Diretor, ator, produtor e roteirista Martin Scorsese é um dos grandes gênios quando o assunto é sétima arte. Nascido em Nova York e chegando atualmente aos 70 anos, o famoso diretor emplaca desde sempre um belo trabalho atrás do outro, sendo o queridinho de muitos cinéfilos. Foi indicado muitas vezes ao Oscar (na categoria ‘Melhor Diretor’) e a peculiaridade que assombrou a muitos foi que venceu pela direção de um filme que nem de longe é o seu melhor trabalho, “Os Infiltrados”. Provavelmente é aquele Oscar dado pelo conjunto da obra, merecido por sinal.

Scorsese queria ser padre, daí alguns dos seus filmes terem a temática religiosa.  Cursou a escola de cinema da Universidade de Nova York onde fez amigos famosos, como o ator Harvey Keitel. Com o network afiado, Scorsese começou a conhecer muitos diretores famosos, já na época. Em um certo dia, Brian de Palma apresentou-o a um dos grandes atores do cinema mundial e que viria se tornar um grande amigo de longa data, Robert de Niro. Com De Niro, Scorsese trabalhou em oito filmes, muitos desses figuram nas listas entre as melhores obras já feitas. Após realizarem o elogiado “Caminhos Perigosos”, essa dupla dinâmica deixou um sorriso de orelha a orelha nos cinéfilos de todo o mundo com o eletrizante “Taxi Driver”, no começo da década de 70. Um fato curioso que rolou após cinco anos do lançamento desse filme: um homem tentou assassinar o presidente dos EUA da época (Ronald Reagan) e justificou aquele ato pela obsessão que tinha pela personagem de Jodie Foster neste filme. Sinistro, não ?

Martin Scorsese, atualmente, é o presidente da Film Fundation, uma organização ligada ao mundo cinematográfico dedicada à preservação dos filmes mudos. Interessante isso, não? Seu filme desse ano “A Invenção de Hugo Cabret” concorreu cabeça à cabeça com um filme mudo e em preto e branco. Acho que, pelo menos assim, Scorsese não ficou tão triste em perder essa disputa.

Para terminar a sessão curiosidades, Glauber Rocha é um dos grandes ídolos do veterano diretor das sobrancelhas famosas, tendo o mesmo ajudado na recuperação de alguns filmes do diretor brasileiro que estavam perdidos. Legal isso!

Bem, chega de papo. Vamos ao que interessa. Abaixo seguem as cinco melhores e as cinco piores produções de Martin Scorsese, confessando ao leitor que foram escolhas muito difíceis principalmente na relação dos piores.



Os 5 Melhores de Martin Scorsese:
Touro Indomável – Taxi Driver – Os Bons Companheiros – Os Infiltrados – A Invenção de Hugo Cabret


5+ “Os Infiltrados” (‘The Departed’, 2077), de Martin Scorsese

Já nos anos 2000, Scorsese finalmente foi premiado pela Academia, com a direção interessante (mas longe de ser a melhor de sua carreira) de “Os Infiltrados”, com um roteiro baseado no filme chinês “Conflitos Internos”. Jack Nicholson (o papel foi feito pro Robert De Niro, que não pode aceitar) interpreta um chefão da criminalidade no filme que conta também com Matt Damon e Leonardo Di Caprio. É um longa policial com muitas pitadas de suspense e ação.


4+ “A Invenção de Hugo Cabret” (“Hugo”, 2012), de Martin Scorsese

Seu último trabalho nas telonas é praticamente uma aberta declaração de amor aos filmes antigos e ao mundo cinematográfico em si. Contando a história de um jovem em busca de um segredo, deixado por seu pai falecido, todos nós embarcamos juntos com ele para decifrar esse mistério que é envolto de muita história legal sobre o mundo do cinema! Uma belíssima direção desse grande diretor.


3+ “Taxi Driver” (“Taxi Driver”, ano), de Martin Scorsese

Com atuações marcantes de Robert de Niro e Jodie Foster, Martin Scorsese realiza um filme que retrata a vida de um taxista em um cenário violento de sobrevivência em uma das maiores cidades do planeta. Um filme para você ter em sua coleção e rever, pelo menos uma vez, a cada ano. 

2+ “Os Bons Companheiros” (“The Goodfellas”, ano), de Martin Scorsese

Um dos melhores filmes sobre o mundo dos Gângsters já feitos (sendo um pouco ofuscado pelo trilogia “O Poderoso Chefão” de Coppola). Trabalhando com o seu amigo De Niro e com uma atuação sensacional do veterano Joe Pesci, Scorsese recebeu mais uma indicação ao Oscar por esse belo trabalho (perdeu pro Kevin Costner). É um dos filmes do diretor que mais faturaram nas bilheterias.


1+ “Touro Indomável” (“Raging Bull”, ano), de Martin Scorsese

A grande obra-prima de Martin Scorsese. Recebeu oito indicações ao Oscar. Um trabalho fenomenal do sempre competente Robert de Niro. Jack La Motta é um dos maiores personagens da história do cinema. Um filme comovente e emocionante! Genial!


Os 5 Piores de Martin Scorsese:
Vivendo no Limite – Sexy e Marginal – Contos de Nova York – New York, New York – A Cor do Dinheiro

5- “A Cor do Dinheiro” (titulo em inglês, ano), de Martin Scorsese

É um filme de uma ótima atuação e só. Fala sobre um esporte que estamos pouco acostumados a ver nas telonas chamado Sinuca. Um ex-campeão ensina um novo pupilo os macetes da vitória, porém, tem a amizade abalada com a chegada de uma mulher entre os dois. Paul Newman está sensacional mas o filme em si não agrada muito aos olhos cinéfilos.

4- “Vivendo no Limite” (titulo em inglês, ano), de Martin Scorsese

Trabalhar com Nicolas Cage é nitroglicerina pura. Ou o filme será bom ou será ruim. As opiniões serão assim, não há como fugir muito disso. Nesse caso a dobradinha Scorsese/Cage, o personagem principal começa a receber visões de pessoas que tentou salvar no passado. É um filme bem denso e muito longo. Não é, nem de longe, meu preferido do famoso diretor.


3- “Contos de Nova York” (titulo em inglês, ano), de Martin Scorsese

Dirigido por três diretores (Scorsese, Allen, e Coppola), já que são 3 histórias diferentes. Como a história mais fraca é a primeira de Scorsese, que dirige Nick Nolte e Rosana Arquette em cena, adiciono esse a um dos trabalhos que menos gostei do gênio das sobrancelhas mais famosas do cinema.


2- “New York, New York” (titulo em inglês, ano), de Martin Scorsese

Detonado pela crítica, “New York, New York” foi concebido pelo genial diretor para declarar seu amor (musicalmente falando) à cidade natal. Pena que a produção não deu certo e foi um dos grandes fracassos de bilheteria da carreira de Scorsese. O simpático diretor ficou muito chateado com as críticas mas seguiu em frente, afinal, nem sempre acertamos.


1- “Sexy e Marginal” (titulo em inglês, ano), de Martin Scorsese

Um filme do início da década de 70 que fala sobre a época da depressão americana e a perseguição aos comunistas pelo governo. O longa não agradou muito e assim o considero o pior trabalho do Scorsese no cinema, mas o filme não é tão ruim assim.




Abaixo um video sobre o novo filme de Scorsese , "Hugo" e o uso do 3D, com participação do diretor James Cameron.





Em recentes entrevistas, o nosso homenageado desse breve artigo, anunciou o seu próximo projeto: filmar a história de Frank Sinatra, o eterno ‘Blue Eyes’. Como o filme ainda está em fase de pré-produção algumas informações um pouco desencontradas tentam saber se realmente Leonardo DiCaprio ficará com o papel principal. Caso isso ocorra, não tenhamos dúvidas, mais um grande filme vem por aí! 

Top 5 Melhores e Piores: Martin Scorsese, as sobrancelhas geniais do mundo do cinema


Falando sobre fé mas com um roteiro muito confuso, atores carismáticos e personagens cômicos, reunidos no subúrbio do Rio de Janeiro, o diretor José Eduardo Belmonte (do excelente "Se Nada mais der Certo”) apresenta ao público seu novo trabalho, “Billi Pig”. O grande problema do longa é ser muito superficial, não avança nas brechas criadas em nenhum momento, deixando de ser interessante e virando uma confusão projetada na telona.

