Para a primeira tentativa nacional de gravar em live action usando tecnologia 3D, a história escolhida não poderia ser pior. Dirigido pelo cineasta Paulo Fontenelle (Intruso), a nova comédia brasileira Se Puder... Dirija! é uma experiência terrível para quem espera uma história inteligente e longe de bobeiras – típicas nos últimos filmes do gênero feitos no Brasil. Os personagens interagem de maneira superficial, o roteiro não se encontra e logomarcas de patrocinadores recebem mais atenção que a história. Resumindo, uma experiência sonolenta.

Distribuído pela Disney e pela Buena Vista, Se Puder... Dirija! conta a história de João (Luis Fernando Guimarães) um manobrista que vive deprimido por estar longe de sua família após o divórcio. Certo dia, após reflexões em um frustrado aniversário, resolve se tornar um pai mais presente e convida seu filho Quinho para passar o dia com ele. Atrasado para esse compromisso, pega emprestado o carro de uma cliente – a médica Márcia (Bárbara Paz), e parte para uma série de imprevistos no que era para ser um dia de diversão entre pai e filho.

O principal erro do filme tem haver com o roteiro. Personagens sem objetivos circulam pela trama como se estivessem em um desfile de moda. Situações forçadas – que dificilmente iriam acontecer no mundo real – são despejadas na tela transformando o enredo em uma grande confusão que é apresentada ao espectador. O personagem principal, interpretado pelo comediante Luis Fernando Guimarães (Os Normais 2) também é um pobre coitado perdido em cena. Sem objetivo fixo, fica vagando entre as toscas sequências captadas pelas lentes do diretor.

Uma das coisas que mais incomodam é a exposição – algumas desnecessárias – de logomarcas patrocinadoras nas cenas. O protagonista trabalha como manobrista e para surpresa geral, quase todos os carros são de uma marca famosa francesa (que patrocina o filme). Isso destrói qualquer tipo de veracidade. Outro fator irritante no filme é a interação de Reynaldo Gianecchini e Lívia de Bueno, os efeitos no cabelo da personagem feminina e um charme forçado do outro personagem fazem o público ficar atônitos com tamanha bobagem.

A experiência em 3D não muda em nada a interação com público, a expectativa gerada cai por terra quando a história não é boa. A única coisa que muda realmente é que o público vai pagar mais caro na bilheteria dos cinemas. E o que não muda é que o espectador vai comprar seu ticket para ver um filme nacional e – a maioria – se arrependerá.   

Crítica do filme: 'Se Puder...Dirija!'

Com um lançamento modesto para os altos padrões que produções brasileiras se solidificaram recentemente, o filme de arte A Alma da Gente é uma aula de como fazer de uma simples ideia, um filme emocionante que leva facilmente qualquer coração às lágrimas. Dirigido pela carioca Helena Solberg e pelo norte-americano David Meyer, o documentário mostra diferentes destinos de pessoas marcadas pela transformação através da arte.

No longa metragem, acompanhamos a história emocionante de 60 adolescentes do Corpo de Dança da Maré, grupo coordenado pelo coreógrafo e educador Ivaldo Bertazzo. Dez anos depois dos ensaios de um espetáculo de dança com o elenco formado por esses jovens moradores da favela da Maré, os diretores buscam esses participantes para descobrir os surpreendentes destinos de cada um dos personagens.

O amor pelas artes é uma conquista que cada um dos jovens envolvidos no projeto adquire. Suas trajetórias de vidas são modificadas pela disciplina que é exigida.  A princípio, a oportunidade dada é um universo novo e as descobertas se renovam a cada novo ensaio. As lentes dos diretores conseguem com grande perfeição captar cada detalhe que expresse esse sentimento de mudança que vai criando em cada personagem conforme eles aparecem em cena.

Produzido em dois tempos, com um intervalo de dez anos, o longa-metragem tem início em 2002, quando os realizadores filmaram o dia-a-dia dos ensaios desses adolescentes. Uma árdua tarefa de planejamento e perseverança dos produtores e diretores do projeto. Criar uma história a longo prazo é uma das tarefas mais difíceis do cinema. A parte de pesquisa e os detalhamentos que o filme possui são fundamentais para o êxito da obra.

As surpresas que acompanham cada personagem surpreendem o público. Histórias de felicidades e tristezas se encontram, transformando o documentário em um presente que é aberto pelo público a cada novo depoimento. O espectador se diverte, chora e pensa sobre a importância do ajudar ao próximo. Emoções à flor da pele a todo instante. No desfecho, a reflexão sobre o que se viu na telona é eminente.


O belíssimo trabalho se torna mais um ótimo documentário produzido neste ano de 2013. A Alma da Gente estreou nesta sexta-feira em pouquíssimas salas em todo o Brasil. Se o filme estiver passando em sua cidade, não perca tempo, reserve um tempo na sua agenda e vá conferir as emoções da expressão perpendicular de um desejo horizontal. Bravo!

