que começa o filme, nós sabemos que será um projeto hollywoodiano em todos os sentidos. A busca constante pelos clichês, principalmente nos arcos iniciais, logo na construção do personagem principal deixa o filme com cara de enlatado norte americano. Do terceiro arco em diante, a produção parece que consegue uma certa liberdade para focar nos pontos mais interessantes dessa curiosa história. Mesmo com a construção inicial repleta de ‘momentos hollywood’, o filme cresce estrondosamente do meio para frente. Mel Gibson em todo o momento mantém suas ótica de forma exemplar, tenta mostrar ao público tanto emoções quanto situações, detalhes, que são importantes para nosso entendimento e envolvimento com a trama. É um belo trabalho de Mel na direção, mesmo o roteiro ajudando em somente partes da história.

Até o Último Homem estreia semana que vem no circuito brasileiro. Não é o melhor filme sobre guerra já feito, longe disso, mas quem curte filmes do gênero pode gostar.


Crítica do filme: 'Até o Último Homem'

O mistério do amor é maior que o mistério da morte. Baseado no livro homônimo, de Paula Hawkins, best-seller do jornal The New York Times, A Garota do Trem é uma trama esquisita onde nada é o que parece e o que parece também não é nada demais. Tudo é muito confuso na história dirigida pelo ator e diretor Tate Taylor (Histórias Cruzadas). A protagonista não possui a força e carisma necessários para prender nossa atenção nos sonolentos 100 minutos de projeção. Como filme, realmente não deu certo.

Na trama, conhecemos a desequilibrada Rachel (Emily Blunt) que tenta seguir em frente em sua vida mesmo tendo um vício constante por álcool e ter sida abandonada pelo ex-marido. Assim, escondendo da amiga que divide apartamento que perdeu seu emprego, passa seus dias andando de um lado para o outro de trem desenhando e criando em sua imaginação histórias para seus reais personagens. Até que certo dia acaba se envolvendo como testemunha de um terrível crime que aconteceu, por grande coincidência no bairro onde seu ex-marido mora com a nova esposa e o filho recém nascido.

O grave problema dessa produção é a falta de lacunas preenchidas para a composição de sua protagonista. Completamente fora do controle (ritmo desnecessariamente acelerado) , com várias passagens vagas e diálogos sem força na história, a personagem principal é mais confusa que o atual meio campo do time do São Paulo.  O filme fica navegando nas águas do mistério mas na verdade é um grande drama existencial mas sem possibilidades de nos conectarmos com seu enredo. Emily Blunt até se esforça em tentar compor a personagem mas chega no meio do caminho e parece mais perdida do que nós que assistimos o filme.


A Garota no Trem estreou no Brasil no fim do ano passado, é o típico produto enlatado hollywoodiano adaptado de um Best Seller que na hora de virar filme acaba se enchendo de elementos com recheios de clichês. O livro deve ser bem melhor!

Crítica do filme: 'A Garota do Trem'

Sábio é o pai que conhece o seu próprio filho. Depois de um hiato de sete anos na direção de um longa-metragem, a cineasta alemã Maren Ade volta à telona em grande estilo com a hilária e doce dramédia Toni Erdmann. Contando a história de um pai cheio de impulsos cômicos na busca constante pela atenção de sua sisuda filha, o projeto, indicado a muitos prêmios internacionais e um dos favoritos para ganhar o próximo Oscar de Melhor filme Estrangeiro é um daqueles filmes imensos (2 horas e 40 de projeção) mas que não desejamos que acabe nunca, sempre à espera da próxima gracinha que Toni Erdmann vai aprontar.

Na trama, acompanhamos a árdua saga de Winfried Conradi (Peter Simonischek), um dedicado pai que muito se entristece com o distanciamento na relação com sua única filha Ines (Sandra Hüller), essa última, uma jovem em ascensão na empresa onde trabalha o que a transforma em uma Workholic sem limites. O problema é que Ines trabalha demais e pouco tempo de sua agenda é dedicada à sua família. Quando o o cachorrinho de Winfried morre, ele decide encarar o desafio de ter mais atenção de sua filha e para isso, entre outras coisas, viaja para vê-la quando ela está a trabalho e desenvolve um personagem, um Alter ego de nome Toni Erdmann. Não é preciso nem dizer as inúmeras e hilárias que esses dois vão se meter ao longo desse complexo processo de melhoramento na relação pai e filha.