Uma loucura misturada com um sonho. Assim somos apresentados à trama, Marinalva (Grazi Massafera) tem um sonho de ser atriz e possui um simpático porquinho falante como fiel confidente, casada com Vanderlei (Selton Mello) que é dono de uma seguradora no subúrbio do Rio de Janeiro. Após saber de um acidente com a filha de um mafioso local, Vanderlei resolve pedir ajuda do Padre do bairro (Milton Gonçalves) para fazer o impossível: ressuscitar a acidentada.  

Os atores são carismáticos e tentam preencher seus personagens com muito improviso mesmo com os problemas no roteiro.

Selton Mello é Vanderlei, um homem sem energia, depressivo em alguns momentos. Pouco inspirado em satisfazer o mulherão que tem dentro de casa, romanticamente falando. Possui uma seguradora de fundo de quintal em Marechal Hermes (RJ). Personagem cômico esse de Selton, quando nervoso, pratica passos de Moonwalker a la Michael Jackson.

A cantora e atriz Preta Gil tem uma boa atuação e cumpre bem seu papel para com o filme, bastante natural. Milton Gonçalves tem grande destaque com o seu Padre Roberval, rouba a cena falando expressões em inglês, tira muitas risadas nessa hora. O personagem de Otavio Muller é onde a trama tenta se sustentar, porém, peca na tal da profundidade mencionada. Grazi Massafera é uma mulher com um carisma impressionante e se esforça para tentar dar sentido à sua personagem.

Ser superficial acopla muitas histórias deixando dificuldades de se conectar com o público. Onde o filme é mais profundo? Talvez, quando apresenta a relação conturbada dos protagonistas casados. Quando o jovem suíno começa a falar (Grazi dubla o porquinho) com a protagonista as confusões provocadas por essa estranha situação é o mais profundo que o roteiro consegue ir.

O filme tem alguns momentos inesperados, como: um número musical dentro de um boteco (o diretor é fã de filmes do gênero) e um grande pagode comandado por Arlindo Cruz, regado a muita feijoada. Um fato negativo a comentar: A trilha sonora não se encontra com o filme em momento nenhum!

Mesmo não agradando esse crítico que vos escreve, recomendo a você leitor que vá conferir essa produção nacional nas telonas. Nosso cinema está se arriscando mais, isso é sempre importante de mencionar, às vezes as idéias dão certo outras vezes. Dê uma chance a sua curiosidade e vá aos cinemas a partir do dia 02 de março conferir esse filme. Quem sabe você não gosta, né?

Crítica do filme - 'Billi Pig'

Seis vezes indicada ao Oscar, Glenn Close nasceu e foi criada em Greenwich, Connecticut. Porém, quando tinha 13 anos, seu pai abriu uma clínica no Congo-Belga (hoje Zaire), por conta disso, durante a maior parte do tempo em sua fase criança, viveu alternadamente na África e em colégios internos na Suíça. Mais tarde se formou pela Faculdade de William & Mary, com bacharelado em drama e antropologia. Glenn Close teve uma extensa carreira atuando em musicais da Broadway. Um de seus papéis mais notáveis ​​no palco foi o de Norma Desmond na produção de Andrew Lloyd Webber de Sunset Boulevard ("Crepúsculo dos Deuses"), para o qual, Close ganhou um prêmio Tony. Em 1984, tornou-se o terceiro artista a receber uma indicação ao Oscar, Emmy e Tony no mesmo ano civil (por “The Big Chill”, “Something About Amelia”, e “The Real Thing”, respectivamente).

Entre suas grandes interpretações no mundo da sétima arte pensamos logo no filme "Ligações Perigosas", onde interpretou um dos papéis mais clássicos de todos os tempos, a Marquesa Isabelle de Merteuil, estrelando o longa ao lado de John Malkovich e Michelle Pfeiffer. Para este papel ganhou uma de suas indicações ao grande prêmio do cinema, na categoria Melhor Atriz. Close era a favorita para ganhar a cobiçada estatueta, mas perdeu para Jodie Foster por "Acusados", uma daquelas injustiças que sempre acontecem ano após ano na famosa cerimônia.

Aproveitando a indicação de Glenn Close ao Oscar 2012, resolvemos fazer um Top 5 dessa grande atriz. Serei muito breve nos comentários dos filmes, senão o artigo fica muito grande e a galera fica com preguiça de ler, por isso já peço desculpas.


Vamos conferir as listas?



Os cinco melhores de Glenn Close:

Ligações Perigosas, O Reverso da Fortuna, Atração Fatal, O Jornal, Um Homem Fora de Série


Ligações Perigosas (Stephen Frears)
O grande trabalho de Glenn Close nos cinemas. Merecia muito mais prêmios do que ganhou por essa interpretação impecável da Marquesa Isabelle de Merteuil. Em meio a jogos e paixões contracena com os excelentes John Malkovich e Michelle Pfeiffer, além de ser dirigida pelo inglês Stephen Frears. Se você não viu, corra para ver! Filmaço!


Reverso da Fortuna (Barbet Schroeder)
Nesse bom filme de Barbet Shroeder, quem brilha mesmo é o veterano Jeremy Irons. Close interpreta Sunny von Bulow uma milionária que narra a história de seu relacionamento com seu marido muito suspeito, que é acusado de matá-la. O filme foi baseado em fatos reais e deu a Irons seu primeiro Oscar.


Atração Fatal (Adrian Lyne)
Glenn Close foi a quarta escolha para desempenhar o papel de Alex Forrest em “Atração Fatal”, no ano de 1987. As primeiras escolhas eram as atrizes: Debra Winger, Barbara Hershey, e Miranda Richardson. Vocês imaginam essas três sendo melhor em cena que Close? Eu não! Sharon Stone também fez o teste para esse papel, mas não foi escolhida. A sintonia com Michael Douglas nas cenas é o ponto alto desse bom longa, dirigido por Adrian Lyne. Na pele de uma personagem desequilibrada que se envolve loucamente com um advogado casado Close tem uma de suas melhores atuações na carreira.


O Jornal (Ron Howard)
Filme muito simpático, lançado no ano em que o Brasil venceu a copa do mundo de futebol na terra do Tio Sam, conta a história de um tablóide americano e seus personagens (os jornalistas que trabalham no mesmo) complicados envoltos em uma investigação sobre um crime. Com um elenco de tirar o chapéu (Michael Keaton, Robert Duvall, Marisa Tomei, Randy Quaid, Jason Alexander) “O Jornal” é um dos melhores filmes da carreira de Glenn Close.


Um Homem Fora de Série (Barry Levinson)
Com quatro indicações ao Oscar e sendo considerado um dos bons filmes que envolvem esportes, “Um Homem Fora de Série” foi um dos primeiros trabalhos de Glenn Close no mundo do cinema. O longa dirigido pelo ótimo Barry Levinson (“Rain Man”), conta a história de um jogador de baseball que tem sua carreira encerrada por uma onda de acontecimentos. Anos mais tarde resolve tentar de novo, superando todos os obstáculos. É para muitos o melhor filme de Glenn Close nesses anos de carreira na sétima arte.



Os cinco piores de Glenn Close:

Mulheres Perfeitas, À Francesa, O Segredo de Mary Reilly, 102 Dálmatas, Marte Ataca!


Mulheres Perfeitas (Frank Oz)
O cartaz já diz tudo, leia-se: “Shiu! Não conte que o filme é ruim!”. O diretor Franz Oz, do genial “Morte no Funeral” (versão inglesa) não mantém o nível de seus outros trabalhos. Ele provavelmente entrou em depressão porque só voltou a dirigir quatro anos após esse longa e mesmo assim no mundo das séries (Frank dirigiu “The Carnival Job”, episódio do seriado “Leverage”).


À Francesa (James Ivory)
Filme com a Kate Hudson já podemos desconfiar. Esse não foge à regra. Mesmo com uma participação nem tão influente assim, Glenn Close, não deveria ter aceito esse trabalho que ocupa uma posição bem baixa na sua filmografia. 


O Segredo de Mary Reilly (Stephen Frears)
Sabe aqueles filmes que você dorme até roncar após 15 minutos de diálogos chatos e mal feitos? Com uma história densa e atuações abaixo do esperado, Glenn não repete a boa parceria que teve com Stephen Frears (o diretor) em “Ligações Perigosas”.


102 Dálmatas (Kevin Lima)
Se 101 já não bastasse, Glenn Close volta ao papel de Cruela Cruel nesse filme feito para crianças que acaba se tornando uma trama incrivelmente sonolenta. Sua personagem exagera na excentricidade e vamos dizer: não é nem de longe a Glenn Close que conhecemos.   