Crítica do filme: 'A Alma da Gente'

Rodrigo Junqueira dos Reis Santoro nasceu no dia 22 de agosto de 1975, em Petrópolis, região serrana do Rio de Janeiro. Filho de um engenheiro e uma artista plástica, após terminar o segundo grau rumou a capital do Estado e se inscreveu no curso de comunicação social (com ênfase em jornalismo) da PUC. Mas o sonho do futuro grande astro do nosso cinema era ser ator e durante sua graduação cursava em paralelo a Oficina de Atores da Rede Globo.

O então jovem, de ascendência italiana, teve sua primeira experiência no cinema participando do curta metragem Depois do Escuro no ano de 1996. Somente cinco anos mais tarde voltou a se dedicar ao cinema aceitando o papel do complicado Wilson Souza Neto no elogiado filme de Laís Bodanzky, Bicho de Sete Cabeças. Com o sucesso desse trabalho, Santoro começou a receber muitos convites para participar de outras produções mudando todo o seu foco artístico.

O ano de 2003 foi um marco em sua carreira. Em sua primeira participação em um filme estrangeiro, Em Roma na Primavera (2003), contracenou com a ganhadora do Oscar, Helen Mirren (Red 2 – Aposentados e ainda mais perigosos). Logo após esse trabalho, emendou As Panteras Detonando (2003) e Simplesmente Amor (2003), fixando-se de vez no mercado internacional. No ano de 2006, interpretou o vilão do filme 300, Xerxes onde teve que contracenar com nenhum ator tendo apenas um fundo verde como referência. O filme foi um grande sucesso e Santoro volta a pele do personagem em 2014 para a sequência 300: A Ascensão do Império.

Abaixo analisaremos os dez melhores filmes desse veterano das telonas que já foi indicado ao MTV Movie Awards, na categoria Melhor Vilão, pelo filme 300. Confira a lista abaixo:


10. Os Desafinados (2008)

Para começar a lista nada melhor que um filme cheio de canções que relembram a nossa bossa nova. No filme de Walter Lima Jr. – Os Desafinados – voltamos aos 60, onde conhecemos cinco amigos que formam a desconhecida banda Rio Bossa Cinco. Eles se divertem cantando e tocando canções de sua geração sonhando um dia poder tocar no prestigiado Carnegie Hall. Quando chegam em Nova Iorque, encontram a filha de uma brasileira com um americano que volta com eles ao Brasil e se junta ao grupo. O filme possui uma das mais belas trilhas já feitas em um filme nacional.


9. Carandiru - O Filme (2003)

Na pele do travesti Ladi Dy, Rodrigo Santoro teve um dos seus grandes papéis na carreira no filme de Hector Babenco, Carandiru.  O longa é baseado no livro Estação Carandiru, de Drauzio Varella, onde são narradas todas as experiências do médico no principal presídio do Brasil, até então. O filme rompe barreiras e corajosamente reproduz detalhadamente o massacre ocorrido em 2 de outubro de 1992, em que 111 presos foram mortos.


8. Heleno (2012)

Em seu primeiro papel representando um esportista, Rodrigo Santoro topou o desafio de interpretar o famoso craque do botafogo da década de 40, Heleno de Freitas. Em Heleno – todo rodado em P&B - , conhecemos a fundo a história daquele que se considerava o maior jogador de futebol do Brasil. Suas frustrações, seus sucessos, seus amores, são muito bem retratados pelo diretor José Henrique Fonseca (filho do famoso escritor Rubem Fonseca). Foi a primeira vez que Santoro também produziu um filme.

7. Meu País (2011)

Ao lado de Cauã Raymond e Debora Falabella, Santoro estrelou no ano de 2011 o drama dirigido por André Risum, Meu País. Na trama, conhecemos a complicada família de um executivo, casado e bem-sucedido que vive na Itália. Após muitos anos fora do Brasil, é obrigado a retornar ao país quando seu pai, Armando (Paulo José), sofre um derrame e muitas surpresas surgem como uma misteriosa irmã que desconhecia. O longa ficou pouco tempo em cartaz nos cinemas brasileiros e merece ser conferido pelos cinéfilos.

6. Simplesmente Amor (Love Actually, 2003)

Em uma de suas primeiras aparições em uma produção no exterior, Santoro interpreta o arquiteto Karl que se apaixona pela complicada Sarah – papel da sempre excelente Laura Linney (Operação Presente). O longa dirigido pelo neo zelandês Richard Curtis (Os Piratas do Rock) o filme conta a história de dez personagens em busca da paixão, mostrando situações sobre como o amor pode mudar a vida de cada um.

5. Che 2: A Guerrilha (Che: Part Two, 2008)

Dirigido pelo famoso cineasta Steven Soderbergh (Magic Mike), o drama que conta – em duas partes – a trajetória do militante Che Guevara foi um grande fracasso nas bilheterias. Rodrigo Santoro interpreta Raúl Castro, irmão de Fidel, em ambos os filmes. Na melhor das duas partes, Che 2: A Guerrilha somos situados a um Che Guevara após a Revolução Cubana, onde se encontra no auge de sua fama e poder. É um filme para aqueles cinéfilos que curtem biografias adaptadas nas telonas.