Escolhido o Melhor Filme Estrangeiro de 2016 pelos críticos de Nova York, um dos sinais de sua provável indicação ao próximo Oscar, Toni Erdmann navega pelo humor para mostrar o cotidiano de um relacionamento conturbado entre pai e filha. De personalidades completamente diferentes, os dois embarcam em uma jornada basicamente de auto descoberta. Aos poucos, após uma quantidade absurda de insistência, Ines vai conseguindo se reconectar com seu pai, o que provoca uma cena de desfecho para lá de emblemática. Mesmo tendo quase três horas de duração o que dificulta sua entrada no circuito de cinema brasileiros, talvez um dos pontos para nenhuma distribuidora ter ainda comprado os direitos no filme no Brasil, o filme é uma delícia de assistir e essas horas passam voando.

 O foco no primeiro arco é a personalidade forte de Ines em paralelo as trapalhadas e atos incompreendidos de Winfried. Tudo começa a fazer mais sentido, praticamente a virada na trama, quando chega o Sr. Toni Erdmann, com sua peruca para lá de chamativa e dentes falsos para lá de explícitos. Esse Alter Ego transforma demais a visão de Ines sobre a personalidade cativante de seu pai. Assim, o longa-metragem cresce demais em emoção, o inusitado começa a ter sentido e fica num tom cômico na medida conforme as antes constrangedoras agora com sentido situações. Toni Erdmann, rouba a cena, transforma o mais difícil dos conflitos paternos em uma aula de amor e afeto.


O filme, que não tem previsão de estrear no Brasil, ainda é forte concorrente a alguns prêmios esse ano. Merece todos os prêmios, da direção ao roteiro e atuações, a produção joga por música, mexe com nossas emoções e transforma esse filme de quase três horas em algo obrigatório para todos que amam o bom cinema. Bravo!

Crítica do filme: 'Toni Erdmann'

O mal do malandro é achar que todo mundo é otário. Escrito e dirigido pelo cineasta Caito Ortiz, O Roubo da Taça é uma comédia franca, com ótimos diálogos e personagens que produzem uma comédia de fato realmente engraçada. Na contra mão de outros filmes do gênero, falando em cinema nacional, O Roubo da Taça está muito acima, um longa metragem muito divertido e bem feito. O projeto ganhou alguns prêmios, inclusive no prestigiado Festival de Gramado no ano passado.

Na trama, ambientada no começo da década de 80 no Rio de Janeiro, conhecemos Peralta (Paulo Tiefenthaler em grande atuação) um trambiqueiro, flamenguista e corretor de seguros que passa os dias se atolando em dívidas de jogo e dando pouco atenção a sua charmosa esposa Dolores (Taís Araújo). Certo dia, após receber um singelo ultimato do dono da casa de jogos onde passa a maioria de suas noites perdendo dinheiro, tem a inusitada ideia de invadir a sede da CBF com a ajuda do enrolado amigo Borracha (Danilo Grangheia) e roubar a Taça Jules Rimet, que está em posso dos brasileiros após o tricampeonato mundial, após vencer a Copa do Mundo de Futebol do México, em 1970. Obviamente muitas coisas dão erradas após o roubo e a polícia começa a desconfiar da dupla de malandros.

O roteiro é bem simples e as atuações que engrossam o caldo desse tempero tipicamente carioca. A malandragem, exercida com louvor pelos personagens, é tratada de maneira charmosa com caricaturas óbvias mas muito eficazes tanto em relação às ações como nas reações. O filme poderia ser tranquilamente um seriado de sucesso, onde semanalmente acompanharíamos o desenrolar dessa cômica trama. É um filme que todos vão dar risadas, a inclusão do malandro em sua personificação argentina é hilária e dá mais charme a boa história.