Marte Ataca! (Tim Burton)
O pior de todos na filmografia dessa grande atriz. É uma história louca de um bando de marcianos que invadem nosso planeta Terra, matando e destruindo tudo no caminho. É o famoso caso onde vemos que elenco sozinho não faz verão. Annette Bening, Jack Nicholson, Danny DeVito, Michael J. Fox e Natalie Portman também estão com Glenn nessa roubada dirigida por Tim Burton.

Abaixo, uma entrevista (sem legendas) de Glenn Close falando de seu mais recente trabalho, “Albert Nobbs” que lhe rendeu uma indicação ao Oscar desse ano.




Atualmente, Glenn Close alterna o cinema e o mundo da televisão, nesse último interpreta a venenosa Patty Hewes, na aclamada série "Damages". Seu próximo trabalho nas telonas será "Therese Raquin" (que deve ser lançado em meados de 2013), um thriller baseado na peça de Neal Bell. Vamos aguardar e conferir!

Top 5 – Melhores e Piores: Glenn Close, da Broadway para o mundo do cinema!

Acabou a ansiedade! Na noite desse domingo, dia 26 de fevereiro, foram anunciados os grandes vencedores do maior prêmio do cinema. Com algumas surpresas nos prêmios técnicos e muitos aplausos de pé, a noite de cerimônia foi uma coroação de grandes nomes da indústria cinematográfica.



Sem perder muito tempo vamos à lista com os vencedores nas principais categorias, seguido de um breve comentário.

Melhor Filme

*Cavalo de Guerra *O Artista *Moneyball – O Homem Que Mudou o Jogo *Os Descendentes *A Árvore da Vida *Meia-Noite em Paris *Histórias Cruzadas *A Invenção de Hugo Cabret *Tão Forte e Tão Perto

Era uma disputa em aberto. “O Artista” vinha ganhando muitos prêmios em outras premiações importantes e despontava como favorito ao maior prêmio do ano. Por fora, corriam por fora o filme de Alexander Payne (“Os Descendentes”), o queridinho americano “Histórias Cruzadas” e o maravilhoso filme de Martin Scorsese (“A Invenção de Hugo Cabret”). O melhor do ano, não venceria mas em nossos corações sabemos que “A Árvore da Vida” não tem concorrentes. No final das contas venceu “O Artista ”, merecidamente.

Melhor Direção

Michel Hazanavicius *Alexander Payne *Martin Scorsese *Woody Allen *Terrence Malick

Categoria vencida por Michel Hazanavicius pelo seu ótimo trabalho em “O Artista”.  Martin Scorsese também vinha forte após vencer o Globo de Ouro, corria por fora. Malick fez um trabalho fenomenal em “A Árvore da Vida” mas dificilmente subiria ao palco para receber o prêmio.


Melhor Ator

Demián Bichir (‘A Better Life’)
George Clooney (‘Os Descendentes’)
Jean Dujardin em (‘O Artista’)
Gary Oldman em (‘O Espião Que Sabia Demais’)
Brad Pitt em (‘Moneyball – O Homem Que Mudou o Jogo’)

Categoria que mostrou cinco ótimos trabalhos, uma surpresa e quase uma certeza de vitória. Com o SAG ganho nas últimas semanas, Jean Dujardin dificilmente perderia o Oscar de Melhor ator esse ano. George Clooney parecia ser o único a ter alguma condição de tirar o prêmio das mãos do francês. A indicação de Demián Bichir foi uma grata surpresa, porém, Leonardo DiCaprio, Michael Fassbender ou Ryan Gosling deveriam ficar com essa vaga. Esse último não figurou entre os cinco indicados pelo fato de ter feito duas ótimas atuações (nos filmes “Amor a Toda Prova”, “Tudo pelo Poder” e “Drive”) isso com certeza dividiu seus votos e assim prejudicou sua eminente indicação. Mesmo com algumas observações, não podemos dizer que o vencedor não mereceu ser premiado.


Melhor Atriz

Glenn Close (‘Albert Nobbs’)
Viola Davis (‘Histórias Cruzadas’)
Rooney Mara (‘Millenium – Os Homens Que Não Amavam As Mulheres’)
Meryl Streep (‘A Dama de Ferro’)
Michelle Williams (‘My Week With Marilyn’)

A categoria mais disputada nesse ano. 5 ótimos trabalhos. A veterana Glenn Close tem uma boa participação em “Albert Nobbs”, perde muita força por ter sido, muitas vezes, ofuscada pela excelente atuação de Janet McteerViola Davis era uma das favoritas, um papel muito intenso e muito bem executado pela maravilhosa atriz. Rooney Mara está fabulosa na pele de Lisbeth Salander, “Millenium” já é um dos melhores filmes do ano, viva Fincher! Michelle Williams personifica genialmente Marilyn Monroe. Mas, sem dúvidas, a favorita dos cinéfilos venceu novamente, Meryl Streep. Sua atuação como Margaret Thatcher é excepcional.


Melhor Ator Coadjuvante

Kenneth Branagh (‘My Week With Marilyn’)
Jonah Hill em (‘Moneyball – O Homem que Mudou o Jogo’)
Nick Nolte (‘Warrior’)
Christopher Plummer (‘Beginners’)
Max Von Sydow (‘Tão Forte e Tão Perto’)

Acho que foi unânime: Christopher Plummer venceu com sobras! Um trabalho maravilhoso desse talentoso artista.  Essa era a categoria mais fácil de acertar o vencedor. Quem ainda não viu o filme “Beginners”, corra para sua locadora e alugue.


Melhor Atriz Coadjuvante

Bérénice Bejo (‘O Artista’)
Jessica Chastain (‘Histórias Cruzadas’)
Melissa Mccarthy (‘Missão Madrinha de Casamento’)
Janet McTeer (‘Albert Nobbs’)
Octavia Spencer (‘Histórias Cruzadas’)

 Janet McTeer e Octavia Spencer foram as melhores nessa categoria. A primeira ofusca Glenn Close em quase todas as cenas de “Albert Nobbs” e a segunda tem um ótimo trabalho em “Histórias Cruzadas”.  Merecido o Oscar se caísse em qualquer dessas mãos. Venceu Octavia pelo bom filme “Histórias Cruzadas”.


Melhor Roteiro Original

*O Artista *Missão Madrinha de Casamento *Margin Call  *Meia Noite em Paris  *A Separação

Woody Allen levou esse prêmio, merece! “A Separação” tem um ótimo roteiro também e podia ter saído vitorioso também. “Missão Madrinha de Casamento” estar entre os indicados dessa categoria é muito esquisito.


Melhor Roteiro Adaptado

Os Descendentes *A Invenção de Hugo Cabret *Tudo Pelo Poder *Moneyball – O Homem que Mudou o Jogo *O Espião Que Sabia Demais

Categoria equilibrada. Ótimos trabalhos. Steven Zaillian e Aaron Sorkin fizeram um excelente trabalho com o “Moneyball”, porém, quem levou foi Alexander Payne, Nat Faxon e Jim Rash por “Os Descendentes”.


Melhor Animação

A Cat In Paris *Chico & Rita *Kung Fu Panda 2 *Gato de Botas *Rango

Acho que é unânime: “Rango” venceu com sobras.

Melhor Filme Estrangeiro

*Bullhead *Footnote *In Darkness *Monsieur Lazhar *A Separação

Acho que é unânime: “A Separação” venceu com sobras. Merecido prêmio.


Melhor Trilha Sonora

*As Aventuras de Tintin *O Artista *A Invenção de Hugo Cabret *O Espião Que Sabia Demais *Cavalo de Guerra

Categoria bem equilibrada. Acredito que “O Artista” venceu por ser o favorito, por conta do sucesso de crítica lá fora. 

Oscar 2012 - Os vencedores e breves comentários

Dirigido por Nelson Pereira dos Santos e Dora Jobim (neta de Tom Jobim) “A Música Segundo Tom Jobim” mostra a trajetória, por meio de canções, de um gênio da música brasileira, o maestro Antônio Carlos Jobim. O público se entusiasma e canta junto em muitos momentos. Casais apaixonados, de todas as fileiras, tascam beijos apaixonados sendo guiados pelas belíssimas músicas que pairam na mente dos brasileiros ha décadas.

Ao longo de um pouco menos de uma hora e meia de projeção caminhamos por meios de fotos e arquivos gravados (não existe diálogos, só há música) entre as inúmeras adaptações de músicas famosas do maestro, como: Garota de Ipanema, Águas de Março, Ela é Carioca, Eu Sei que Vou Te Amar, entre outras... Nas vozes de artistas consagrados, nacionais e internacionais.