4. Abril Despedaçado (2001)

Em seu primeiro trabalho ao lado do diretor Walter Salles (Na Estrada), Santoro dá um verdadeiro show na pele de Tonho, o personagem principal da trama que foi baseada no romance Prilli i Thyer de Ismail Kadare, adaptado por Karim Aïnouz (O Abismo Prateado). No início do século XX, no sertão brasileiro, Santoro vive um jovem de vinte anos que passa a ser estimulado pelo pai a vingar a morte de seu irmão mais velho, assassinado por uma família rival. Abril Despedaçado é um filme inesquecível e merece estar na sua coleção de dvds.

3. Bicho de Sete Cabeças (2001)

Logo no seu início de carreira dentro do cinema, Santoro interpretou um dos seus personagens mais complexos. Em Bicho de Sete Cabeças conhecemos a história de Neto (Santoro), um jovem que é internado em um hospital psiquiátrico, após seu pai descobrir um cigarro de maconha em seu casaco. Lá, é submetido a situações abusivas. O longa é dirigido por Laís Bodanzky e com roteiro de Luiz Bolognesi baseado no livro autobiográfico de Austregésilo Carrano Bueno, Canto dos Malditos. O filme até hoje é utilizado em palestras sobre instituições públicas ligadas a saúde mental.

2. Uma História de Amor e Fúria (2013)

Um dos últimos lançamentos da carreira do agora grande astro do nosso cinema, Uma História de Amor e Fúria é um drama com técnicas de animação muito bem executadas que praticamente joga o público dentro da inteligente história. O filme conta a história de um homem que está vivo há 600 anos no Brasil passando por momentos marcantes da história do nosso país, desde os conflitos indígenas na época da chegada dos europeus, passando pela Balaiada, no Maranhão, pela ditadura militar e a guerra pela água num futuro não tão distante. Uma história que merece ser conferida por todos os cinéfilos.

1.Não por Acaso (2007)

Em um dos melhores filmes do cinema nacional dos últimos tempos, Santoro dessa vez não é o protagonista mas comove o público com uma atuação competente na pele de um jogador de sinuca. No filme dirigido por Philippe Barcinski (Entre Vales) conhecemos Ênio, um engenheiro de trânsito que, operando sinais, busca comandar o fluxo dos automóveis da cidade de São Paulo. Quando encontra com a filha, Bia, faz com que ele se sinta sem o controle de tudo. No outro segmento, acompanhamos Pedro, dono de uma marcenaria especializada na construção de mesas de sinuca. Um acidente faz com que a vida de ambos tomem rumos surpreendentes. O filme conta com uma das cenas mais bonitas da história recente do cinema nacional, a sequência do semáforo. Não deixem de conferir!


Especial com os 10 melhores filmes de Rodrigo Santoro

Após seu último filme, aclamado por crítica e público, O Abrigo, o jovem diretor norte-americano Jeff Nichols apostou na experiência de um ator sempre muito criticado pelo público cinéfilo - Matthew McConaughey (Magic Mike) -  e na juventude de um artista - Tye Sheridan (A Árvore da Vida) – para contar uma história sobre a redescoberta da confiança, a descoberta do espírito aventureiro e, porque não, dos incríveis laços de uma amizade. Amor Bandido se parece com tantos outros filmes que já vimos, nesse caso, o que convence são as ótimas atuações.

O drama – roteirizado pelo próprio diretor – conta a aventura de dois garotos de vidas complicadas, Ellis (Sheridan) e Neckbone (Jacob Lofland) , que inesperadamente encontram um misterioso homem chamado Mud (McConaughey) durante um passeio em uma ilha próxima a cidade onde moram, no Mississippi. Após o início inusitado dessa amizade, o contador de histórias Mud começa a mexer com o imaginário dos novos amigos contando sua trajetória dura de vida e explicando o real motivo de sua presença naquela solitária ilha –  ser feliz com um grande amor do passado. Aos poucos os dois jovens sao incorporados aos planos desse homem, fazendo de tudo pelo objetivo.

A modelagem do lado emocional e superticioso de personagem principal é uma das grandes armas do filme para prender o espectador. Mud tem um apego emocional e supersticiosos por sua camisa, causa carisma contando sobre convincentes histórias comovendo o público por esses e outros elementos. É um grande personagem, cheio de trunfos na manga. Se torna misterioso aos olhos dos seus dois amigos e aos olhos do público também – muito, por não sabermos se tudo aquilo que é dito com tamanha firmeza realmente aconteceu de fato. O espectador se transporta para a história facilmente, louco para descobrir qual será o desfecho.

Muitos atores foram cotados para o papel principal. Michael Shannon (O Homem de Aço) – com o qual já havia trabalhado com Nichols em O Abrigo -  e Chris Pine (Star Trek) (que quase assinou contrato em meados de maio do ano passado) estiveram perto de dar vida à Mud. Mas a primeira escolha do diretor sempre foi Matthew McConaughey, desde que o mesmo viu a atuação do artista no ótimo filme Lone Star - A Estrela Solitária (1997). A decisão não poderia ter sido mais acertada, McConaughey domina seu personagem do início ao fim.  A melhor atuação da carreira do artista que é casado com uma famosa modelo brasileira.