O Roubo da Taça encontra-se atualmente no vasto catálogo do Netflix e merece que todos dêem uma conferida. Em meio a gigantescos lançamentos de comédia sem graça no cenário nacional, esse é um filme do gênero que agrada, possui muitas e inúmeras qualidades.

Crítica do filme: 'O Roubo da Taça'

As mais belas descobertas ocorrem quando as mesmas coisas são vistas com um novo olhar. Filme sensação do último Festival Internacional de Cinema de Toronto no ano passado, esse baita filme Moonlight: Sob a Luz do Luar é uma pérola que precisa ser descoberta por todos que amam cinema. Dirigido pelo cineasta norte americano Barry Jenkins, com roteiro baseado na peça In Moonlight Black Boys Look Blue, de Tarell McCraney, o filme fala sobre a vida de um garoto de origem humilde que precisa enfrentar os absurdos feitos pela mãe e acreditar nas suas escolhas num mundo tão insensível em que vivemos.

A trama, vencedora do Globo de Ouro 2017 na categoria Melhor Filme de Drama, conta a história de Chiron que passa por três fases em sua vida, na infância onde descobre uma amizade com o traficante Juan (Mahershala Ali), na adolescência onde descobre sua sexualidade no encontro com o amigo Kevin, e na fase adulta onde tenta se redescobrir após passar dias preso e tendo que mudar de cidade. Nos três momentos de vida do protagonista, interpretado pelos ótimos atores Alex R. Hibbert (infância), Ashton Sanders (adolescência) e Trevante Rhodes (fase adulta), sua mãe Paula (Naomie Harris, que absolutamente dá um show em cena) o cerca e o coloca em situações desagradáveis muito por conta de seus vícios incansáveis. Ao longo do tempo vamos acompanhando o personagem principal, seus dramas e suas certezas em um mundo cheio de obstáculos em busca da felicidade.

O filme é uma grande crítica social. O preconceito e a violência andam lado a lado, paradigmas impostos por um planeta repleto de caos vivendo todo dia com medos aflorando e com cada vez menos luz no final desse túnel. O protagonista vive grandes conflitos dentro de si e acaba sendo exposto por conta de toda a dificuldade que possui com sua mãe, que deveria ser seu primeiro ombro amigo. Na infância, descobre Juan, o traficante que vendia drogas para sua mãe, um conflito de direções com uma cena emblemática à beira de uma mesa de jantar. Em sua adolescência, onde o roteiro segue firme em sua tentativa de fazer um grande raio-x não só do protagonista mas da sociedade ao seu redor, a descoberta da sexualidade chega com grande surpresa e uma situação que tenta entender aos poucos. Em sua fase adulta, esperamos as conclusões do caminho que Chiron escolheu, quem sabe o amor possa ajudar a encontrá-lo.

O roteiro é espetacular. A direção também. O elenco é maravilhoso. É muito elogio mas com toda verdade do mundo. Tudo é bem detalhado e há uma forma de poesia na maneira como Chiron enxerga o amor. Repleto de amargura dentro de si, o que acaba mexendo com suas emoções (como vemos na cena da cadeira sendo quebrada), as boas ações que viu com os próprios olhos acabam influenciando de alguma forma suas escolhas. Sim, esse também um filme de escolhas e mesmo com o final aberto, quando sobem os créditos imaginamos que enfim, anos depois de uma infância perturbada, sim, nosso protagonista encontra seu caminho.


Moonlight: Sob a Luz do Luar estreia dia 23 de fevereiro. Um filme imperdível, um dos melhores do ano. Bravo!

Crítica do filme: 'Moonlight: Sob a Luz do Luar'

A coragem é a primeira das qualidades humanas porque garante todas as outras. Baseado em fatos reais, narrados no livro Queen of Katwe, de Tim Crothers, chegou aos cinemas brasileiros, de maneira quase desapercebida, o lindo longa metragem A Rainha de Katwe, produzido pela Disney, que fala sobre as problemáticas enfrentadas pela população de um pobre país na África além de lições sobre o relacionamento profundo e carinhoso de uma mãe com seus filhos, tudo isso em volta ao mundo do xadrez que abriu lindas portas e possibilidades para a forte protagonista. Dirigido pela cineasta indiana Mira Nair, o filme promete emocionar bastante.