Em relação a esses artistas que cantam Jobim, uma pausa para comentários.

Diana Krall cantando em português é um dos momentos mais marcantes do documentário. É uma pronuncia hilária com muita simpatia de uma das maiores vozes do jazz atualmente.

Sinatra e Tom, já se tornara um clássico. Espero que Leonardo Dicaprio (que deve ser o escolhido para interpretá-lo nos cinemas, em breve) faça bem o papel do eterno ‘blue eyes’ e que Jobim apareça de alguma forma no novo filme de Scorsese. Munido de um cigarro na mão direita o cantor americano interpreta como ninguém uma das mais belas canções da nossa música. Não seria maravilhoso ver esse dueto no novo filme do homem que possui as sobrancelhas mais famosas da sétima arte?

Tom e seu piano revolucionaram a historia da musica brasileira e colocaram de vez o Brasil nas paradas de sucesso mundiais. Esse grande trabalho coroa uma carreira marcada de muitas realizações maravilhosas mundo à fora.

Ao longo da fita notamos como era impressionante o número de artistas que cantaram as canções do gênio, todo mundo queria regravar Tom Jobim. Escutamos ao longo do documentário suas canções em inglês, italiano, até em língua oriental. O Brasil em minutos, estando presente em todas as partes do mundo por meio das músicas desse genial músico da nossa terra.

Não percam! Emocionante, isso sim é música para nossos ouvidos!

Crítica do filme - 'A Música Segundo Tom Jobim'

Por trás da beleza de um corpo a uma mulher complexa e insegura. Dirigido pelo pouco conhecido Simon Curtis, o filme que muitos fãs aguardavam com ansiedade chega à tela dos cinemas em breve, “Sete Dias com Marilyn”. Baseado no livro de Colin Clark (um dos personagens do filme) entendemos melhor um pouco da vida pessoal da atriz sensação de uma época, Marilyn Monroe.

A história gira em torno de Colin Clark (interpretado por Eddie Redmayne) e somos guiados pela narrativa dele. Simpático personagem, aspirante à diretor, que vem de uma família de pessoas bem sucedidas em outras áreas. Após lutar para entrar na indústria cinematográfica, consegue sua grande chance na carreira ao participar da produção do novo filme de Lawrence Oliver que tem, nada mais nada menos, Marilyn Monroe (a grande musa da época) como protagonista. Com o passar dos dias, nas gravações, se aproxima da atriz e começa a desenvolver uma paixão gigante pela loira dos olhos azuis, que aos 30 anos passa por uma fase conturbada em sua vida pessoal.

Logo nas primeiras cenas desembarcando de um avião e chegando em Londres, com uma câmera bem projetada e na lentidão característica do diretor somos apresentados, e muito bem, a mulher que tem a tarefa de interpretar um dos rostos mais famosos do mundo, Michelle Williams. Por trás daqueles olhos azuis penetrantes vemos uma presença e sensualidade de uma mulher com a vida bastante embaralhada e complicada longe das câmeras. Michelle merece sua indicação ao Oscar desse ano, uma grande interpretação dessa jovem atriz.

Lawrence Oliver quase perde o cabelo de tamanha impaciência com as atitudes de Miss Monroe. O famoso diretor é interpretado pelo excelente Kenneth Branagh (o homem por trás da melhor adaptação de “Hamlet” feita para o cinema) que entre um cigarro e outro tem que lidar com o ciúmes de sua esposa por conta da presença da bela loira.

O filme nem de longe é uma comédia, está mais para um drama com espírito carismático. Marilyn aparece à beira da ingenuidade, mostrando um lado mimado, sendo cortejada por todos. Assim, bajulada por muitos e complicada para outros, Marilyn Monroe sem dúvidas deixou sua marca no mundo do cinema e a fita em questão apresenta (de maneira bem inteligente) um lado da artista nunca visto.

E você cinéfilo, não está louco para conferir esse filme? Não deixe de ser uma das pessoas que lotarão os cinemas de todo o Brasil assim que esse longa estrear.
  

Crítica do filme - 'Sete Dias com Marilyn '

Cada um tem a gêmea que merece – Rumo ao Oscar dos piores! Alô framboesa de ouro!


Dirigido por Dennis Dugan (“O Paizão”), o novo longa estrelado por Adam Sandler é uma comédia recheada de exageros que vem nas altas posições dos rankings das bilheterias brasileira, porém, é apenas uma tentativa de ser um filme engraçado. Reunindo muitos amigos de profissão e com uma trama sem pé nem cabeça, acaba não agradando aos cinéfilos.

Queridinho de alguns, detonado por outros, o artista americano Adam Sandler volta às telonas com o gênero que o marca a mais de uma década, a comédia. Mesmo tendo feito seu melhor trabalho no cinema em um filme de drama (“Embriagado de Amor”), o ator nova iorquino raramente foge da sua zona de conforto. 
Com um grande carisma do público sempre consegue lotar salas de cinema mundo à fora mesmo com filmes pra lá de bregas e com roteiros esquisitos.

Na história, a família Sadelstein (liderada por Jack) se prepara para o evento anual: a visita da irmã gêmea (Jill) do comandante da família, no feriado de Ação de Graças. Muito geniosa a irmãzinha querida de Jack aprontará muito, em vários cenários, que vão de uma quadra de basquete até um navio cinco estrelas.

Pode ser que muitas pessoas saiam dos cinemas gostando do filme. Afinal, ele tenta divertir mas caminha em uma linha próxima do ‘engraçado’ e muitas vezes perde a graça. Não existe coisa pior que um filme de comédia não ter capacidade de fazer as pessoas rirem. É muita bobagem sem nenhum oásis no caminho.

Um coadjuvante em especial chamou a atenção interpretando ele mesmo. O grande ator Al Pacino dá o ar de sua graça (mas porque Meu Deus?) nessa trama cabeluda.  Ver o eterno Michael Corleone (referência ao célebre personagem da trilogia “O Poderoso Chefão”) representando um personagem tão esquisito é de deixar qualquer cinéfilo que curte o clássico de Coppola perplexo.

Rumo ao Oscar dos piores! Alô framboesa de ouro,tem aqui seu candidato mais forte para vencer a disputa!

Critica do filme - ' Cada um tem a gêmea que merece '

“O Motoqueiro Fantasma 2  -> O irmão perdido da Cinderela Baiana”


Eu gostaria de vir aqui, na minha humilde coluna nessa querida editoria e escrever milhões de elogios à atuação de Nicholas Kim Coppola. Porém, como já esperávamos e que diz no ditado popular: ‘Hoje é o amanhã que tanto nos preocupava ontem’, Cage consegue realizar em 1:35 de fita seu pior filme da carreira. Sim cinéfilos, ele conseguiu essa proeza.

O longa dirigido por Mark Neveldine e Brian Taylor (bem dirigido por sinal, a melhor coisa da fita talvez seja a direção) é aquele tipo de filme que os homens levam a mulher para o cinema e ao final da sessão levam bufetadas das mesmas, junto com frases do tipo: “Nunca mais você escolhe o filme, viu?!”

Na trama, Johnny Blaze (o Motoqueiro Fantasma), está escondido em algum lugar na Europa Oriental. Quando tem a possibilidade de se livrar da maldição que toma conta de seu corpo, ele é chamado a interromper seu eterno inimigo, que sequestrou um jovem. Junto com seu amigo e a mãe do menino partem em busca de vingança.

O roteiro do filme é um jogo de encaixe que nem a mente mais japonesa de todas conseguiria decifrar. Digo isso por conhecer duas mãos de japoneses brilhantes que resolvem qualquer problema, porém, nesse caso é difícil ter uma solução que agrade. O público fica confuso com o trabalho esquisito de Seth Hoffman e Scott M. Gimple.

O elenco desempenha da maneira como pode seus excêntricos personagens.

O vencedor do Oscar (sim, ele já venceu o grande prêmio) Nicolas Cage, novamente, dá vida ao célebre 
personagem dos quadrinhos. Volta a ter sua atuação contestada pelo público. Até quando teremos que suportar os filmes ruins de Cage? Porque ele não vai para o retiro dos artistas, tira uma folga de 2 anos e volta interpretando bem, como em seus papéis em: “Adaptação”, “Despedida em Las Vegas”, entre outros... O público merece mais qualidade.

O ótimo ator inglês Ciarán Hinds parece tentar ser o ponto alto do filme, porém, as caras e bocas de seu personagem não o deixam brilhar como devia. Tem falas muito esquisitas.