Todo rodado na cidade de Arkansas – terra natal do diretor do longa – Amor Bandido (mais uma péssima tradução de título aqui no Brasil) é um longa simples, repleto de diálogos muito bem escritos e tornando  uma grata surpresa, principalmente para aqueles cinéfilos que desconfiam do talento de McConaughey. Viva essa aventura! 

Crítica do filme: 'Amor Bandido'

Em 94 minutos de muitas receitas e grandes emoções, o diretor Eric Belhassen faz uma bela busca nas razões de grandes chefes de cozinha franceses terem partido da capital mundial da culinária para uma terra diferente, cheia de possibilidades. Com muita simplicidade e algumas pequenas escorregadas nos enquadramentos – que desconsideramos pelo todo da obra – o cineasta radicado no Brasil executa esse trabalho pois também queria saber sua própria resposta para a pergunta que indaga. 

Em mais esse ótimo documentário lançado esse ano no Brasil – Elena, Margareth Mee e a Flor da Luz  e Doméstica também se destacaram em 2013 – acompanhamos os percursos de cinco chefes de gastronomia que moram no Brasil e largaram família e seus respectivos empregos em busca de sucesso em nossa terra. Por meio de suas comoventes histórias familiares, o filme investiga as razões que os levaram a deixar a terra da culinária mundial.

Muito bem definido pelo roteiro, conhecemos o que precisamos de cada um dos personagens que possuem uma evidente busca pela perfeição em comum. Em algumas sequências acompanhamos o cotidiano estressante dos chefes e suas famosas cozinhas brasileiras. A rigidez e a cobrança de comprometimento sobre suas equipes é evidenciado em gritos e atitudes grosseiras por parte de alguns deles. Poucas cenas sao editadas e podemos acompanhar na íntegra o que realmente ocorre por traz do seu pedido em um restaurante.

Os depoimentos dos familiares de cada um dos profissionais da cozinha possuem suas peculiaridades e ajudam o público a descobrir as razões  de suas vindas para nossa terra. Brigas entre pai e filho, ciúmes da esposa, desilusões amorosas são alguns dos temas que são abordados neste documentário que estreou em apenas uma sala no Rio de Janeiro. Nessas horas, nos perguntamos o porquê os filmes bons não chegam ao público? Será falta de salas de cinema de arte ou será a ganância e o retorno do lucro com lançamentos blockbusters?


O documentário tem clima de road movie. O público se sente em uma aventura, viajando de um lado ao outro e descobre parte dos segredos de mentes brilhantes da culinária internacional.  A receita deles é outra coisa em comum. Pegue a coragem, bate no liquidificador, corte a saudade em rodelas, coloque pitadas de amor e boa sessão!

Crítica do filme: 'Por que Você Partiu?'

Sir Alfred Joseph Hitchcock nasceu em 13 de agosto de 1899, em Leytonstone, Inglaterra. Filho de um feirante de frutas e verduras e de uma dona de casa, o marcante uso de muitas técnicas de suspense e criador do gênero thriller psicológico dirigiu mais de cinqüenta filmes em uma carreira de seis décadas. Ele foi pioneiro no uso de uma câmera feita para mover-se de uma forma que imita o olhar de uma pessoa, transformando a interação do público com a história uma grande diversão.

Durante a Primeira Guerra Mundial, Hitchcock foi rejeitado para o serviço militar por causa de sua obesidade. Tempos depois, durante a década de 20, o diretor de Um Corpo que Cai transitava da fase adolescente para a vida adulta. Certo dia, viu em uma revista que uma empresa de cinema dos Estados Unidos, iria criar um estúdio. Apressou-se em apresentar alguns esboços de letreiros para filmes mudos que tinha projetado em uma agência de publicidade que trabalhara. Os gerentes do novo estúdio adoraram o que viram e a empresa o contratou como desenhista de letreiros. Assim, começava sua trajetória vitoriosa dentro do cinema.

A estreia de Alfred Hitchcock em Hollywood foi com o filme Rebecca (1940), que veio a vencer o Oscar de melhor filme (único filme dele a ganhar um Oscar na categoria principal). Depois dessa grande sucesso, colecionou excelentes filmes em sequência ainda na década de 40: Sabotador (1942), Quando Fala o Coração (1945), Festim Diabólico (1948). No início da década de 50, o auge de seu cinema chegou com os inesquecíveis Pacto Sinistro (1951), Janela Indiscreta (1954) e dois dos seus maiores sucessos Um Corpo Que Cai (1958) e Psicose (1959).

Em 1980, já aclamado por crítica e público, Alfred Hitchcock recebeu uma das maiores honrarias européias, a Ordem do Império Britânico, das mãos da Rainha Elizabeth II. Ele morreu quatro meses depois, de insuficiência renal, em sua casa nos Estados Unidos. Para conhecê-lo melhor, o Núcleo do Cinema listou os 10 melhores filmes do emblemático artista britânico. Veja abaixo:

10) O Homem Que Sabia Demais (The Man Who Knew Too Much, 1956)
Ao lado do ator que mais trabalhou em seus filmes, James Stewart, o britânico mestre do suspense topou o desafio de refilmar um clássico norte-americano onde acompanhamos a história intrigante de um homem que presencia um assassinato e conta esse segredo a um casal. Antes mesmo de conseguirem contar às autoridades policiais, o filho deste casal é seqüestrado pelos assassinos.  Assim, o espectador embarca em uma saga emocionante com diversas surpresas pelo caminho.

