Rio Fantastik Festival 2017

2ª edição do Rio Fantastik Festival – Festival de Cinema Fantástico do Rio de Janeiro.
De 30 de outubro a 5 de Novembro no Cine Joia (com votação do público)
De 2 de Novembro a 8 de Novembro no Estação Net Rio

Festival realizado e organizado pelo Cine Joia e Estação Net Rio.

Curadoria feita por Carlos Primati, Raphael Camacho e Raphael Aguinaga.

O Rio Fantastik Festival 2017 exibirá 6 longas e 6 curtas em competição pelo troféu Cramulhão (melhor longa e diretor / melhor curta e diretor, com votação do júri oficial e o voto popular). E também fará homenagens ao cineasta José Mojica Marins e ao ator William Shatner. Tem sessão de filme inédito com versão proibida em 74 países e Mystic Seer, máquina de adivinhação usada no episódio “Na hora H” do seriado “Além da imaginação, que estará disponível para o público fazer perguntas sobre o futuro na sessão do dia 30/10 (segunda-feira).  

A homenagem ao cineasta José Mojica Marins acontece no domingo (5/11) no Cine Joia: Mojica recebe o troféu Cramulhão pelo conjunto da obra (transmissão será feita de São Paulo). Serão apresentados dois curtas inéditos com o Mojica. No mesmo domingo também tem a premiação. Também foi programado o filme “Encarnação do Demônio”, do Mojica, para ser exibido ao longo do festival.

Coffin Joe's heart of darkness (Coração das trevas), de José Mojica Marins, Marcelo Colaiacovo e Nilson Primitivo (Brasil, 2017). Com José Mojica Marins.
Terror. Sinopse: Colagem experimental com filmagens novas, realizadas em 2010, combinadas com material inédito de Zé do Caixão rodado em 35mm em meados dos anos noventa e só revelado recentemente. O curta é uma expansão de "Coffin Joe born again" (2015) e fez sua première mundial no Death By Festival, em 28/10/2017, em Austin, no Texas (EUA). 23 minutos. 18 anos.


Sinistro legado, de Liz Marins (Brasil, 2017). Com José Mojica Marins, Liz Marins, Rubens Mello, Raphael Borghi.
Terror. Sinopse: A atriz e diretora Liz Marins planeja com seu pai, o cineasta José Mojica Marins, o prosseguimento das filmagens de seu longa-metragem com a personagem Liz Vamp, a vampira filha de Zé do Caixão, quando um dos personagens quebra a quarta parede imaginária e vem pedir ajuda ao intérprete e criador do maior ícone do terror brasileiro. 8 minutos. 14 anos.

Homenagem a William Shatner: Serão exibidos 4 longas de terror e 2 episódios do seriado “Além da Imaginação” para homenagear a contribuição de William Shatner ao cinema fantástico. Ele enviou um vídeo agradecendo. Na sessão dos episódios da série “Além da imaginação”, o Mystic Seer, máquina de adivinhação usada no episódio “Na hora H”, estará disponível para o público fazer perguntas sobre o futuro.  


Sessão Midnight Classics: Essa sessão presta homenagem aos filmes cults fantásticos em versões inéditas ou remasterizadas. O filme dessa edição será Gutterballs, do canadense Ryan Nicholson e que será exibida a versão Director’s Rape Version. Essa versão nunca foi lançada nos EUA, e foi recentemente exibida na Europa. Conta com cenas extras de extrema violência e o longa chegou a ser proibido em 74 países.

Rio Fantastik Festival 2017 – Programação Cine Joia (Com votação do público)

30/10
19h30 Enfim Sós (9 min) + Pedaços (2 min) / O Animal Cordial (96 min)
21h30 Sessão William Shatner: seriado “Além da Imaginação”, 2 episódios: Na Hora H (25 min) e Pesadelo nas Alturas (25 min)

31/10
19h15 Curta Peleja no Sertão (15 min) / O Despertar de Lilith (80 min)
21h Sessão José Mojica Marins: Encarnação do Demônio (94 min)

1/11
19h15 A Mesa no Deserto (15 min) / Motorrad (92 min)
21h15 Sessão William Shatner: A Maldição das Aranhas (97 min)

2/11
19h15 Ne Pas Projeter (13 min) / O Nó do Diabo (125 min)
21h40 Sessão Midnight Classics: Gutterballs (96 min)

3/11
19h15 Sol (14 min) / Terra e Luz (73 min)
21h Sessão William Shatner: Incubus (78 min)

4/11
19h15 Lunatique (15 min) / Lamparina da Aurora (75 min)
21h Sessão William Shatner: A Chuva do Diabo (86 min)

5/11
19h15 Sinistro Legado (8 min) / Coffin Joe's Heart of Darkness (Coração das Trevas) (23 min) Homenagens a José Mojica Marins e Premiação
21h Sessão William Shatner: Horário de Visitas (105 min)

Rio Fantastik Festival 2017 – Programação Estação NET Rio 2 ou Estação NET Botafogo 3

02/11 (Quinta)
21h30 - Lunatique (15 min) / Lamparina da Aurora (75 min)

03/11 (Sexta)
21h30 - Enfim Sós (9 min) + Pedaços (2 min) / Animal Cordial (96 min)

04/11 (Sábado)
21h30 - A Mesa no Deserto (15 min) / Motorrad (92 min)

05/11 (Domingo)
21h30 - Peleja no Sertão (15 min) / O Despertar de Lilith (80 min)

06/11 (Segunda)
21h30 - Ne Pas Projeter (13 min) / O Nó do Diabo (125 min)

07/11 (Terça)
21h30 - Sol (14 min) / Terra e Luz (73 min)

08/11 (Quarta)
21h30 - Sessão José Mojica Marins: curtas Coffin Joe's heart of darkness e Sinistro legado / Encarnação do Demônio (94 min)


Ficha Técnica – Longas em Competição

Lamparina da aurora, de Frederico Machado (Brasil, 2017). Com Antonio Saboia, Buda Lira, Vera Leite.
Terror. Sinopse: Um casal de idosos vive em uma fazenda abandonada. Toda noite, eles recebem a visita de um jovem que vem se juntar a eles. O passado vem à tona quando as memórias do casal parecem emergir de sonhos e pesadelos. 75 minutos. 16 anos.

Motorrad, de Vicente Amorim (Brasil, 2017). Com Guilherme Prates, Carla Salle, Emilio Dantas, Pablo Sanábio, Juliana Lohmann, Rodrigo Vidigal, Alex Nader, Jayme Del Cueto.
Terror. Sinopse: O jovem Hugo está determinado a ser parte da turma de motocross do irmão mais velho. Ele rouba peças para sua moto e alcança o grupo numa cachoeira remota. Cheios de adrenalina, eles sobem a serra por uma trilha que é cortada, de repente, por um antigo muro. Hugo se dá conta que eles podem desmontar o muro, pedra por pedra, e abre uma passagem que os leva a um encontro inesperado com a dona do ferro-velho de onde Hugo roubou as peças. Ela os convida para fazer uma trilha ainda mais eletrizante. Nessa trilha, a diversão fica para trás e eles passam a ser caçados por um grupo de motoqueiros sádicos e sobrenaturais. 92 minutos. 16 anos.