A bela atriz italiana Violante Placido (que contracenou com George Clooney em “Um Homem Misterioso”) faz a mocinha da produção. Não compromete no papel.

O competente artista Idris Elba (do sensacional seriado “Luther”) interpreta Moreau, um viciado em vinhos que ajuda Blaze a resgatar o jovem sequestrado. Nas cenas de ação, movido à muita bebida, ajuda o motoqueiro a detonar os figurantes.

A caracterização dos elementos do personagem principal deixam a desejar, juntamente, com desfechos horríveis para os coadjuvantes da trama.  

As correntes (parte mais legal do poder de Johnny Blaze) não causam o efeito que poderiam. Ficam parecendo o Shun de Andrômeda (menção: “Cavalheiros do Zodíaco”) com miras variadas e sem nenhuma objetividade!

Após um dos bandidos vacilar com o chefão da história, acaba sendo transformado em uma espécie de Hulk Hogan que tem o poder de transformar tudo em pedra. Bizarro é pouco para esse personagem.

“Motoqueiro Fantasma 2” segue como líder nas nossas bilheterias. Acho que todos nós sempre daremos uma chance para Nicolas Cage e seus personagens, mesmo que infelizmente, já deixaram de nos agradar a muito tempo. Mas que ele saiba de uma coisa: Paciência tem limite! Dá vontade de perguntar se o motoqueiro em questão é o irmão perdido da Cinderela Baiana.

Crítica do filme - 'O Motoqueiro Fantasma 2 - Espírito de Vingança'

O indicado ao Oscar pela Bélgica esse ano é um drama que fala sobre traumas que, de tão impactantes, modificam uma trajetória para sempre. Com grande atuação do protagonista Matthias Schoenaerts, “Bullhead” é uma grata surpresa.

Na trama, um homem que trabalha no ramo de carnes é atormentado por um trauma do passado. Sua vida não é comum, por conta de seqüelas daquele tempo. Quando uma série de eventos, o jogam de volta a refletir sobre esses anos anteriores, segredos e angústias ficam à flor da pele gerando um conflito emocional de vingança. Seu jeito reservado afeta sua relação com a família, com um biotipo avantajado, Jacky Vanmarsenille (personagem principal), faz uso de muitos medicamentos injetáveis para controlar um problema. Isso acaba consumindo o personagem de maneira descontrolada levando o longa para um desfecho trágico.

Aos poucos vamos vendo que o acaso modifica uma vida. O valor da amizade é colocada em xeque quando chega Diederik Maes (interpretado pelo ótimo Jeroen Perceval) na história. Por conta de decisões no passado, esses dois conhecidos (Diederik e Jacky) precisarão colocar todos os pingos nos ‘is’ para que o rumo de suas vidas sigam de forma correta. Mas será que o estrago já não foi feito?

O longa, que tem o roteiro assinado pelo diretor, fala também de manobras proibidas entre comerciantes de gado e fazendeiros juntamente com um veterinário. O uso de substâncias proibidas para com os animais é uma questão que o filme aborda e acaba virando um trampolim para o descontrole emocional de um homem perturbado pela infância difícil que teve.

Filme belga, escrito e dirigido por Michael R. Roskam (em seu primeiro longa metragem na carreira), “Bullhead” não vencerá o Oscar (sabemos que “A Separação” é imbatível) mas merece uma conferida pelo público cinéfilo.

Crítica do filme - 'Bullhead'

Onde moram nossos sonhos? Nem motoristas de táxis que surtam, nem policiais e bandidos infiltrados, nem lendários diretores aviadores... o homem das sobrancelhas mais famosas do cinema volta à direção de um filme feito para divertir e emocionar toda a família. A maravilhosa condução de Martin Scorsese só nos mostra, novamente, o quão genial é esse Nova-Iorquino, idolatrado pelos cinéfilos (merece o Oscar de direção do ano). Baseado no livro de Brian Selznick, “A Invenção de Hugo Cabret” é uma obra-prima que mostra muito o valor de todo tipo de filme que é feito.

Um garoto (recentemente órfão), vive nas paredes de uma estação de trem após a morte do pai e o desaparecimento do tio, que cuidava dele. Sempre fugindo do inspetor que controla a estação, acaba sendo envolvido em um mistério que abarca seu falecido pai e um comerciante dono de uma loja de brinquedos. Com a ajuda de sua nova amiga Isabelle, irá tentar desvendar esse grande enigma que passa e muito pela história da sétima arte.

O roteiro de John Logan ("Gladiador") passa uma mensagem bonita sobre as produções de antigamente, que cada um desses tem sua história e será interpretado pelo espectador cada qual à sua maneira.  É mais uma declaração de amor ao cinema que vemos nas telonas esse ano. O grande paralelo que fazemos com “O Artista” é exatamente toda a felicidade de falar sobre o que todos amam, a sétima arte. Cada filme a sua maneira envolve o público falando de épocas e sonhos que fizeram dessa arte a mais adorada de todas.

Asa Butterfield tem a responsabilidade de ser o sonhador Hugo Cabret. O pequeno artista inglês, que já havia emocionado o mundo sendo “O Menino do Pijama Listrado”, atende às expectativas e emociona o público mais uma vez.

Ben Kingsley (nosso eterno Gandhi) como Georges Méliès, muito pouco comentado (em posts lidos sobre o filme na web), está excelente no grande papel do filme. É uma espécie de protagonista às avessas. O dono de uma lojinha de brinquedos é onde se esconde um grande revolucionário quando falamos de cinema.  

Chloë Moretz ( a ex- Hit-Girl) é Isabelle, divide com Hugo todas as descobertas desse grande mistério. Já provara em outros trabalhos que será uma excelente atriz em breve. Sacha Baron Cohen, Christopher Lee, Emily Mortimer e  Jude Law também são parte do elenco e contribuem, cada um a sua maneira, para a riqueza da história.

Indicado a 11 Oscars, “A Invenção de Hugo Cabret” é um filme que facilmente levará você à emoção. Não deixe de conferir, afinal, todos nós temos o direito de sonhar!

Crítica do filme - 'A Invenção de Hugo Cabret'

O que fazer para se curar de um vício que está deteriorando gradativamente a sua vida? O novo trabalho do diretor inglês Steve McQueen (“Hunger”) nos conta o drama de um homem e sua compulsão. A ótima trilha sonora assinada por Harry Escott (que fez também a trilha de “Meninama.com”) ajuda a narrar esse que é um dos grandes filmes desse primeiro semestre.

Na trama, um compulsivo sexual ao extremo (com uma promissora carreira profissional) vive dias de desespero após a chegada de sua irmã ao apartamento onde mora. Seus dias eram preenchidos com visitas a sites pornográficos, coleção de revistas com tema adulto, masturbações nas pausas do trabalho (no banheiro da empresa) e vários encontros com desconhecidas, sempre terminando em sexo ou ações desse tipo. Quando sua irmã entra na história, sua rotina é abruptamente afetada e isso gera um descontrole intenso.

Na apresentação do personagem principal já temos uma idéia do vício que ele possui, com cenas muito verdadeiras (nua e crua em alguns momentos), vamos conhecendo melhor o protagonista.

Impressiona a atuação de Michael Fassbender, passa muita tristeza nos olhos por conta desse vício que sofre. Seu personagem Brandon Sullivan é um ninfomaníaco bastante consumido por seus impulsos. O ator alemão comove e se entrega em cenas bem complexas. Infelizmente foi esquecido pela Academia (Oscar) nesse ano, merecia uma vaguinha entre os melhores atores do ano.

Carey Mulligan está fabulosa no papel de Sissy Sullivan, tem um carisma único e contagia o espectador. Quando aparece cantando um clássico do Sinatra e com uma roupa bem ao estilo Marylin Monroe, vira um dos melhores momentos da história, simplesmente espetacular. A jovem artista inglesa de 26 anos teve no ano de 2011 seu melhor ano, com duas ótimas atuações, uma nesse filme e outra em “Drive”.

Os irmãos possuem ao longo da trama diálogos intensos (às vezes violento). Um tenta ajudar o outro mas as barreiras colocadas por cada um deles são muito difíceis de serem superadas. Há muito carinho nessa relação, muitas cenas mostram isso, porém, por conta da tentativa de ajuda de ambos os lados não serem feitas com êxito a eminência de uma tragédia para uma das partes se torna concreto.

Esse longa deve chegar no Brasil com uma classificação altíssima por conta de cenas muito picantes de sexo e alguns nus frontais dos artistas. Em relação a isso, não achei vulgar nem desnecessário, foi filmado do jeito que tinha que ser. O final é bem aberto, deixando o público tirar suas próprias conclusões.