9) Os Pássaros (The Birds, 1963)
Você tem medo de pássaros? Poderá mudar sua opinião depois de conferir esse clássico do cinema. Após seu auge na década de 50, Hitchcock – já radicado nos Estados Unidos – dirige uma história deveras inusitada focada em uma mulher chamada Melanie (Tippi Hedren) que leva um casal de passarinhos para dar de presente a uma amiga. Só que estranhos acontecimentos começam a acontecer quando a mesma chega em uma cidade costeira e bizarramente é atacada por uma gaivota, iniciando uma série inexplicável de ataques envolvendo pássaros. Um dos filmes inesquecíveis do homenageado neste especial.

8) Intriga Internacional (North by Northwest, 1959)
Cheio de cenas emblemáticas que pairam o imaginário cinéfilo até hoje, Hitchcock foge um pouco dos finais emblemáticos contando a história de um publicitário, morador de Manhattan, que se envolve em uma complicada trama de espionagem. Confundido com um agente secreto, é perseguido através dos Estados Unidos por agentes de um misteriosa organização, que acreditam que ele esteja interferindo com o roubo de um microfilme secreto.

7) Os Trinta e Nove Degraus (The Thirty Nine Steps, 1935)
Quem nunca sonhou em bancar o detetive? O despretensioso Os Trinta e Nove Degraus, um dos filmes dirigidos no início da carreira de Hitchcock conta a história de um homem chamado Richard Hannay (Robert Donat), que ao passar as férias em Londres, se vê envolvido em uma trama complicada após conhecer uma misteriosa mulher que lhe confidencia algo sobre um caso de espionagem. Quando ocorre o óbito desta, Richard decide ele mesmo resolver o caso. O filme ganhou uma adaptação recente nos palcos brasileiros tendo os artistas Dan Stulbach (Onde Está a Felicidade?) e Danton Mello (O Concurso) como protagonistas.

6) Festim Diabólico (Rope, 1948)
O que falar sobre um crime perfeito? Um filme deveras utilizado nas faculdades de direito mundo à fora, Festim Diabólico é ambientado em uma Nova York cheia de trânsito e pessoas estressadas, onde conhecemos dois inteligentes jovens que matam um colega apenas para provar a si mesmos que podem cometer um crime perfeito, escondendo o corpo em local visível durante uma festa para testar suas habilidades e espertezas. Como termina essa história? Confira, surpreende!

5) Disque M para Matar (Dial M for Murder, 1954)
Ambientado em um clima noir, Disque M para Matar é um filme constantemente exibido nos canais de tv paga brasileiras. Na trama, conhecemos um ex-tenista profissional que bola um maquiavélico plano para matar sua companheira, por conta de dois motivos: uma grande herança que ela recebera e para se vingar de uma traição. Assim, dando prosseguimento ao plano, chantageia um amigo para que estrangule sua mulher. Como em todo filme bom de terror, algo sai errado e modificações precisam ser feitas para nos chegar nos objetivos planejados.

4) Janela Indiscreta (Rear Window, 1954)
Neste excelente suspense, acompanhamos a saga dolorosa de um repórter obsessivo que passa a bisbilhotar a vida de seus vizinhos por simples voyeurismo, quando em um acidente, quebra a perna e precisa permanecer em descanso total. Após ver uma cena que foge do comum, com a ajuda de sua namorada (que alimenta suas teorias), tenta provar que um desses vizinhos matou a mulher e escondeu o corpo. 

3) Pacto Sinistro (Strangers on a Train, 1951)
Um dos melhores roteiros que Hitchcock teve o prazer de dirigir. Em Pacto Sinistro – filme pouquíssimo falado pelos cinéfilos – conhecemos Bruno Antony (Robert Walker), um psicótico e filho mimado, que encontra em um trem um indivíduo chamado Guy Haines (Farley Granger) - famoso tenista da época que planeja entrar para a política muito em breve. Ele é namorado da filha de um senador, com quem espera se casar logo assim que conseguir o divórcio. Após uma grande conversa, eles então combinam sobre trocar o assassinato do pai de Bruno pelo da esposa de Guy. Somente um deles leva a sério.

2) Psicose (Psycho, 1959)
O que falar sobre um dos filmes mais comentados pelos amantes dos filmes de suspense e terror? Em Psicose, as surpresas que são deixadas para o seu desfecho são os grandes destaques. Na trama diabólica, somos levados ao universo de uma mulher que está cansada da vida que leva, a secretária Marion Crane. Certo dia, furta US$ 40 mil que deveria guardar para o seu chefe, fugindo para outro estado para encontrar o grande amor de sua vida. Correndo contra o tempo, hospeda-se num motel, onde é atendida por Norman Bates, o esquisito e doente dono do estabelecimento. Esse é um daqueles filmes que você não pode contar o final, senão estraga.