O animal cordial, de Gabriela Amaral Almeida (Brasil, 2017). Com Murilo Benício, Luciana Paes, Ernani Moraes, Jiddu Pinheiro, Camila Morgado, Irandhir Santos, Humberto Carrão, Ariclenes Barroso, Thais Aguiar, Eduardo Gomes, Diego Avelino.
Terror. Sinopse: Um restaurante de classe média em São Paulo é invadido, no fim do expediente, por dois ladrões armados. O dono do estabelecimento, o cozinheiro, uma garçonete e três clientes são rendidos.  Entre a cruz e a espada, Inácio - o homem pacato, o chefe amistoso e cordial – precisa agir para defender seu restaurante e seus clientes dos assaltantes. 98 minutos. 16 anos.

O despertar de Lilith (Lilith’s awakening), de Monica Demes (Brasil/ EUA, 2016). Com Barbara Eugenia, Sophia Woodward, Mathew Lloyd Wilcox, Steve Kennevan, Sam Garles.
Terror. Sinopse: Segundo a tradição judaica cabalistica, Lilith foi a primeira esposa de Adão, expulsa do Paraíso e condenada por Deus para ser o primeiro demônio da humanidade, a encarnação do mal na Terra. Este mito arcaico também fala de Lilith como detentora de uma beleza superior, carregada de erotismo e mistério, que se alimenta de sangue. Monica Demes incorpora esse mito na história de Lucy, uma jovem sexualmente reprimida que vê sua rotina se agitar quando passa a sonhar com uma figura feminina misteriosa que a assombra. 81 minutos. 16 anos.

O nó do diabo, de Ramon Porto Mota, Gabriel Martins, Ian Abé. Jhésus Tribuzi (Brasil, 2017). Com Fernando Teixeira, Isabél Zuaa, Cíntia Lima, Edilson Silva, Tavinho Teixeira, Clebia Sousa, Alexandre Sena, Miuly Felipe da Silva, Yurie Felipe da Silva, Zezé Motta, Everaldo Pontes.
Terror. Sinopse: Cinco contos de horror. Uma fazenda tomada por horrores há mais de duzentos anos. Cinco encontros com a morte. Um nó que não se desata. 128 minutos. 16 anos.

Terra e luz, de Renné França (Brasil, 2017). Com Pedro Otto, Maya dos Anjos, Marcelo Jungmann, Rafael Freire.
Horror. Sinopse: Em um futuro próximo, o ser humano foi praticamente dizimado por criaturas que se assemelham a vampiros. Neste mundo em que a noite é mortal, um homem tenta sobreviver a qualquer custo, ao mesmo tempo em que tem a chance de recuperar sua própria humanidade. 74 minutos. 14 anos.


Ficha Técnica – Curtas em Competição

A mesa no deserto, de Diego Scarparo (Brasil, 2017). Com Edson Ferreira, Rejane Arruda, Lílian Casotti, Margareth Galvão, Markus Konká, Luiz Carlos Cardoso.
Ficção Científica. Sinopse: No futuro, o mundo foi destruído por uma grande guerra e se tornou um imenso deserto radiativo; E o que restou da humanidade é o que temos hoje: ódio. Num mundo de alta tecnologia e pouca esperança de vida, o saqueador "Sargento", num roubo malsucedido, passa a noite que mudará sua vida para sempre. 15 minutos. 16 anos.

Enfim sós, de Helvecio Parente (Brasil, 2017). Com Fernando Caruso, Roberta Brisson, Mariana Cabral, Mario Braga, João de Carvalho, Luis Claudio Anisio, Ana Ventura Kuhnert, Danny Valle, Marcelo Santana.
Ficção científica. Sinopse: Casal em lua de mel entra num hotel, mas a mulher misteriosamente desaparece. 9 minutos. 14 anos.

Lunatique, de Gabriel Kalim Mucci (Brasil, 2016). Com Lila Guimarães, Rony Koren, Paulo Geraissate, Diogo Magal.
Ficção Científica Sinopse: “Lunatique” é um curta metragem de ficção científica sobre uma mulher solitária que luta diariamente por sua sobrevivência num mundo pós apocalíptico. 15 minutos. 14 anos.

Ne pas projeter, de Cristian Verardi (Brasil, 2015). Com Lisandro Bellotto, Aida Ferrás, Paulo Casa Nova, Aline Dotto, Yasmine Festugato.
Terror. Sinopse: Um projecionista de cinema tem sua rotina afetada de forma drástica, após encontrar uma misteriosa lata de película contendo as advertências: Não abrir. Não projetar. 13 minutos. 16 anos.

Pedaços, de Gabriel Alves (Brasil, 2016).
Animação. Sinopse: Um sentimento muito intenso tem suas consequências. 2 minutos. 14 anos.

Peleja no sertão, de Fabio Miranda (Brasil, 2016). Com as vozes de Alfredo Martins, Hemetério III, Nathalia Catarina Forte, Miguel Rosenberg, Hemetério II, Fabio Miranda.
Animação. Sinopse: Um grupo de sertanejos viaja em seu pau de arara. Um acidente os força a irem caminhando. No caminho eles se deparam com uma criatura assassina e são perseguidos por ela. 15 min. 14 anos.

Sol, de Carlos G. Gananian (Brasil, 2016). Com Thaia Perez, Plinio Soares, Lui Seixas, Giulio Lopes, Ivan Giaquinto, Alvise Camozzi.
Terror. Sinopse: Sol espera por um milagre. Espera que seu marido possa ser salvo. Nesse momento de angústia, uma voz familiar a atormenta. Martelando na sua cabeça, não lhe deixa em paz. Quer sangue... e sua alma. 14 minutos. 16 anos.

Sessão José Mojica Marins

Sinistro legado, de Liz Marins (Brasil, 2017). Com José Mojica Marins, Liz Marins, Rubens Mello, Raphael Borghi.
Terror. Sinopse: A atriz e diretora Liz Marins planeja com seu pai, o cineasta José Mojica Marins, o prosseguimento das filmagens de seu longa-metragem com a personagem Liz Vamp, a vampira filha de Zé do Caixão, quando um dos personagens quebra a quarta parede imaginária e vem pedir ajuda ao intérprete e criador do maior ícone do terror brasileiro. 8 minutos. 14 anos.

Coffin Joe's heart of darkness (Coração das trevas), de José Mojica Marins, Marcelo Colaiacovo e Nilson Primitivo (Brasil, 2017). Com José Mojica Marins.
Terror. Sinopse: Colagem experimental com filmagens novas, realizadas em 2010, combinadas com material inédito de Zé do Caixão rodado em 35mm em meados dos anos noventa e só revelado recentemente. O curta é uma expansão de "Coffin Joe born again" (2015) e fez sua première mundial no Death By Festival, em 28/10/2017, em Austin, no Texas (EUA). 23 minutos. 18 anos.

Encarnação do demônio, de José Mojica Marins (Brasil, 2008). Com José Mojica Marins, Milhem Cortaz, Cléo de Páris, Giulio Lopes, José Celso Martinez Correa, Jece Valadão, Adriano Stuart, Cristina Aché, Helena Ignez, Débora Muniz, Geanine Marques.
Terror. Sinopse: Josefel Zanatas, o Zé do Caixão, viveu dez anos em um manicômio. A contragosto e temor de todos, é finalmente solto. Mais cruel do que nunca, está decidido a encontrar a mulher certa para gerar seu herdeiro ideal. 94 minutos. 18 anos.