Não deixem de conferir esse grande trabalho! Será um dos 10 melhores filmes do ano!

Crítica do filme - 'Shame'

Com uma tentativa de história interessante, “A Beira do Abismo”, agradará alguns e levará a rejeição de muitos, por conta da péssima execução das idéias contidas no roteiro. O universo cinéfilo não perdoa, não adianta ter uma boa história se a execução dela não mantém o nível, vai gerar insatisfação. É exatamente o que acontece nesse filme dirigido por Asger Leth.

No elenco: Sam Worthington (“Avatar”), Elizabeth Banks (que sempre confundo com a Elisabeth Shue), Anthony Mackie, Jamie Bell ("Tintim") e as formas esculturais da atriz americana Genesis Rodriguez, além da experiência de Ed Harris. O problema do filme não é o elenco que em grande parte executa seu papel como deveria ser, o roteiro é que se torna o grande vilão da história.

Na trama, um homem se hospeda em um hotel (estrategicamente posicionado) abre a janela e ameaça se suicidar. Criada a confusão, a polícia é chamada. Assim começa um jogo de descobertas (de ambas as partes) que nos levam ao passado desse homem para enfim tentarmos acertar as respostas das lacunas em aberto. Porque será que aquele homem está nessa situação?

Algo que também não deu certo durante a história foram as piadinhas bobas do personagem Joey Cassidy (irmão do protagonista). Sem graça nenhuma, desenvolve uma certa antipatia de parte do público, tem diálogos chatos e insignificantes com a namorada.

A lógica da história, lembra muito um filme que será lançado no Brasil em breve chamado “A Tentação” (“The Ledge”). Esse sim, muito interessante. Já em seu final, o longa começa a ter cenas de ação intensas ao melhor estilo James Bond (aquelas mentiradas todas). A fita não precisava disso para se aproximar do espectador.

O nome do filme em português equivale ao sentimento cinéfilo pós-exibição.  O filme é ruim? Tá na Beira do Abismo de ser!

Crítica do filme - 'A Beira do Abismo'

Muito aguardado pelos fãs da trilogia, o quarto filme da saga “Anjos da Noite” chega aos nossos cinemas no dia  02 de março. A história fraca e a busca pela melhor tomada nos belos olhos azuis de Kate Beckinsale não ajudam muito a fita dirigida pelos suecos Måns Mårlind e Björn Stein.

Na trama, uma guerreira vampira consegue se libertar de uma organização mal intencionada após 12 anos em cativeiro gelado. No lugar do único homem que amou ela encontra uma menina com os olhos dele. De volta à vida, tem que se preparar para uma guerra entre espécies e mais tarde ainda fica sabendo que tem uma filha que não é exatamente somente uma vampira.

A atriz inglesa Kate Beckinsale (que interpretou Ava Gardner em “O Aviador”)  tem a difícil missão de ser a protagonista desse duelo entre lobisomens e vampiros. Com a roupa preta bem justa a beleza da artista é bastante explorada. Sua personagem Selene é uma lutadora exterminadora de inimigos, para vocês terem uma idéia, numa cena provoca uma fratura exposta com apenas um movimento. As pistolas duplas (utensílios bastante utilizados durante as batalhas) lembram a famosa Lara Croft.

A breve introdução, sobre a história dos outros filmes da saga, ajuda o espectador a situar-se melhor com o que acontece em cena. Então, respondendo a pergunta de vocês: Não precisa ver todos os outros três filmes para assistir a esse (mas, é sempre bom né?).

O filme é o irmão gêmeo bivitelino de “Resident Evil”. Analisando: futuro cheio de não-seres humanos, potencial bélico aos montes, protagonistas lindas e corajosas, dezenas de baixas de guerra pelo caminho, roteiros confusos e direções contestáveis. São ou não são iguaizinhos?

Baseado na história de Len Wiseman, o pensamento nerd paira no ar, esse longa daria um ótimo jogo para qualquer console de última geração.

Em seu desfecho, fica evidente uma enorme deixa para um quinto filme.

Vá conferir caso seja fã da nova mamãe vampira da praça.



Crítica do filme - 'Anjos da Noite - O Despertar'

Existe alguma chave que ajuda a curar o sofrimento? Com essa pergunta pendurada no pescoço somos guiados por um jovem em uma busca emocionante, onde entendemos melhor vários estágios de uma perda muito sentida por uma família de classe média americana. Baseado no livro de Jonathan Safran Foer, “Tão Forte e Tão Perto”, emociona e mostra que não podemos mudar o impossível, mas podemos tentar.

Na trama, um menino de nove anos de idade encontra uma chave misteriosa (com um nome no verso do envelope) deixada para trás pelo seu pai (interpretado por Tom Hanks), que morreu no World Trade Center, em 11 de setembro de 2001. Com o objeto e o nome de quem precisa achar nas mãos, arma um plano para encontrar o que aquela chave abre. A história demora um pouco para chamar a atenção do público. O longa ganha muito mais sentido com a entrada do personagem de Max von Sydow (que foi indicado ao Oscar desse ano por esse papel) à trama. Nesse momento, a relação neto x avô é mostrada com medidas cirúrgicas de emoção. O ator sueco de 83 anos, a La Dujardin, não fala e conquista o público e os críticos.

Oskar caminha pela cidade, tem pânico dos transportes públicos (fator que foi agravado após o terrorismo nas torres gêmeas), chama o dia 11/9 como “Pior Dia”. Cada vez mais distante da família que lhe resta, quase se perde em uma busca incansável onde cada pessoa se torna um número numa equação gigante e aos poucos vemos que as histórias dos outros, se tornam a história dele. A interpretação do ator Thomas Horn é espetacular, comove e passa uma verdade impressionante. Atua como gente grande. Com um instrumento sonoro nas mãos, uma chave no pescoço e um mapa da cidade, seu personagem Oskar, parte rumo à uma expedição que mudará sua vida e a de muitos a sua volta.

A relação mãe x filho é completamente abalada, o menino era muito mais próximo ao pai. Sandra Bullock está muito bem no papel da sofrida Linda Schell, sem medo de errar arrisco dizendo que é a melhor atuação dela no cinema. Aos poucos, vamos descobrindo mais sobre o impacto daquele dia terrível; às vezes sob a ótica de Oskar, em um ótimo momento vemos como os olhos da mãe viram aquela sensação horrível de perda.

A culpa, fator não percebido antes pelo público, aparece na história já em seu desfecho emocionando a todos com uma cena no trigésimo andar de um prédio.

O filme conta com uma ótima direção de Stephen Daldry ("Billy Elliot”,"As Horas","O Leitor") e uma trilha fabulosa (mais uma) de Alexandre Desplat, o qual, chamarei carinhosamente de novo John Williams.

Já estão com os lenços preparados? Vocês vão precisar deles quando o dia 24 de fevereiro chegar e você correr para a porta do cinema mais próximo para conferir esse bom filme que concorre ao Oscar desse ano, na categoria principal.

Não perca tempo! Dê uma chance a essa história!

Crítica do filme - 'Tão Forte e Tão Perto'

Um filme muito interessante que surpreende pela carga emocional envolvida nessa história de dois irmãos que moram no mesmo lugar mas vivem uma realidade completamente diferente uma da outra.  Escrito e dirigido por John Gray (que já dirigiu alguns episódios do seriado ‘Ghost Whisperer’), ‘Irlandeses Bêbados’ é uma grata surpresa.

Na trama, que acontece no Brooklyn em meados da década de 70, dois irmãos buscam uma maneira de sair do bairro em que vivem e ser alguém na vida. Danny (papel de Geoffrey Wigdor) é um impulsivo marginal que vive de pequenos delitos, já Brian (interpretado por Nick Thurston) é um sonhador que tem na arte do desenho sua válvula de escape para a violência que enfrenta em casa nas mãos do pai.  Quando ficam sabendo de uma apresentação dos Rolling Stones num teatro local resolvem fazer um pacto para roubar o local na noite de um concerto.

O longa analisa a situação de uma complexa família no Brooklyn em algumas décadas atrás. O sofrimento dos filhos, a incapacidade de ação da mãe (muito bem interpretada pela atriz Karen Allen), o genioso e nada amoroso pai, as dificuldades de morar em um lugar sem grandes oportunidades, a luta pelo primeiro amor, a busca de chances em outro lugar. Cada personagem contribui bastante para que o filme ganhe contornos dramáticos já em seu final.