1) Um Corpo Que Cai (Vertigo, 1958)

Em um dos maiores clássicos, não só da carreira do velho mestre mas do cinema, Hitchcoch mostra toda sua maestria ao conduzir o público a cada detalhe sobre a história de um aposentado detetive Scottie Fergusson (James Stewart), que sofre com vertigem de alturas por conta de um trauma de seu passado. Mesmo assim, é contratado por um ex-colega de faculdade para vigiar a mulher dele, Madeleine, uma bela no mínimo suspeita. O longa possui um final que surpreende a todos os cinéfilos.  

Especial - Top 10 Alfred Hitchcock

O novo trabalho da família Barreto, grandes produtores do nosso cinema, Flores Raras, chega aos cinemas brasileiros na próxima sexta-feira (16). O filme, apesar de se passar na década de 60, aborda questões muito atuais da sociedade de maneira global, como o homossexualismo. Para falar sobre o projeto, Bruno Barreto, Lucy Barreto e Miranda Otto se reuniram no Hotel Pestanna no bairro de Copacabana.

A trajetória do filme começou há 17 anos atrás. A ideia de fazer o longa Flores Raras surgiu quando a produtora mineira Lucy Barreto recebeu o livro Flores Raras e Banalíssimas – do qual o roteiro foi baseado – na noite de natal de 1995. No dia seguinte, após ter lido a publicação por completo durante toda a madrugada, Dona Lucy Barreto ligou para a amiga que lhe deu o presente – a autora do livro Carmen Oliveira - e disse que queria fazer esse filme.

Ao longo desses anos, a corajosa produtora continuou desenvolvendo o projeto com diversos roteiros como opções. Propôs o filme ao diretor Bruno Barreto inicialmente e a princípio, o mesmo, não via filme nessa história. Conversou sobre o projeto com o diretor argentino – radicalizado no Brasil - Hector Babenco (Carandiru) que disse algo semelhante. Assim, Lucy Barreto começou a desenvolver sozinha toda a idealização deste filme. Até que um dia, Bruno Barreto voltou a procurá-la e disse que estava interessado em tornar essa história em filme.  

“Eu conheci Bishop e Lota em 1959. Na ocasião, meu marido Luis Carlos Barreto foi, a pedido da Revista O Cruzeiro, fazer uma matéria com as duas na samambaia. Era um almoço de domingo onde estava a intelectualidade brasileira, citando alguns nomes presentes: Vinícius de Moraes, Manoel Bandeira, Carlos leão. Fiquei muito impressionada com as duas, com a cumplicidade que elas tinham. Elas se divertiam com os olhares de uma para outra”, comentou emocionada a grande produtora.  

Sobre a escolha do elenco, uma certeza era dominante: Glória Pires (É Proibido Fumar) seria Lota de Macedo Soares, não poderia ser outra opção. Um fato que chamou a atenção dos jornalistas foi a declaração de Dona Lucy Barreto a esse fato: “Liguei para a Glorinha (Pires) e disse: ‘Você é a Lota de Macedo de Soares, estou te mandando o livro, leia e me diga o que acha.’ Dois dias depois ela me ligou e disse que queria o papel”, comentou a veterana em produções nacionais.

A arquiteta Lota Macedo de Moraes teve criação elitista, foi criada na Europa, falava sete línguas. Por isso que a língua é muito importante nesse filme, para passar a veracidade das ações. Flores Raras é falado 95% em português e apenas 5% em português. Os roteiristas escolhidos foram a jovem Carolina Kotscho (2 Filhos De Francisco) e o experiente britânico Matthew Chapman (A Tentação).

A dificuldade da pronúncia da língua portuguesa foi um dos assuntos abordados na coletiva. A artista australiana Miranda Otto (Guerra dos Mundos), que interpreta a poetisa e ganhadora do prêmio Pulitzer Elisabeth Bishop, falou: “Eu tinha uma desculpa. Elisabeth Bishop não falava o português tão bom, a preparadora do elenco que me ensinou algumas palavras em português. Eu já falei outras línguas em outros filmes antes. Eu gosto desse desafio.

A falta de reconhecimento sobre a construção do Parque do Flamengo pela grande idealizadora e uma das protagonistas do filme foi um dos motivos para a realização desta obra. Sobre isso, Dona Lucy Barreto abre o coração: “Eu sempre morei no flamengo. Então acompanhei a construção do parque. O resgate da Lota é muito importante para mim, ela não é reconhecida por essa obra maravilhosa. A única coisa que nós temos é uma plaquinha que fica na rua Tucumán na passagem subterrânea entre a praia do flamengo e o parque.”

Como fazer um personagem, até certo ponto antipático em algo mais suave que passe empatia? A atriz australiana, que rouba cena em muitos momentos do filme, teve uma grande responsabilidade para contar essa história de amor. A ideia dos envolvidos no projeto era de que o filme não poderia ser somente da Lota. “O grande desafio no roteiro, na filmagem, no trabalho com a Miranda. A grande qualidade da Miranda foi não cair na armadilha hollywoodiana de querer fazer o seu personagem simpático. Muitos atores norte-americanos caem nesta armadilha (mesmo que a artista em questão seja australiana)”, relatou o diretor.