Sessão William Shatner

Além da Imaginação, 2 episódios:

Na hora H (Nick of time), de Richard L. Bare (EUA, 1960). Com William Shatner, Patricia Breslin, Guy Wilkerson. Terror. Sinopse: Um casal recém-casado resolve parar em uma pequena cidade e ficam presos por causa de sua própria superstição ao jogar numa máquina de adivinhação em um restaurante local. 25 minutos. 14 anos.

Pesadelo nas alturas (Nightmare at 20,000 feet), de Richard Donner (EUA, 1963). Com William Shatner, Christine White, Ed Kemmer. Terror. Sinopse: Um homem, recém-recuperado de um colapso nervoso, está convencido de que um monstro está danificando o avião em que ele está voando. 25 minutos. 14 anos.

Incubus, de Leslie Stevens (EUA, 1966). Com William Shatner, Allyson Ames, Eloise Hardt, Milos Milos.
Terror. Sinopse: Kia (Allyson Ames) é um súcubo, demônio que atrai homens pecaminosos e com inclinações libertinas objetivando sua perdição final. Ela não se sente estimulada já que essas almas vão para o inferno de qualquer maneira. A procura de um desafio a altura de seu poder e contra o conselho de sua irmã (Eloise Hardt), Kia encontra Marc (William Shatner), um homem bom que já enfrentou a morte com coragem. Depois de uma noite juntos, Kia descobre que a bondade de Marc ainda está intacta, e pior, ela ficou devastada pelo amor. Na raiva, ela e a irmã evocam um Incubus (Milos Milos) para lidar com Marc, que agora precisa enfrentar as forças do mal. 78 minutos. 16 anos. 

A chuva do diabo (The devil’s rain), de Robert Fuest (EUA, 1975) Com Ernest Borgnine, Eddie Albert, Ida Lupino, William Shatner, Tom Skerritt
Terror. Sinopse: Em uma pequena cidade do Arizona, no meio da paisagem rural, vive um grupo de satanistas que possuem uma estranha bola de cristal que captura a alma das vítimas que foram mortas em sacrifício. Liderados por Corbis (Ernest Borgnine), esse diabólico grupo está atrás do "Livro dos Nomes", que foi roubado, e que contém a identidade de todas as vítimas. Culpado pelo roubo do tal livro é Tom Preston (Tom Skerritt), que acaba por ter sua família assassinada por causa do delito, mas ele não deixa barato e arma uma vingança para destruir os satanistas. 14 anos. 86 min

A maldição das aranhas (Kingdom of the spiders), de John ‘Bud’ Carlos (EUA, 1977). Com William Shatner, Tiffany Bolling, Woody Strode.
Terror. Sinopse: Ao investigar as misteriosas mortes de uma série de animais de uma fazenda, o veterinário Rack Hansen descobre que sua cidade encontra-se no caminho de hordas de tarântulas migratórias. Antes que ele possa agir, as ruas são invadidas por aranhas assassinas, aprisionando um pequeno grupo de pessoas da cidade em um hotel. 97 minutos. 14 anos.

Horário de visitas (Visiting hours). De Jean-Claude Lord (EUA, 1982). Com Michael Ironside, Lee Grant, Linda Purl, William Shatner.
Terror. Sinopse: Um assassino perturbado e misógino assalta uma jornalista. Quando ele descobre que ela sobreviveu ao ataque, ele a segue ao hospital para acabar com ela. 105 minutos. 14 anos.

Sessão Midnight Classics

Gutterballs Director’s Rape Version, de  (Canada, 2008). Com Alastair Gamble, Mihola Terzic, Nathan Witte, Wade Gibb, Nathan Dashwood, Scott Alonzo.
Terror. Sinopse: Um tradicional boliche se torna um banho de sangue quando um assasino mascarado vai matando todos os participantes com uma brutal eficiência. 96 minutos. 18 anos.

2ª edição do Rio Fantastik Festival – Festival de Cinema Fantástico do Rio de Janeiro

Um dos gênios do cinema, aclamado em todo mundo. É difícil definir Steven Spielberg com outras palavras. Dono de direções que cortaram rupturas em diversas eras do cinema, esse perfeccionista norte americano tem alguns de seus segredos revelados e sua intimidade aberta nesse belo documentário da cinegrafista e cineasta Susan Lacy. Buscando decifrar a mente de Spielberg, ao longo de cerca de duas horas de projeção, esse belo trabalho relata na visão dele e de muitos ao seu redor, detalhes de toda sua trajetória para se tornar um dos diretores de cinema mais conhecidos em todo o mundo. Desde de seu início muito jovem dirigindo grandes nomes do cinema daqueles tempos, até as inovações digitais junto com uma criatividade absurda em criar atmosferas perfeitas para suas obras, vamos aos poucos entendendo melhor o grande Steven Spielberg.

O mais interessante, e aí onde os fãs do diretor vão de deliciar, é que ao longo do documentário, quase feito em atos, filme por filme, entendemos melhor o processo de criação de cada uma de suas obras e também os contextos pessoais ou políticos que as mesmas aconteceram. Para contar parte da trajetória, amigos de Spielberg, como Brian de Palma, Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Geroge Lucas, e muitos outros se reúne em séries de depoimentos surpreendentes sobre a visão deles a cada processo de criação do emblemático diretor.

Sua vida pessoal também ganha luz nas lentes de Lacy. O relacionamento conturbado com seu pai, as idas e vindas dos problemas pessoais que de certa forma atrapalharam alguns dos projetos de Spielberg. Os depoimentos sobre como foi filmar A Lista de Schindler são os mais comoventes, e, de certa forma, foram uma homenagem a relação de pai e filho. Seus casamentos também são passados a limpo e todo o processo de renascimento da genialidade do diretor que fez o mundo se encantar com muitas de suas obras.


Esse projeto, produzido pela grande HBO, é um filme que todo cinéfilo deve assistir. Mesmo gostando pouco ou aclamando, não pode-se negar o fato de que Steven Spielberg é um dos nomes mais importantes da indústria da sétima arte mundial.

Crítica do filme: 'Spielberg'

A mãe compreende até o que os filhos não dizem. Chega do Japão um dos filmes mais sensíveis e emocionantes da temporada, uma mescla de comédia delicada com drama intenso que entra em nossos corações como uma flecha recheada de sentimentos bons. Her Love Boils Bathwater, ou no original, Yu wo wakasuhodo no atsui ai, é o indicado ao Oscar do Japão para a próxima cerimônia do Oscar e possui boas chances de conseguir uma vaguinha na lista final. Escrito e dirigido pelo cineasta Ryôta Nakano o filme apresenta a jornada de uma inesquecível personagem em busca do preenchimento de lacunas esquecidas em seu passado depois que descobre uma terrível doença. A sensibilidade que o filme preenche suas emoções é algo raro e transforma esse trabalho em um dos mais bonitos desses últimos meses.

Na trama, conhecemos a super querida Futaba (Rie Miyazawa, em uma atuação absolutamente fantástica) que mora sozinha com sua filha Azumi em uma casa humilde no delicioso Japão. Certo dia, Futaba descobre que tem uma doença terminal e quase paralelamente descobre onde seu ex-marido, que a abandonara, está morando. Vendo que precisa ter o ex-marido por perto, deixa ele voltar para a sua vida, sendo que o mesmo traz junto uma outra criança fruto de um caso que ele teve. Assim, os quatro embarcarão em uma jornada repleta de segredos para ajudar Futuba a realizar seus últimos desejos em vida.