As menções à uma época passada (quando os irmãos eram menores) ajudam a entender todo aquele sentimento que às vezes parece se perder nas atitudes de uma dessas partes. É uma daquelas fitas ideais para que gosta do gênero drama. Não há muitas surpresas ao longo da trajetória dos protagonistas, fica um pouco eminente o desfecho por conta do caminho seguido pelos personagens ao longo da história.
Gosta de emoção e personagens envolventes? Dê uma chance a esse filme!

Crítica do filme - 'White Irish Drinkers'

Um do mais aclamados diretores americanos começou sua carreira em uma empresa de George Lucas (ILM) e teve experiências em vídeos de publicidade e clipes para artistas, como Aerosmith e Madonna, antes de dirigir seu primeiro longa metragem.

Fincher começou a pensar em filmes aos oito anos de idade, frequentemente brincava com a câmera de seus pais. Na década de 80 viu o clássico "Star Wars - O Império Contra Ataca" e foi essa experiência que o fez olhar de outra maneira para a sétima arte, ajudando-o a encontrar a sua própria maneira de fazer cinema. A partir daí, dirigir grandes produções estava se tornando eminente. Antes dos 20 anos já estava empregado na "Industrial Light and Magic - ILM" de George Lucas, onde ficou vários anos. Deixou a ILM para fazer publicidade e depois vídeo clipes musicais, seis desses trabalhos chegaram ao Top 100 da MTV, em eleição dos 100 melhores do século.

Indicado ao Oscar na categoria ‘melhor diretor’ duas vezes ('A Rede Social' e 'O Curioso Caso de Benjamin Button', venceu pelo primeiro), David Fincher tem nove trabalhos dentro do cinema que iremos analisar brevemente nas linhas de abaixo.


1992 - Alien 3

Talvez o seu pior trabalho. Como era início de carreira, créditos são dados a ele. O filme é bem abaixo de outros da franquia e definitivamente Fincher não deveria ter escolhido fazer esse longa.

1995 - Seven - Os Sete Crimes Capitais (Se7en)

Em 1995, David Fincher começaria a marcar seu nome na história do cinema com a história de dois detetives que investigam um assassino psicopata que deixa pistas através dos pecados capitais. Com um elenco sensacional (Brad Pitt, Morgan Freeman, Kevin Spacey, entre outros), 'Seven' foi um grande sucesso de público e crítica elevando o diretor de patamar.

1997 - Vidas em Jogo (The Game)

Após o sucesso com 'Seven', David Fincher aceitou a direção do longa 'The Game' que teve Michael Douglas no papel principal. Na história, o milionário Nicholas Van Orton (Douglas) recebe um estranho presente de aniversário do rebelde irmão (Sean Penn), um jogo que consome sua vida aos poucos. É um filme de mistério que foi lançado no Brasil no começo do ano de 1999. Não é um dos trabalhos preferidos dos fãs do competente diretor.
  

1999 - Clube da Luta (Fight Club)

Um dos filmes mais marcantes da história do cinema teve direção desse genial diretor. “Clube da Luta” foi uma adaptação do romance de Chuck Palahniuk que conta a história de um empregado de escritório, que sofre de insônia, e um vendedor de sabão que constroem uma organização global, um clube da luta, onde pessoas brigam violentamente. Edward Norton e Brad Pitt fazem uma dupla explosiva e completamente fenomenal.

Curiosamente, após ser lançado, "Clube da Luta" foi muito criticado pelos especialistas o quê levou para o fracasso de bilheteria nos Estados Unidos. No entanto, muitos críticos e espectadores mais tarde mudaram suas opiniões e o filme aparece em muitos "Melhores do Ano”e logo se desenvolveu um culto de seguidores mundo á fora. Curiosidades à parte, Fincher dirige com maestria e merecia o Oscar já por esse trabalho. Sem dúvidas, o melhor de sua filmografia.

2002 - O Quarto do Pânico (Panic Room)

Seu primeiro trabalho no século XXI foi "O Quarto do Pânico". Dirigindo a vencedora do Oscar Jodie Foster, a (na época) pequena Kristen Stewart e o também vencedor do Oscar Forest Whitaker, Fincher foi muito elogiado por esse trabalho. Na história uma mulher e sua filha se trancam dentro de um quarto ultra-protegido após sua casa ser invadida por ladrões. O Thriller fez bastante sucesso nas bilheterias em todo o mundo.

2006 - Zodiáco (Zodiac)
Seu sexto longa-metragem é baseado em uma investigação real sobre um serial killer que agiu nos EUA durante o final da década de 1960. Fincher dirigiu nesse filme bons nomes do cinema americano, como: Robert Downey Jr., Jake Gyllenhaal e Mark Ruffalo. É um dos filmes mais elogiados da filmografia de Fincher, pelos cinéfilos.


2008 - O Curioso caso de Benjamin Button (The Curious Case of Benjamin Button)

Com uma trama que lembra muito o clássico filme de Robert Zemeckis, "Forrest Gump", só que de trás pra frente, Fincher teve bastante trabalho para contar a história de Benjamin Button, um homem que nasce com oitenta e poucos anos e rejuvenesce a cada dia que passa. O filme é baseado em um conto de F.Scott Fitzgerald e estrelado por Brad Pitt e Cate Blanchett. O diretor foi indicado ao seu primeiro Oscar por esse bom trabalho.


2010 - A Rede Social (The Social Network)

O assunto do momento (o avanço das redes sociais no planeta) foi mais um desafio encarado pelo diretor de 49 anos. Contando a história do site mais famoso do mundo, o Facebook, Fincher chegou ao seu merecido Oscar de melhor diretor. O roteiro (assinado pelo genial Aaron Sorkin), repleta de detalhes, foi adaptado do livro de Ben Mezrich. O filme gerou algumas críticas negativas mas em geral agradou muitos cinéfilos. O Oscar recebido foi mais pelo conjunto da obra, já que, nem de longe esse é o melhor trabalho de David Fincher na direção de um longa.


2011 - Millenium - Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo)

Após grandes feitos no cinema, Fincher resolve fazer algo bastante arriscado: um remake do clássico filme sueco "Os Homens que não amavam as Mulheres". Foi arriscado porque a versão original é sensacional e seria muito difícil o filme chegar ao mesmo nível, porém, Fincher é Fincher. Para dar certo essa nova adaptação, a personagem enigmática e nada comum Lisbeth Salander deveria ser interpretada por uma atriz que se entregasse de corpo e alma no papel, a escolhida foi a grata surpresa Rooney Mara (que deu um verdadeiro show em cena). Com mais esse grande sucesso, David Fincher é um dos diretores mais queridos pelos cinéfilos que sempre aguardam com ansiedade seus futuros trabalhos.  


Abaixo a Coletiva de Imprensa (Legendada) de MILLENNIUM: OS HOMENS QUE NÃO AMAVAM AS MULHERES , na Suécia.





E aí, concordam com as análises? Gostam do Fincher? Comentem! J

David Fincher - De Clipes musicais à idolatria no mundo do cinema

Não é de hoje que quando perguntamos a alguém (principalmente pela internet) uma dica de filme imperdível a resposta é: ‘Um Sonho de Liberdade’.  Com notas altíssimas nos principais sites de cinema de todo o mundo, esse filme de Frank Darabont (baseado na história de Stephen king: Rita Hayworth and Shawshank Redemption) diverte, emociona e tem uma química inexplicável com cada espectador que estaciona em uma cadeira durante 142 minutos para acompanhar a trama.

Todos os filmes sempre geram comentários que se divergem e cada cinéfilo defende o seu ponto de vista, às vezes de maneira calorosa, mas logo contornado pelos amigos (isso ocorre muito nas redes sociais).  No caso desse, isso não ocorre. Não conheço uma pessoa até hoje que não tenha gostado desse longa estrelado por Tim Robbins. É uma unanimidade quase que absoluta, alvo apenas de recordações maravilhosas vistas nos posts desse quando publicado em alguma revista, na televisão, na internet...

Os personagens cativantes são um dos grandes trunfos do filme. Poderia falar de todos os personagens que tanto amamos, porém, para o post ficar com uma quantidade adequada de caracteres ao amigo leitor apenas os principais serão brevemente comentados.

Tim Robbins é o protagonista Andy Dufresne, um banqueiro que é acusado de ter assassinado a esposa infiel e o amante dela. Condenado à prisão perpétua, conhece a dor e o sofrimento buscando forças nas amizades que faz nessa prisão e principalmente não perdendo o sonho de liberdade. Uma poderosa atuação desse grande ator.