Sobre o período de filmagens no Brasil, Miranda Otto confessou que adorou gravar no Rio de Janeiro, sentiu dificuldade nos set de filmagens e se apaixonou pela nossa culinária: “Foi uma sorte enorme vir ao Brasil filmar. Me ofereceram esse papel fantástico e ir trabalhar todo dia era muito bom. Adorava a hora do almoço,  feijoada e a goiabada agora são minhas comidas favoritas. A comida brasileira é fenomenal. Algumas coisas nas filmagens são bem diferentes das produções lá fora, demorei um pouquinho para me adaptar como as coisas acontecem por aqui.”

Em uma das cenas mais marcantes do filme, quando Lota e Bishop compram uma criança – uma espécie de adoção de outras épocas – foi tema de uma inteligente colocação durante a coletiva. “A realidade não tem a mínima importância, mesmo se fosse real o meu compromisso não é com a realidade é com a verossimilhança. Eu sou um ficcionista não sou um documentarista. Essa situação era uma coisa que ocorria. No nordeste ainda ocorre, até cinco anos atrás vinham estrangeiros à procura de adoção nessa região. Nós pesquisamos para buscar a realidade na ficção”, comentou Bruno Barreto.

Com pretensões de indicações ao próximo Oscar (principalmente para as duas atrizes) e com temas polêmicas que vão gerar debates interessantes, Flores Raras – que já se chamara Você Nunca Disse Eu Te Amo – promete emocionar o público, ansioso para conferir essa produção que estreia em 150 salas de cinema de todo o Brasil.


Coletiva do filme: ' Flores Raras'

Para falar sobre a classe média e as malandragens de uma família deveras peculiar, a diretora Betse de Paula (Celeste & Estrela) reuniu um elenco conhecido do grande público – tornando o filme mais popular possível – jogou dentro de uma casa antiga e tentou contar uma história sobre situações que giram em torno de uma venda, a falta de dinheiro e os vícios que todo consumidor descontrolado corre o risco de sofrer. Pena que nada encaixou com nada.

Nessa nova e premiada produção nacional - levou 12 prêmios no último Festival de Cinema de Pernambuco – uma família repleta de gerações – Bisavó, avó, mãe e filha moram em uma gigantesca casa no pé de uma perigosa favela que está sendo ocupada pela polícia para ser pacificada, por isso não conseguem vender nem lugar o terreno encontrando-se em grandes dificuldades financeiras. Mesmo assim, aparecem alguns possíveis compradores, como: um gringo excêntrico, veteranas jogadoras de pôquer e um pastor bem suspeito.

É um humor sociológico, que preza pelo desespero financeiro e o descontrole emocional. O gênero comédia se encaixa em qualquer tema: brincar, fazer piadas, diálogos com falas soltas e debochadas fazem parte. Em Vendo ou Alugo há um exagero neste sentido. Em quanto a diretora tenta captar o melhor enquadramento e condução das sequências – a direção é sem dúvidas a melhor coisa do filme -, os atores se descontrolam em ações desordenadas o que acaba justificando a confusão que conferimos na telona.  

O foco em quatro protagonistas é muito mal definido no roteiro, assinado por cinco pessoas: Maria Lucia Dahl, Júlia de Abreu, Betse De Paula, Adriana Falcão, José Roberto Toreiro. Há críticas neste quesito também. Será necessário tanta gente para escrever uma história? Os pontos de vista diferentes derrubam a interação com o público. Sobra apenas o carisma dos personagens, muito pouco para agradar o público.


A atitude e a coragem de sair da mesmice das comédias nacionais é um mérito que o filme merece receber. Mas isso não quer dizer que o filme seja nem ao menos bom. As pessoas ligadas ao nosso cinema, precisam de uma vez por todas entender de que boas idéias o inferno está cheio. O certo era vender ou alugar essa ideia para algum seriado de canal aberto. 

Crítica do filme: 'Vendo ou Alugo'

Em um relacionamento, as pessoas se somam ou se complementam? Para falar de amor a um nível intenso, cheio de dramas e conflitos, o diretor Ira Sachs (Vida de Casado) aborda todas essas variáveis aplicadas a um relacionamento homossexual no excelente drama Deixe a Luz Acesa.  Além da direção primorosa, o longa conta com uma atuação espetacular de seu protagonista, o dinamarquês Thure Lindhardt (Velozes e Furiosos 6).

Na trama, acompanhamos o cineasta Erik (Lindhardt), um documentarista morador de Manhattan, homossexual, que gosta de conhecer pessoas pelo telefone. Em uma dessas ligações, conhece o enrustido advogado Paul. O relacionamento dos dois se torna cada vez mais excessivo, alimentado por altos e baixos e comportamentos fora do normal. A luta de ambos é na verdade uma grande negociação dos limites que ambos ultrapassam a cada nova ação inconsequente.