O roteiro possui uma sensibilidade gigante. O primeiro arco, meio morno, na verdade é a construção inicial com inserções de detalhes que serão descobertos apenas com o passar do pouco mais de duas horas de projeção. Após a descoberta da terrível doença, Futaba começa a abrir seus segredos mais escondidos e o filme ganha contornos emocionantes (preparem desde já os lenços). Impressiona a qualidade dessa história que além de emocionar, tem um poder de surpreender o espectador.


O papel da mãe é algo abordado no filme nas óticas dos coadjuvantes em relação a protagonista. Mãe de muitos, mesmo sendo de poucos, Futaba é o reflexo de todo o amor que pode ter uma família quando tem uma figura carinhosa, forte, corajosa, para combater e proteger todos ao seu redor. A relação que a personagem principal tem com todos que a preenchem com amor é algo grandioso, sublime. Transborda na tela as razões de todo seu amor e o público se sente próximo a personagem em todo momento. A inesquecível atuação de Rie Miyazawa ajuda a deixar essa personagem na prateleira do imaginário cinéfilo como sendo um dos mais belos do cinema oriental contemporâneo.

Crítica do filme: 'Her Love Boils Bathwater'

Repetindo a parceria do redundante No Limite do Amanhã, o astro Tom Cruise e o diretor Doug Liman (Na Mira do Atirador) chegaram aos cinemas poucas semanas atrás com Feito na América, filme repleto de ação que mostra uma operação ilegal que vai dos anos 70 ao 80, envolvendo decisões de alguns presidentes norte americanos, Pablo Escobar e agentes de grandes agências americanas. O roteiro navega na ótica e narrativa do protagonista, que realmente existiu, de maneira profunda em um grande esquema ilegal, ligados a guerra e drogas, além de explorar com bastante detalhes a rotina familiar do personagem principal mas não consegue a fuga de determinados clichês e um esteriótipo de bom moço que Cruise usa ao longo de sua carreira e em muitos filmes.

Na trama, acompanhamos a trajetória do experiente piloto norte americano Barry Seal (Tom Cruise), pai de família e casado com Lucy (Sarah Wright) que vendo oportunidades onde ninguém viu, vira contrabandista de armas para a tão temida CIA e ao mesmo tempo que faz trabalhos de logística e entregas para o alto escalão do cartel de Medellín (Escobar e companhia). Ao longo de quase duas décadas, acompanhamos Seal e seu negócio extremamente rentável, consequentemente perigoso.

Livremente baseado em fatos reais, a história de Barry Seal já foi retratada no projeto feito para televisão A Vida Por um Fio – Entre a Lei e o Crime no início da década de 90, o filme joga aberto com o público detalhes políticos que vão de Ronald Reagan até George Bush, alto comando das principais agências de proteção Norte americana, principalmente em relação a problemática confusa e de guerra envolvendo alguns países da América Central. Um das figuras emblemáticas nessas confusões políticas que o protagonista se mete é Schafer (Domhnall Gleeson) que trabalha na CIA e camufla vários movimentos de Seal, ajudando-o em muitos momentos a ir pra frente com seus planos mirabolantes quando ligado aos interesses de sua agência.

Longe de ser um dos melhores filmes do ano, Feito na América cumpre parte de seu papel de maneira eficiente e até certo ponto bem explicativa. Se conseguires fugir de algumas caras e bocas de Cruise, vista em quase todos seus trabalhos hollywoodianos, deve agradar aos que gostam de filmes políticos misturados com boas doses de cenas de ação.


Crítica do filme: 'Feito na América'

A coragem é a primeira das qualidades humanas porque garante todas as outras. Representante da Suíça na disputa do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro, em 2018, Mulheres Divinas é, antes de mais nada, um grito de independência feminino em uma época repleta de limitações. Escrito e dirigido pela cineasta suíça Petra Biondina Volpe o filme aborda a luta pelos direitos iguais entre homens e mulheres de maneira inteligente e esclarecedora.

Na trama, ambientada na Suíça, no início da década de 70,  conhecemos Nora (Marie Leuenberger), uma mulher de meia idade que morou durante toda sua vida em um pequeno vilarejo com poucas atividades culturais ou sociais. Quando começa a não concordar com limitações impostas as mulheres durante décadas, e ,assim, vira a líder de um movimento importante pelo direito de voto das mulheres nas eleições. Mas o caminho não será fácil, nem para ela, nem para seu marido Hans (Maximilian Simonischek).

Os arcos iniciais são detalhistas ao apresentar a rotina da personagem principal. Seu relacionamento conturbado com o sogro, sua defesa em torno da situação da filha de uma parente, os primeiros passos rumo a amizade com outras mulheres que pensavam da mesma maneira que ela e assim instigaram em Nora uma chance de lutar por tudo aquilo que ela (e muitos que nunca se manifestavam) sonhavam.

O papel da mulher na sociedade é discutido de várias formas nesse belo projeto. A construção da protagonista chega pelo estopim, de uma luz que se acende, quando percebe que não consegue fugir daquela rotina imposta por práticas e costumes machistas em um pequeno vilareja com clima frio no alto da Suíça. Os sonhos que ficam longe de serem realizados, ou o simples fato de querer trabalhar na cidade em uma nova profissão também ajudam a moldar as atitudes corajosas e de grande brilho de Nora (Marie Leuenberger).

Vencedor do prêmio de Melhor Atriz, para Marie Leuenberger, e do prêmio de Melhor Filme, para o público, no Festival de Tribeca 2017, Mulheres Divinas é um belo retrato sobre um certo início da luta feminina para ter seus direitos justos e iguais, luta que dura até hoje em um mundo ainda machista.



Crítica do filme: 'Mulheres Divinas'

Mostra chega a sua quarta edição e destaca presença feminina na direção, roteiro e como protagonistas do cinema norte europeu.
Serão exibidos cinco filmes dinamarqueses e “Sumé” o primeiro longa-metragem produzido na Groelândia.

O Instituto Cultural da Dinamarca em parceria com o Cine Joia do Rio de Janeiro apresenta de 19 de outubro a 1 de novembro a 4o mostra Jóias do Cinema Dinamarquês com a exibição de cinco filmes de diretores do país nórdico e um da Groelândia. Com curadoria da equipe de programação do Cine Joia, a seleção oferece oportunidade para se assistir filmes que tiveram poucas ou nenhuma exibição nacional e de conhecer um pouco mais sobre os costumes, aspectos sociais, políticos, lugares emblemáticos e tradições das pessoas que vivem no país nórdico.

No total, serão dois documentários e quatro ficções e nessa quarta edição tem três filmes com mulheres na direção e também como protagonistas. Entre os destaques da programação o filme de abertura Sumé foi o primeiro documentário de longa- metragem realizado na Groelândia e relata a história da primeira banda de rock a gravar um filme em groelandês e com forte impacto político.


SOBRE O CINEMA DINAMARQUÊS


O Cinema dinamarquês é um dos mais antigos do mundo e se destaca por sua vanguarda. O diretor Carl Theodor Dreyer é um ícone do cinema clássico nórdico internacional e entre outra geração as produções do movimento Dogma 95, que lançaram diretores como Lars Von Trier e Thomas Vinterberg. Ainda mais recentemente seus filmes são frequentemente selecionados, inclusive para o Oscar na categoria “filme estrangeiro”, e premiados em grandes festivais pelo mundo.