Na trama, conhecemos Phiona Mutesi (Madina Nalwanga, em sua estreia no mundo do cinema) uma jovem corajosa que vive a beira da miséria ao lado de sua mãe Nakku Harriet (interpretada pela excelente atriz Lupita Nyong'o) e seus irmãos. Sem ter muito o que fazer, a não ser trabalhar, em seu cotidiano, acaba se juntando a um grupo de aprendizes de xadrez, organizado pelo engenheiro Robert Katende (David Oyelowo). Assim Phiona desenvolve seu dom que não sabia que tinha e sonha em ser uma Grande Mestre do Xadrez.

O filme é uma grande lição de vida. O roteiro é ótimo, consegue ser cirúrgico quando mostra todas as dificuldades que a família da protagonista enfrenta quase que diariamente em uma região carente de básicos recursos e ficando reféns da miséria. O ponto alto é a relação de Phiona com sua mãe, que é linda, emocionante. O amor e os princípios ensinados por Harriet são fortes e impressionam, mesmo na dificuldade que muitos de nós não conseguimos ter noção real e exata, Harriet faz de tudo para dar uma boa educação e passar o que acha que é de correto no ato de viver e conviver.

O xadrez acaba sendo um charme a mais para a trama. Mistura de inteligência e coragem o paralelo dos tabuleiros entre reis, peões, bispos, cavalos, torres e rainhas chega delicadamente para ser o paralelo com a vida que Phiona leva com sua família em um país praticamente esquecido pelo planeta. O papel de Robert Katende também é importante para o amadurecimento da jovem, um homem que é muito mais que o treinador de Phiona, um homem que o mundo também precisava conhecer.

A Rainha de Katwe ficou pouquíssimo tempo em cartaz no circuito brasileiro e deve ser adicionado às novas plataformas de filmes em breve. Assim que tiver a oportunidade, não deixe de conferir. Esse filme é muito bonito! 

Crítica do filme: 'A Rainha de Katwe'

A descoberta da entrada na adolescência. Exibido na 40ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, The Fits é um longa metragem curtinho, de 72 minutos, que possui o tema da entrada na adolescência tendo em seu contorno uma poderosa protagonista brilhantemente interpretada pela excelente atriz Royalty Hightower. Dirigido por Anna Rose Holmer, em seu segundo trabalho em longa metragem, o filme conquistou públicos de platéias famosas como a do prestigiado Festival de Sundance no ano passado.

Na trama, conhecemos a jovem Toni (Royalty Hightower), uma menina de 11 anos que passa os dias treinando boxe ao lado do irmão na academia do colégio onde estuda. Certo dia, começa a tomar gosto pelas aulas de dança onde meninas de sua idade praticam e assim Toni começa aos poucos a entrar no mundo delas tentando fazer novas amizades e descobrindo novos gostos. Quando uma situação inusitada de infecção se instala no grupo que pratica essas aulas de dança, Toni começa a se redescobrir e amadurecer rapidamente.

The Fits é um bom filme, mesmo tendo um ritmo deveras lento e quase sem grandes momentos. A força da história está na sua pequena grande personagem Toni, pelos olhos dela vamos conhecendo melhor todo um grupo de meninas que aos olhos dela são quase desconhecidas. É a descoberta de um universo novo, com diálogos e expressões diferentes da que ela mantinha com seu irmão e os amigos na prática do boxe. A chegada do sobrenatural, a infecção que aparece contaminando diversas meninas no grupo de dança, quase chega a ser algo paralelo aos conflitos que a protagonista enfrenta diariamente.


 Sem previsão de estreia nos cinemas brasileiros, The Fits é um daqueles filmes raros que abordam a entrada na adolescência de maneira impactante sempre guiada por sua brilhante protagonista. 