Morgan Freeman é Ellis Boyd Redding (ou ‘Red’, como preferirem), um presidiário boa praça que praticamente domina o ‘mercado’ dentro do presídio. É um dos poucos que realmente assume a culpa por estar naquela situação, tem sua vida completamente mudada com a chegada de Dufresne à prisão. Uma maravilhosa amizade é criada levando a um desfecho que emociona demais.

Warden Norton, o temido diretor da penitenciária é interpretado por Bob Gunton. As crueldades aplicadas pelo mesmo desenvolvem em todos nós um grito de revolta. Em uma das cenas mais marcantes do filme tem uma escrita de um quadro de seu gabinete mudada para “O Senhor TE julgarás antes que pensa.”

Clancy Brown interpreta o impiedoso Capitão Hadley. Dono de altos comandos dentro daquele lugar, fica muito feliz com a assessoria financeira recebida do novo preso. Participa de uma ótima cena onde cervejas são distribuídas aos voluntários para um trabalho.

 ‘Um Sonho de Liberdade’ foi indicado à sete Oscars e absurdamente não levou um único sequer. Uma das grandes injustiças da gloriosa festa do cinema. Essa afirmativa vai de encontro aqueles que não gostam ou não acreditam nessas premiações. Realmente uma mancha na história da festa em questão.

Você que já viu aposto que sempre quer rever. Você que não viu, não perca tempo! A pior parte de ‘Um Sonho de Liberdade’ é quando os créditos finais sobem, em meio aquela cena em Zihuatanejo. 

Porque Um Sonho de Liberdade é o filme favorito de muitos cinéfilos?

Desde os primeiros minutos, o Oscar de melhor filme e melhor ator (desse ano) já tem fortes concorrentes. Com o objetivo de falar da trajetória dos artistas em meio ao mundo (mudo) do cinema, na década de 20, o diretor francês Michel Hazanavicius consegue reunir elementos maravilhosos que transformam ‘O Artista’ em um dos melhores filmes do ano.

Em uma época onde o cinema era mudo e as calorosas platéias lotavam as enormes salas, conhecemos um astro do gênero, que entra em crise, após a migração de todas as produções para o ‘novo’ cinema falado. Não desistindo de fazer o cinema mudo (sua grande paixão), George Valentim começa a dirigir, roteirizar e protagonizar seus próprios filmes, levando-o ao limite. Pouco tempo antes da decadência conhece uma linda mulher que, naquela época, começava uma carreira como atriz e acaba se tornando um grande amor, além de responsável pelo declínio do cinema que tanto ama.

A alegria e a leveza dos personagens em cena contagiam o público.

Jean Dujardin é o tão falado ‘Artista’, vai de mosqueteiro à Zorro em instantes! Não precisou pronunciar muitas palavras para ser um forte candidato ao prêmio máximo do cinema. Faz parte de um daqueles filmes que terão cenas preferidas e estarão em fóruns, com cinéfilos discutindo sobre ele durante décadas. Desculpem a profecia: Dujardin vencerá o Oscar, ou melhor (para não bancar o Nostradamus), Dujardin merece levar o grande prêmio. Seu personagem alegra, comove e demonstra toda a versatilidade do ator francês de 39 anos.

O papel da grande figura feminina fica na responsabilidade de Bérénice Bejo. Jovem, bonita e falante todos amam Peppy Miller. É a grande responsável pela virada na trama e tem cenas de sapateado nostálgicas com o protagonista.

Sempre bom rever Malcolm Mcdowell em cena (nosso eterno Alex de ‘Laranja Mecânica’). John Goodman também aparece no filme e faz o engraçado chefão das produções de cinema da época, James Cromwell também da o ar de sua graça na pele do motorista inseparável do personagem principal.

O cachorrinho, fiel amigo do artista, da um show à parte. O publico se diverte o tempo todo com as estripulias dele.

Entre ascensões e declínios uma grande declaração de amor ao cinema é visto na telona. A trilha sonora tem papel importante na fita, é praticamente um personagem coadjuvante escondido em meio o preto e branco da tela, emociona e comove o espectador. Mesmo sem falar uma palavra a simpatia de todos os personagens é impressionante.

Vá ao cinema, você merece ver essa história. Já viu? É pra ver mais uma vez? Com Prazer! J

Crítica do filme - 'O Artista'

Diretamente de Ontario, nossa pauta de hoje: James Eugene Carrey, ou apenas Jim Carrey. Filho de uma dona de casa e um contador (que era músico de Jazz nas horas vagas), Carrey cresceu junto de sua família no Canadá. Interessou-se pela comédia desde cedo e sua habilidade em fazer os outros rirem levou professores do seu colégio a lhe concederem alguns minutos antes do fim do dia de aulas para ele fazer rápidas encenações cômicas para os seus colegas. Assim, anos mais tarde perto dos anos 80, Jim começou a fazer stand-up comedy de maneira profissional, e tempo depois, a grande porta para a fama estava aberta.

Trabalhou em inúmeras produções gigantescas, como: O Máscara (Chuck Russell), Desventuras em Série (Brad Silberling), O Mentiroso (Tom Shadyac), Todo Poderoso (Tom Shadyac), As Loucuras de Dick & Jane (Dean Parisot), Ace Ventura - Um Detetive Diferente (Tom Shadyac), O Grinch (Ron Howard), isso só para citar alguns dos meus favoritos do gênero comédia.

O lado comediante do artista canadense todo mundo conhece... mas...e o lado dramático?

Jim Carrey já se aventurou em outros gêneros (fora à comédia) algumas vezes e tirando o péssimo filme ‘Número 23’ se destacou em todas as outras produções levando o público e crítica a baterem palmas para seu talento.

Abaixo, uma curta análise sobre quatro produções do gênero Drama que o carismático ator participou.

O Mundo de Andy (Milos Forman)
Dirigido por um mito do cinema, o checo Milos Forman (‘Um Estranho no Ninho’), nosso comediante favorito deu um show na pele Andy Kaufman, famoso humorista de épocas antigas, da terra do Tio Sam.  Nessa excelente biografia, Jim Carrey tem uma atuação magistral que emociona e faz o espectador querer ver o filme outras vezes.

Cine Majestic (Frank Darabont)
Filme um pouco contestado pelo público cinéfilo, é um daqueles famosos casos “Ou amo ou odeio”. Fico com o primeiro lado desse caso. Essa história é uma grande onda de louvor à sétima arte. No papel de um roteirista perseguido (na década de 50) que perde a memória após um acidente e recomeça a vida (com a identidade de outro) redescobre a magia do cinema ao iniciar a reforma da sala da cidade e preparando-a para sua nova estreia. É um dos filmes mais emocionantes do artista canadense que tanto gostamos. Nesse trabalho, conta com uma direção muito competente de Frank Darabont (‘Um Sonho de Liberdade’).



O Show de Truman (Peter Weir)
Fita de 1998, dirigida por Peter Weir e escrita por Andrew Niccol, acabou se tornando um sinal de alerta à ascensão dos reality shows na mídia. Muito usado em salas de aula mundo à fora, esse filme demonstrou todo o talento e carisma de Jim Carrey em cena. Ele diverte, briga e emociona transformando esse num dos trabalhos mais elogiados do canadense.
O personagem principal Truman Burbank (Carrey) passa uma vida inteira em frente às câmeras e não sabe, a descoberta do verdadeiro mundo nos levam a um final maravilhoso que emociona só de lembrar. Segunda melhor atuação na carreira.

Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças (Michel Gondry)
Com os passos dados na direção do gênero drama ficando cada vez maiores, era certo que algum dia a grande atuação da carreira desse genial ator estava próxima. No ano de 2004, Jim Carrey foi chamado para atuar ao lado de uma das melhores atrizes do mundo (Kate Winslet) e juntos fizeram um filme que está na memória de qualquer alma da galáxia que adora cinema, ‘Brilho Eterno de uma Mente Sem Lembranças’. Joel e Clementine vivem uma história de fracasso amoroso da forma mais esquisita que alguém podia contar, talvez por isso, a fórmula tenha dado tão certo. Clementine e Joel podem ter tentando esquecer um ao outro com aquele tratamento louco de memória mas nós cinéfilos jamais esqueceremos desse maravilhoso longa dirigido por Michel Gondry, onde, Jim Carrey crava de vez seu nome na galeria dos grandes atores de comédia, ou drama...

E aí, gostaram da explicação? Concordam ou não? Comentem! J

Sim, Jim Carrey sabe fazer filmes de drama!