CINEKLAP

Devido ao grande destaque internacional que o cinema da Dinamarca vem obtendo nos últimos anos o Instituto Cultural da Dinamarca, no Rio de Janeiro, criou o CineKlap.O Cine Klap foi criado com o objetivo de divulgar o cinema dinamarquês e promover mostras, palestras e workshops que possibilitem um intercâmbio cultural entre os dois países.

DEPOIMENTOS

‘’É muito importante para o Instituto Cultural e para a Dinamarca, que tenha uma mostra de cinema como esta. Acredito que projetos aonde o público encontra a arte de outro país com curadoria brasileira é um verdadeiro intercâmbio cultural”, ressalta Maibrit Thonsen diretora da instituição.

“A busca por sua essência ajudou a tornar o cinema produzido na Dinamarca um dos mais respeitados e impactantes do mundo, premiado em festivais e com presença constante no Oscar – só nos últimos cinco anos, foram três indicações à estatueta de melhor filme estrangeiro. Observa Raphael Aguinaga do Cine Joia.



FILMES:


LONG STORY SHORT (2015)
Diretor: May el-Toukhy
Gêneros: Comédia / Drama / Romance Duração: 1h30
Classificação 16 anos
Sinopse - Durante três anos e vários eventos específicos, como a comemoração do Ano Novo, um casamento, uma festa surpresa e uma grande comemoração de aniversário, um grupo de grandes amigas precisa descobrir, em conjunto, como superar as dificuldades e complicações de suas vidas amorosas enquanto esperam por uma romântica redenção no amor.
Datas: Dia 19 às 15h | Dia 21 às 15h15 | Dia 23 às 16h30 | Dia 24 às 19h | Dia 26 às 15h30 | Dia 28 às 15h30 | Dia 30 às 16h | Dia 31 às 18h




SUMÉ– O SOM DE UMA REVOLUÇÃO (2014) Diretor: Inuk Silis Høegh
Género: Documentário
Duração: 76 min
Classificação: 16 anos
Sinopse - Este é o primeiro documentário em longa-metragem produzido na Groenlândia. O filme conta a história da primeira banda de rock a gravar em groenlandês. Entre 1973 e 1976, a banda Sumé lançou três álbuns com letras políticas que mexeram com os corações e mentes de toda uma geração e mudaram para sempre a história de seu país ao introduzir palavras como “revolução” e “opressão” no seu idioma, em canções de protesto contra a colonização dinamarquesa.
Datas:Dia19às17h| Dia23às20h30| Dia25às19h|Dia28às13h30|Dia30 às 18h | Dia 1 às 16h



MAN FALLING (2015) Diretor: Anne Regitze Wivel Género: Documentário Duração: 107 min Classificação: 16 anos
Sinopse - Após um trágico acidente, o artista Per Kirkeby perde a capacidade de ver cores e ele não consegue mais reconhecer sua esposa. A perde da visão colorida o impede de trabalhar com arte, ele não está mais capacitado a produzir suas telas. Isso abala completamente o universo de Per Kirkeby. O filme é sobre uma profunda melancolia, mas com uma beleza surpreendente. A história de um homem lutando para superar seus obstáculos e voltar para sua vida e seu trabalho.
Datas: Dia 21 às 13h15 | Dia 23 às 18h30 | Dia 24 às 15h | Dia 30 às 14h



GOING TO SCHOOL (2015) Diretor: Frederik Meldal Norgaard Gênero: Comédia
Duração: 85 min
Classificação: Livre
Sinopse - O filme segue a vida de Villads de 6 anos na escola e em casa. Villads constantemente se depara com problemas porque a maioria das vezes as regras do jogo de Villads estão em conflito com as regras dos adultos.
Datas:Dia20às17h| Dia26às13h30|Dia31às16h



LITTLE SOLDIER (2008) Diretor: Anette K. Olesen Género: Drama
Duração: 102 min
Classificação: 16 anos
Láureas: Prêmio Ecumênico do Júri Independente do Festival de Berlim 2009 e “Melhor Filme” e “Melhor atriz” no Festival Valladolid na Espanha em 2009.
Sinopse - Após abandonar o exército, a soldado Lotte volta para sua cidade na Dinamarca e se entrega à bebida. Sem conseguir emprego, aceita a oferta de seu pai de trabalhar como motorista para uma das prostitutas que ele agencia, Lilly, que é também sua amante. Embora, a princípio, desconfiadas uma em relação à outra, as duas mulheres embarcam numa estranha rotina e logo passam a se conhecer melhor.
Datas: Dia 20 às 15h | Dia 22 às 15h15 | Dia 23 às 14h30 | Dia 25 às 15h | Dia 27 às 15h30 | Dia 29 às 13h30 | Dia 31 às 14h | Dia 1 às 18h



DESIGNS FOR LIFE (2015)
Diretor: Casper Høyberg, Malene Vilstrup, Thomas Mogensen Género: Documentário
Duração: 60 min
Classificação: 16 anos
Sinopse - O Documentário, Designs for Life, não é somente um documentário sobre móveis e decoração. Børge Mogensen não faz somente móveis, cada criação faz parte de uma arte sempre atemporal. Todas as casas na Dinamarca possuem um
objeto desenvolvido por ele e o tornou conhecido internacionalmente. O filme conta não sobre o processo criativo mas também toda sua trajetória pessoal e profissional. A história da reconstrução econômica da Dinamarca encontra-se com a história de Børge Mogensen, pois ele começou sua carreira, criando seus objetos pós-Segunda Guerra Mundial num período em que a Dinamarca se estruturava economicamente. Toda a história é narrada por seu filho, Thomas Mogensen, com riquezas de detalhes e novas facetas sobre a vida de Børge Mogensen.
Datas: Dia 22 às 13h15 | Dia 27 às 13h30 | Dia 1 às 14h



SERVIÇO
Evento: Mostra Jóias do Cinema Dinamarquês
Local: Cine Jóia
Data: 19 de outubro a 1 de novembro
Endereço: Avenida Nossa Senhora de Copacabana 680 - Subsolo Horários: No release
Informações: 2236 5624

4a Mostra Joias do Cinema Dinamarquês - de 19.10 a 01.11 no Cine Joia

Não há maior vingança do que o esquecimento. Em seu primeiro trabalho como diretor de longas metragens, o cineasta russo Aleksey Krasovskiy, que também escreve o roteiro, apresenta uma história envolvente, de curtos 74 minutos, onde assistimos atentamente um plano mirabolante de vingança. Com apenas um personagem dando as caras, o protagonista interpretado pelo excelente ator Konstantin Khabenskiy, reunimos aos poucos as pontas soltas desse quebra cabeça cheio de opções para seu desfecho.

Na trama, ambientada nos dias atuais, conhecemos Arthur (Konstantin Khabenskiy), um funcionário misterioso de uma empresa de cobranças que possui um alto salário e consegue superar muitos desafios dessa profissão que escolheu ganhando fortunas para que o paga. Em uma noite, no alto de um edifício comercial, onde fica localizado o escritório da empresa, Arthur recebe um telefonema repleto de suspense onde uma mulher diz que postou um vídeo comprometedor dele na internet. Sem ligar muito para a ligação, acaba sendo avisado por outras ligações sobre a existência da gravação e assim precisa correr contra o tempo para provar que o vídeo é uma armação e acaba sabendo mais sobre a voz do outro lado da linha.