Crítica do filme: 'The Fits'

A vingança é uma espécie de justiça selvagem. Em seu primeiro trabalho como diretor de longa metragem, o ator espanhol Raúl Arévalo acerta em cheio em uma trama repleta de tensão e mistério cercando um protagonista impactante que nos faz não tirar os olhos da telona durante todos os 92 minutos de projeção. Tarde para la Ira (2016) possui um poderoso roteiro, assinado por David Pulido e também pelo diretor, e atuações marcantes. Pena que é um filme que passou desapercebido pelos premiações mundiais.

Na trama, conhecemos o pacato e misterioso José (interpretado pelo excelente ator Antonio de la Torre), um homem com um passado repleto de lacunas não preenchidas que fica muito próximo de um grupo de pessoas com quem convive quase que diariamente entre um jogo de cartas e outro. Certo dia, acaba se apaixonando pela bela Ana (Ruth Díaz) que tem um namorado de longa data chamado Curro (Luis Callejo) que foi preso por um roubo seguido de mortes a uma joalheria anos atrás. Quando Curro sai da prisão, José revela ser parente de duas vítimas do roubo a joalheria e inicia um plano sangrento de vingança.

O ponto que mais chama a atenção nesse ótimo filme é o roteiro. Dividido muito bem em arcos que levam o espectador à surpresa, as revelações são sendo feitas aos poucos e os personagens se camuflam em uma mescla de dor e emocionais conturbados. O que move o protagonista, nossos olhos do início ao fim dessa história, é a sede de vingança mas essa é revelada devagar deixando a personalidade de José ser escancarada aos nossos olhos. O longa possui surpresas e conseqüências para as ações de tirar o fôlego. É um filme muito forte onde a tensão caminha passo a passo com os personagens em cena.


As atuações são espetaculares. Cada defesa de personagem é feita com bastante maestria e guiada pelo ótimo diretor atrás das câmeras. Aos poucos vamos entendendo melhor a importância das subtramas para a chegada do grandioso clímax que o filme possui. Tarde para la Ira (2016), ainda sem tradução para o português, lembrando muito o tom usado no ótimo filme Pecados Antigos, Longas Sombras (estrelado por Raúl Arévalo) que fora lançado meses atrás no circuito brasileiro. Vamos torcer muito para que esse filme chega aos cinemas brasileiros, merece muito a conferida dos cinéfilos. Filmão!

Crítica do filme: 'Tarde para la Ira'



Se você não é capaz de ser feliz com sua família, dificilmente será feliz com você mesmo. Dirigido pelo ator John Krasinski, em sua segunda direção de um longa metragem, Família Hollar conta uma breve fase das vidas de membros de uma família repleta de problemas emocionais. O roteiro, assinado por Jim Strouse, não consegue alcançar em grande profundidade a natureza das ações dos personagens tornando o filme um grande sonífero com apenas sendo um Oasis a grande atuação da atriz Margo Martindale.

Na trama, conhecemos John (John Krasinski), um homem de meia idade que mora na cidade grande que vive uma fase de desilusão profissional e incertezas em seu relacionamento com a namorada grávida Rebecca (Anna Kendrick). Certo dia, sua namorada recebe uma ligação dizendo que a mãe de John teve uma convulsão e imediatamente o protagonista embarca para a cidade do interior onde viveu grande parte da vida e terá que enfrentar seu passado ao lado do complexo irmão Ron (Sharlto Copley), do chorão e falido pai Don (Richard Jenkins) e viver os últimos momentos ao lado de seu carinhosa mãe Sally (Margo Martindale). 

A complexidade da família não é contada de maneira profunda e várias pontas ficam soltas na personalidade confusa de muitos personagens. Sem um pingo de carisma na maioria dos personagens, Família Hollar sofre por não conseguir mostrar a força que a história poderia ter. Todo muito na trama tenta combater uma espécie de depressão coletiva, um por causa da não aceitação do término do casamento, outro por não aceitar as dificuldades financeiras existentes, outro por ter incertezas sobre o futuro e sobre se realmente fez as escolhas certas na vida. A mãezona é o personagem que estabiliza as relações, as interseções vão se compondo aos poucos, assim conhecemos novamente o talento da atriz Margo Martindale que praticamente salva o filme de um desastre total.