Uma noite cheia de reviravoltas e uma crise existencial profunda são o plano de fundo de uma situação incomum que vive o protagonista, que passa horas trancado em um escritório localizado em uma grande cidade russa buscando uma solução para uma exposição de um vídeo seu polêmico postado na internet. Podia ser maçante, sonolento ou desinteressante, mas não é o que acontece.Os méritos são todos de Konstantin Khabenskiy, em grande atuação, prende a atenção do espectador com as multifacetas que transforma seu personagem. É incrível a habilidade na caracterização de chegarmos a um ponto de não sabermos se torcemos por ele ou se ele merece punição pelo que fez ou não.

O roteiro, assinado pelo próprio diretor, consegue sua força por conta da atuação de Khabenskiy. A cada nova ligação que o protagonista recebe mas uma peça se junta ao tabuleiro e assim vamos passando um raio-x na vida e personalidade desse grande personagem. Kollektor é dinâmico, intrigante e surpreendente, um dos ótimos desconhecidos filmes que a Rússia apresentou ao mundo nesses últimos meses.

Crítica do filme: 'Kollektor'

O que fazer quando sua paixão se torna um pesadelo? Estreou nesses últimos dias no Netflix, o surpreendente A Babá, filme com ar de trash recheado de piadas muito engraçadas e situações inusitadas que deixam o espectador com um leque de emoções instantâneas, em cinco segundos você ta tenso, mais cinco pra frente você ta rindo de doer a barriga. Dirigido pelo experiente cineasta norte americano McG (Guerra é Guerra! e O Exterminador do Futuro: A Salvação), o projeto já ganhou inúmeros elogios nessas poucas horas que já está no famoso canal de streaming.

Na trama, conhecemos o jovem Cole (Judah Lewis), um estudante de 11 anos que está passando por uma fase difícil, sendo vítima de bullying por outros jovens de sua idade. Sua única distração é quando está com Bee (Samara Weaving), sua linda babá, pessoa que o entende e juntos se divertem bastante. Certo dia, após conversar com sua amiga de colégio Melanie (Emily Alyn Lind), resolve ficar acordado na madrugada quando Bee está sozinho em sua casa tomando conta dele. A partir daí, os piores pesadelos de Cole começam quando descobre que Bee, na verdade, é a líder de um grupo que usa sua casa para sacrifícios sangrentos.

O filme não tem compromisso com a normalidade, nem com as regras da física. Usa e abusa de situações peculiares usando o absurdo a seu favor para fazer rir. As críticas sociais não deixam de fazer parte, como por exemplo, uma das personagens que está preocupada com o corpo em meio ao caos de uma determinada situação, o bullying é o assunto mais explorado onde o personagem principal embarca em situações constrangedoras. O que fica na superfície é a relação de Cole com seus pais, mesmo eles sendo meros coadjuvantes, ajudam apenas a montar futuros arcos como a ótima cena do explosivo embaixo da casa.

A Babá é um ótimo divertimento, em seus curtos 85 minutos transformam a experiência em assistir a ele em um liquidificador de emoções. O projeto cumpre seu objetivo: o de ser um bom entretenimento.


Crítica do filme: 'A Babá'

Quando não há fé, não a nada. Produzido pela sensação da tecnologia via streaming Netflix, Fé de Etarras é uma comédia afiada de humor negro sobre um grupo de militantes, suas dúvidas e desejos por uma nova missão ao mesmo tempo que a Espanha joga a Copa do mundo de futebol da África do Sul. Dirigido pelo cineasta espanhol Borja Cobeaga o filme tem cenas hilárias e várias analogias com diversas situações que a Espanha viveu ao longo de seu tempo na história. Na pele do protagonista, o grande Javier Camara (Truman, Viver é Fácil com os Olhos Fechados, Fale com ela, etc...) que mais uma vez se torna peça fundamental de um filme despretencioso mas que cumpre seu objetivo.

Na trama, conhecemos Martin (Javier Cámara), um militante de um grupo de terroristas bascos que anos após ser o único a fugir pela janela de um dos esconderijos que estava cercado pela polícia, precisa se para uma nova missão com um novo grupo de pessoas mais jovens que pensam muito diferente dele. Ao longo do tempo juntos, aguardam uma sinalização do chefe do grupo terrorista que fazem parte e precisam se virar passar o tempo e acreditar nas suas próprias verdades sobre o que são.

Um roteiro, voltado para a comédia, apresenta personagens completamente desajustados e com pensamentos distintos sobre o que fazem e o porquê fazem. O conflito gerado chega por conta da ansiedade de um telefonema e em determinadas situações que acabam se metendo para esconder o disfarce, como serem pedreiros em uma obra de um dos apartamentos do prédio onde estão e acabarem ganhando dinheiro com isso. É um dos filmes espanhóis mais Woody Allen dos últimos tempos.

Os atores em cena desempenham bem seus papéis, quase um grande teatro onde o improviso toma conta do set. Não há uma mensagem específica que o filme mostra, mesmo falando sobre terrorismo (o que sempre é uma polêmica), o objetivo principal é detalhar situações engraçadas em meio ao caos dos pensamentos trágicos imersos em um passado que já se foi.


Crítica do filme: 'Fé de Etarras'

A felicidade, suas portas e barreiras. Escrito e dirigido pela cineasta May el-Toukhy, Long Story Short explora o universo da amizade e das desilusões do ser humano através de personagens carismáticos e repletos de problemas em seus cotidianos. Dividido em arcos, ou como preferir, capítulos, que nos situam nos reencontros desse grupo de amigos, vemos as evoluções e felicidades, tristezas e alegrias desses desbravadores do viver. O roteiro é detalhista, explora o emocional dos personagens através de como esses agem em relação aos seus obstáculos.

 Na trama, conhecemos um grupo de amigos formado, entre outros, por Ellen (Mille Lehfeldt), Rolf (Peter Gantzler), Anette (Trine Dyrholm), Maya (Danica Curcic) e Max (Jens Albinus) que se conhecem faz tempo, seja alguns sendo familiares outros amigos de longa data. A cada reunião da turma, seja no ano novo, em um casamento, em uma festa surpresa sem aniversariante, no verão, em um jubileu, cada um dos personagens está passando por fases diferentes, um deles o primeiro casamento com ao que parece a mulher de sua vida, um casal de lésbicas pretendem adotar o primeiro filho, um marido que é praticamente rejeitado por sua esposa, uma das amigas é amante de um dos amigos. Ao longo do tempo vamos percebendo relativas mudanças nessas vidas, sempre com o desejo de dias melhores.

O roteiro é uma delícia, alterna comédia e drama em altas doses de emoção. O entrosamento do elenco também é algo a se destacar, nos sentimos próximos de cada um dos personagens. A cada novo reencontro, muita coisa muda na vida dos personagens e vamos descobrindo as atualizações através de ótimos diálogos e algumas situações constrangedoras de reencontros após alguma situação ter acontecido. Como são amigos, os personagens meio que se revezam em confissão e confessionário e assim vão tentar encontrar as peças do quebra cabeça emocional perdido no tabuleiro da vida real.

Long Story Short é a representação do ótimo cinema dinamarquês, que gosta de brincar com situações familiares, navega nas relações de amizade e deixa os personagens cheios de alternativas no processo as vezes complicado do sentir a emoção.


Crítica do filme: 'Long Story Short'

Marcando a estreia de Cininha de Paula na direção de um longa metragem, Duas de Mim tenta explorar as jornadas dos sonhos e desejos impossíveis passando um raio-x na vida de uma mulher batalhadora que sustenta sua casa praticamente sozinha. A história é puxada para a comédia, onde somos testemunhas de situações exageradas e diálogos pouco inspirados. No papel da protagonista, a conhecida de programas de humor de televisão Thalita Carauta que tem a difícil tarefa de criar o sorriso no rosto do espectador em um duplo papel de si mesma mas com personalidades diferentes. O projeto falha em um roteiro limitado, deixando o esforço de Carauta ser a única luz desse filme sem pé nem cabeça.

Na trama, conhecemos a batalhadora Suryellen (Thalita Carauta), uma mulher com personalidade que acorda cedo para preparar quentinhas que vende em bairros residenciais e depois ainda vai para o outro trabalho em um restaurante chique comandado pela chef e arrogante Valentina (Alessandra Maestrini). A vida d aprotagonista muda radicalmente quando após sofrer dias complicados, encontra em uma rua deserta uma vendedora de bolos misteriosa que a faz provar um bolo que tem o poder de realizar desejos. Assim, quase sem querer, Suryellen ganha uma cópia/clone/si mesmo com outra personalidade, que no começo serve como uma ajuda a cumprir todos os objetivos de seu dia mas que após um tempo vira um grande problema na vida dela.

A fábula não encaixa. Tudo é muito repleto de clichês, usando uma fórmula de riso fácil mas sem um pingo de carisma dos personagens. O desenvolvimento da protagonista não passa da superfície, tudo é muito fácil, coadjuvantes sem qualquer ligação com a trama, diálogos pra lá de tediantes. A dupla jornada da personagem principal, com duas personalidades é uma das coisas mais chatas vistas no cinema brasileiro nos últimos anos. Para completar, subtramas rasteiras, esteriotipadas, como a do ex-marido, representado por Marcio Garcia, e a de seu amigo/namoradinho Chicão, esse último interpretado pelo cantor Latino.


Mesmo com todo o esforço de Carauta para tentar divertir o público, um filme pouco inspirado em seu roteiro não consegue segurar a atenção nem por vinte minutos. Se tivesse o Framboesa de Ouro aqui no Brasil, esse filme seria um dos campeões de indicações.

Crítica do filme: 'Duas de Mim'

Bastará nunca sermos injustos para estarmos sempre inocentes? Dirigido pelo sul coreano Hun Jang, A Taxi Driver é antes de tudo uma grande aula de história em forma de cinema, onde descobrimos mais detalhes de um grande massacre ocorrido na Coreia do Sul, o papel da imprensa, e a relação de uma população corajosa que lutava por melhores condições dentro de um regime ditatorial que escondia do mundo as verdades que só as pessoas daquela região sabiam. Mesclando cenas intensas de violência com uma delicadeza e um certo sarcasmo, A Taxi Driver nos leva em uma jornada fabulosa sobre a força do ser humano e o autoconhecimento de seu papel como cidadão.

Indicado da Coreia do Sul para concorrer a uma das cinco vagas de Melhor filme Estrangeiro no próximo Oscar, A Taxi Driver conta a história de um pão duro mas carismático motorista chamado Kim (Kang-ho Song) que enfrenta as dificuldades do dia a dia como taxista na maior cidade da Coreia do Sul, Seul. Certo dia, após um almoço com seu amigo vizinho e também taxista, escuta um papo que um jornalista estrangeiro está pagando uma bela quantia em dinheiro para que alguém o leve de Seul até a cidade de Gwangju. Assim, Kim usa de suas habilidades para conseguir ser o motorista dessa corrida, conhecendo o jornalista alemão Peter (Thomas Kretschmann). Juntos vão viver dias intensos e mostrarão ao mundo um dos maiores massacres que o mundo oriental já viu em toda sua história.

Os primeiros arcos escondem um pouco a intensidade dos atos futuros. O roteiro foca na visão do taxista, detalha muito bem suas principais características, sua relação de carinho com a filha e explora a superfície da perda da esposa. De origem humilde, não tem ideia dos horrores sobre um conflito entre a população e o exército está acontecendo em uma cidade relativamente próxima de Seul. Tudo muda em sua vida quando conhece o jornalista Peter, uma relação de amizade vai sendo criada aos poucos unida pela força que precisam ter para sobreviver a caçada que é imposta por autoridades a todos que queiram divulgar as verdades que acontecem nas ruas de Gwangju. Kim vai descobrindo seu papel na história aos poucos, quando é confrontado com as verdades cruéis em sua frente, toma partido da informação se tornando um coadjuvante de grande valia para a cobertura de Peter.


O papel da imprensa, os limites e suas facetas são explorados de maneira objetiva, mostrando a censura do governo coreano da época ao que de fato ocorria pelas ruas sangrentas de  Gwangju, levando as televisões locais mentiras após mentiras sobre as origens do conflito. A câmera de Peter é uma das poucas chances daquela população que praticamente foi trancafiada em sua região, cercada pelo exército que não deixavam ninguém entrar ou sair da cidade. Já no desfecho, vemos relatos do Peter da vida real, já que essa obra é baseada em fatos reais. A emoção toma conta quando ouvimos Peter falar sobre seu amigo Kim, um homem simples e corajoso que ajudou o mundo a conhecer as verdades de uma ditadura.


Crítica do filme: 'A Taxi Driver'

Ainda dentro do universo criado pelo visionário Philip K. Dick, chegou aos cinemas nesse segundo semestre o aguardado novo filme da franquia Blade Runner. Dessa vez, dirigido pelo canadense Denis Villeneuve (de Incêndios, A Chegada e outros belos filmes), avançamos cerca de três décadas em relação a linha do tempo contínua em relação ao primeiro longa metragem e reencontramos um grande e velho personagem que cumpre com louvor, dessa vez, seu papel de coadjuvante nos intensos 167 minutos de projeção. Um dos grandes méritos do projeto é conseguir acordar uma história emblemática de décadas atrás e trazer novos elementos que se encaixaram como uma luva no universo futurístico criado. Tudo funciona muito bem na bela condução de Villeneuve que se consagra como um dos grandes cineastas dos nossos tempos.

Com partes das filmagens realizada na bela Budapeste, Blade Runner 2049, que com certeza será um dos líderes dos rankings de maior bilheteria mundial do ano, nos coloca anos a frente no universo do primeiro filme, Blade Runner - O Caçador de Androides (1982), onde conhecemos o policial K (Ryan Gosling) que está passando por uma fase confusa que começa com uma investigação misteriosa que o leva a ter dúvidas sobre sua própria origem. A fim de dar um basta nesse mistério, suas pesquisas o levam a um ex blade runner, Rick Deckard (Harrison Ford) que vive isolado perto de San Diego, uma área devastada e esquecida onde vivem isolados querendo uma revolução. Assim, o passado e o presente se unem em busca de seus objetivos.

O californiano Hampton Fancher (roteirista do primeiro filme) e o nova iorquino Michael Green (dono do roteiro de Logan e o futuro remake Assassinato no Expresso do Oriente) dão um show no complexo e impecável roteiro de Blade Runner 2049. Repleto de surpresas, explorando também os sentidos mais íntimos do protagonista, sua sexualidade e desejos, o filme navega em um ambiente neo-noir em um mundo completamente diferente do que vemos hoje mas nem tão distante assim. As cenas de ação são espetaculares, nossos olhos ficam atentos a cada movimento e mal sentimos as quase três horas de filme passarem.