É difícil saber se o filme irá estrear no Brasil, talvez vá direto para as locadoras. John Krasinski não consegue chegar ao ponto certo com seu irregular filme. Histórias como essa, ou situações dramáticas com o emocional de uma família, já vimos aos montes no mundo do cinema. Essa é só mais uma história que fala sobre família, nada mais.

Crítica do filme: 'Família Hollar'



O futuro pertence àqueles que acreditam na beleza de seus sonhos. Filme de abertura do último Festival de Veneza ano passado, La La Land - Cantando Estações é um daqueles filmes que dificilmente sairão de nossa memória.  Falando sobre a magia de Hollywood, o impactante som do Jazz e principalmente sobre as inúmeras tentativas do ser humano em alcançar os seus sonhos mais lindos, o longa metragem, que deve ser o grande vencedor do próximo Oscar, é uma aula em como fazer o público se divertir através do olhar de protagonistas (interpretados magistralmente por Ryan Gosling e Emma Stone) que louvam o amor. O jovem cineasta Damien Chazelle (do impressionante Whiplash) mais uma vez brinda os cinéfilos com uma pequena obra prima.

Na trama, ambientada em Los Angeles, conhecemos o pianista Sebastian (Ryan Gosling), um amante do Jazz que vive buscando seu espaço em meio a mudanças constantes que a vida coloca em seu caminho. Rabugento e completamente sozinho, de maneira inusitada, acaba conhecendo a sonhadora Mia (Emma Stone), uma jovem que partiu para Los Angeles para buscar a difícil carreira de atriz mas que hoje trabalha em uma espécie de Starbucks dentro de um famoso Estúdio de gravações de filmes. Logo o amor entre os pombinhos acontece e, entre as estações do ano, precisarão compreender como é viver a vida a dois e o tamanho que o sonho de cada um tem na vida do outro.

Cidade de estrelas, você está brilhando só para mim? Em pouco mais de duas horas de projeção – que desejamos que nunca acabe – o roteiro, também assinado por Chazelle, navega na busca pelo sonho tendo um inesquecível amor que nasce de plano de fundo. Todas as fases do relacionamento entre os protagonista é decifrada de maneira nua e crua, real. Sentimos toda a dor e sofrimento, que são aliviadas, talvez, pela atmosfera musical que o filme se completa. O amor de dois sonhadores pode nem sempre terminar em um final feliz mas outras possibilidades existem e a grande cereja do bolo maravilhoso de Damien Chazelle é exatamente apresentar para nós meros cinéfilos um leque de possibilidades para esse desfecho numa sequência final que deixa a todos nós praticamente sem conseguir respirar e onde a emoção transborda até mesmo nos corações mais durões.

É este o início de algo maravilhoso e novo? Ou mais um sonho? O filme também presenteia o público com uma singela homenagem aos musicais e a uma Hollywood e sua magia que sempre fizeram parte do imaginário de todos que amam a sétima arte. A poesia do filme e todos os sentimentos expostos pelos brilhantes personagens é algo mágico, um sentimento que somente o cinema pode proporcionar, toca bem profundo em nossas emoções. A trilha sonora é digna de prêmios e adicionamento em nossas playlists para uma eternidade. As atuações são magistrais, Gosling e Stone cantam, dançam e emocionam em interpretações históricas, marcantes. 

La La Land - Cantando Estações estreia nos cinemas brasileiros na próxima semana e sem dúvidas será um grande sucesso de público. Amor, Jazz, charme, Hollywood, sonhos, escolhas. Louvando Hollywood, o filme mostra que a realidade nem sempre é como nos filmes. Esse projeto é um Oasis em nossos corações sofridos, uma chance de encararmos a realidade com muito mais leveza.

Crítica do filme: 'La La Land - Cantando Estações'