Visualmente é impactante, belíssimo, mas não é só isso que deixa nossos queixos caídos. O foco na humanidade deteriorada, o uso da tecnologia, as razões e emoções de experimentos para igualdade de criações e criaturas, questões de pais e filhos, os mistérios e dramas sobre a origem do novo protagonista. São tantos ingredientes impactantes que quando são jogados no liquidificador criativo do roteiro se torna algo visionário, deixando a mesma impressão do inesquecível primeiro filme da franquia.

Crítica do filme: 'Blade Runner 2049'

Que nem todas as dores do mundo me façam desistir. Em seu segundo trabalho como diretor, o norte americano Taylor Sheridan (roteirista do ótimo Sicario: Terra de Ninguém e indicado ao Oscar do ano passado, também como roteirista, pelo excelente A Qualquer Custo) volta as telonas com um suspense de tons altos de drama, em meio a um distante e frio território indígena, explorando os caminhos tumultuados de uma investigação de um violento assassinato. Com uma direção primorosa, o filme vai envolvendo o espectador a cada nova descoberta sobre o assassinato. Em um ambiente de frio intenso e pessoas com recursos limitados, a selvageria ganha tons de drama, seja pelo passado traumático do protagonista, seja pelas fortes evidências que vão aparecendo a cada nova descoberta.

Na trama, conhecemos Cory (Jeremy Renner) um homem solitário com um passado repleto de tristeza que trabalha como caçador no Estado de Wyoming, mais precisamente em uma reserva indígena de frio intenso. Durante o inverso, com temperaturas abaixo de zero e neve para todos os lados, o corpo de uma adolescente é encontrada por Cory em uma região isolada. Conhecendo a adolescente, de quem é amigo da família, Cory busca ajudar as investigações assumida pelo FBI e designada pela agente Jane Banner (Elizabeth Olsen). Conforme vão descobrindo mais pistas sobre o ocorrido, a dupla enfrentará diversas adversidades para conhecer a verdade.

O roteiro explora a questão das terras indígenas, suas regras, sua solidão, seus dramas. Na linha de comando das ações, um homem que fora casado com uma descendente indígena que vive o luto da morte da filha três anos. Como é ele que conhece como poucos a região, acaba somando forças quando o FBI chega à cidade, e, assim, descobrindo melhor mais sobre personagens daquela região, que não é nada muito diferente das cidades grandes. A cada nova sequência percebemos mais sobre a personalidade dura, fria mas companheira e justa do grande personagem principal. Um trabalho impecável de Jeremy Renner, não perde a força de seu personagem em nenhum momento. Geralmente coadjuvante em alguns blockbusters, mostra a todos, de vez, que é um dos grandes atores de sua geração.


Vencedor do prêmio de melhor diretor da Mostra Um Certo Olhar (2017), uma premiação paralela dentro da programação do Festival de Cannes, dedicada a filmes com linguagem mais experimental, Terra Selvagem deve ter algumas indicações ao próximo Oscar, principalmente para Sheridan e Renner.


Crítica do filme: 'Terra Selvagem'

Impossível entendermos determinadas loucuras. Escrito, dirigido e protagonizado pela artista britânica Alice Lowe (do ótimo Sightseers), Prevenge, com sessões no Festival do Rio desse ano, é um filme pra lá de maluco que tenta agir pela curiosidade em relação a mente conturbada de uma grávida que sofreu um forte trauma perto da data em que descobriu a gravidez. O foco do roteiro é essa questão da maternidade, de forma bastante inusitada, adicionando o elemento psicológico conturbado o filme se projeta a uma grande matança provocado pela protagonista em atos sobre pessoas diferentes que cercam mesmo distante seu passado recente de alguma forma.

Na trama, conhecemos a complicada Ruth (Alice Lowe) que está grávida de quase nove meses. Até aí tudo bem, senão fosse o fato dela iniciar uma verdadeira carnificina orientada pela filha que ainda está em sua barriga. Exibidos nos festivais de Veneza e Toronto em 2016, Prevenge chega a ser intrigante em alguns momentos, e sonolento em outros. Explora um assunto complicado de maneira quase debochada.

O simples fato de a mãe receber instruções da sua filha que ainda nem nasceu já gera um grande estranhamento do lado de cá da telona. É uma drama complexo com pitadas de humor negro que nos leva em uma trajetória de sangue ao mesmo tempo que tentamos de alguma forma entender o que se passa na cabeça da personagem principal. A violência das mortes que acontecem em sequência são oriundos de uma raiva de Ruth em relação a toda uma sociedade que na maneira dela de pensar e agir puniu o pai de sua filha.


​Conforme os arcos vão passando, a trama começa a ter um certo sentido, principalmente em um dos últimos diálogos onde sabemos mais detalhes sobre o pai de sua filha e como estava o relacionamento deles perto da tragédia que aconteceu. Mas as curtas explicações podem ter vindo muito tarde, o sono pode tomar conta da sala de cinema.

Crítica do filme: 'Prevenge'

Se você fosse uma música seria as melhores notas. Baseado no livro homônimo, do autor André Aciman, Me Chame Pelo Seu Nome é um daqueles filmes emblemáticos que nos leva a década de 80, na belíssima riviera italiana e nos mostra em fragmentos poéticos todas as belezas da descoberta do amor na visão de um jovem inteligente e apaixonado. Dirigido pelo cineasta italiano Luca Guadagnino (Um Sonho de Amor) e com um elenco inspirado, podemos afirmar que poucas vezes nos últimos tempos assistimos uma obra tão delicada e profunda sobre o que com certeza é o amor. Vai estar, com toda certeza, indicado em muitas categorias do próximo Oscar.

Na trama, ambientada no início da década de 80 em algum lugar belíssimo do norte da Itália, conhecemos o jovem e inteligente Elio (Timothée Chalamet), que está passando férias na enorme casa que a família possui na Riviera italiana. Elio está na fase das descobertas, tem amigos mas prefere os livros, a música e uma calma solidão. Certo dia durante as férias, um estudante chamado Oliver (Armie Hammer), amigo de seu pai, o Sr. Perlmann (Michael Stuhlbarg), que é professor, chega para passar algumas semanas. Logo, Elio e Oliver começam a ver que possuem muitas coisas em comum, rapidamente se aproximam e sentimentos afloram de maneira intensa marcando para sempre as vidas dos dois.

A direção de Guadagnino beira a perfeição, rico em detalhes, explora as características dos personagens de maneira leve com ótimas pitadas cômicas aproximando o público do que acontece na telona a todo instante. Por ter altas carga de drama, o romance florece de maneira poética dando leveza as ações dos personagens. O roteiro inspirador, levanta a bandeira de todas as formas de amar.
É uma trajetória de começo, meio e fim de emoções viscerais onde somos testemunhas das belezas que é a sorte de amar. Essa construção do sentimento é feita de maneira intensa, sensual e com personagens carismáticos, inteligentes e com grande sede na arte do viver.

Impressiona a maturidade do modo de pensar, principalmente da família do protagonista que apoia seu filho em todas suas decisões. Em uma das cenas, talvez a mais impactante dentro do filme, somos brindados com um diálogo de Elio com seu pai de deixar um nó na garganta de tão profunda e emocionante. Michael Stuhlbarg larga na frente para a corrida ao Oscar de ator coadjuvante, baita atuação. Me Chame Pelo Seu Nome é um hino aos corações apaixonados e compreensão a todas as formas de amar.


Crítica do filme: 'Me Chame Pelo Seu Nome'