A falta de maturidade é a grande questão abordada do magnificente roteiro. O relacionamento dos protagonistas se torna descontrolado, há amor, paixão e amizade mas ambos não conseguem dosar suas atitudes, vícios de drogas e sumiços sem explicações. Traições se tornam frequentes, levando ambos para o fundo do poço. Um dos personagens ainda consegue desafogar suas mágoas no excelente núcleo familiar comandado pela carismática e querida pelos cinéfilos Paprika Steen (Amor é Tudo o Que Você Precisa).

O filme não é em nenhum momento vulgar e não possui cenas desnecessárias de nudez e sexo. Tudo é muito bem dosado nos excelentes planos e enquadramentos de Sachs. A temática GLS abordada desta maneira é muito positiva para os rumos do cinema. Há um grande preconceito contra filmes que falam de maneira aberta e clara sobre relacionamentos homossexuais. Esse drama é uma aula de cinema, há pureza e poesia nesta história que vai marcar quem a conferir.


A entrega dos atores que mais circulam pelas lentes de Sachs é um ponto importante para criar a mais possível veracidade da história. Thure Lindhardt e Zachary Booth (Um Novo Despertar) dão um verdadeiro show em cena. Como o filme é repleto de altos e baixos, contando a saga deste conturbado relacionamento, os artistas precisam ser fiéis a seus personagens, rindo e chorando ao limite. Um esforço que vemos do primeiro ao último minuto. Merece ser conferido! Bravo!

Crítica do filme: 'Deixe a Luz Acesa'

Quem não gosta de levar um bom susto em uma sala de cinema? Depois de dois filmes voltados ao sobrenatural (O Padre e Legião), o cineasta Scott Stewart muda  sua fórmula para entreter o público, abdicando dos excessivos imaginativos e criando a tensão através de sustos que geram calafrios. Os Escolhidos é uma típica história possível de acontecer em qualquer família e essa proximidade com a realidade é um grande achado pelo roteiro – escrito pelo próprio diretor.

No suspense, somos apresentados a família Barret, os apaixonados Daniel (Josh Hamilton) e Lacey (Keri RusseIl) levam uma vida pacata numa cidadezinha do interior dos Estados Unidos. A paz e a calmaria terminam quando seu filho Jesse (Dakota Goyo) passa a agir de maneira esquisita para um jovem dessa idade.  A partir daí, resolvem investigar e uma série de estranhos e misteriosos eventos passam a fazer parte de sua rotina.

O suspense é uma mescla entre A Entidade e Sobrenatural. Na verdade, o filme poderia muito bem se chamar A Entidade Sobrenatural. Muitas referências destes dois projetos mencionados são vistas em algumas das sequências de Os Escolhidos, que não deixa de ser um longa fiel a temática. Entre um dos pontos próprios do segmento, abre um caminho para discussões sobre o mundo oculto da Ufologia. Alguns exageros para modelagem e ligações das tramas - para o filme ganhar corpo - são necessárias mas os exageros não vão além disso, deixando o clima de suspense no ar a todo instante.  

O desfecho do suspense é uma grande sacada do criador da história. Deve surpreender qualquer tipo de público, até mesmo aquele cinéfilo que sabe todos os finais de filmes deste gênero. Como foi lançado em fevereiro nos Estados Unidos, muita gente já tem acesso a esse filme mas fica o pedido ou a sugestão de assistir Os Esquecidos na tela grande, causa um efeito bem maior ao espectador.


O elenco tem força cênica suficiente para sustentar a tensão do início ao fim. Todos os atores estão muito bem em cena. O público se sente dentro daquela casa mal assombrada, descobrindo junto com os personagens os mistérios contidos naquele lugar. Para quem curte filmes do gênero esse competente trabalho é um prato cheio. Gosta de filmes de suspense que beiram ao terror? Então, o escolhido é você!

Crítica do filme: 'Os Escolhidos'

Pensa em um filme ruim. Agora, multiplica por dois. Dirigido pelo desconhecido – tanto aqui quanto lá fora - Brian Brightly, o longa metragem A Brasileira tem grandes possibilidades de ser considerado o pior filme deste ano. Em cinco minutos de fita, o espectador mais religioso recolhe todos os seus santinhos e coloca de frente para a telona. Uma das piores apresentações de personagens da história do cinema. É quase um filme trash.

Na trama, conhecemos Clark Dormer um inseguro homenzinho que trabalha ao lado de lindas beldades em um requisitado cabeleireiro da cidade. Como possui grandes dificuldades com mulheres, é convidado por um amigo a frequentar o ‘acampamento dos homens’, onde durante intensivas provas de masculinidade as pessoas aprendem a conquistar uma mulher.

O exagero é figurinha carimba nesta tentativa de filme comercial. O protagonista, típico de filmes besteirol norte-americanos é tão peculiar que não consegue passar verdade alguma.  Cabeleireiro, usuário assíduo do clarinete, te grandes dificuldades em se relacionar com as mulheres. Clichês? Sim. Até mais que isso, um exagero tediante!

Algumas das toscas sequências do filme parecem aqueles clipes antigos que a MTV passava nas tardes semanais apresentados pelos estilosos Vj’s da época. . É uma mistura boba e muito mal feita de muitos outros filmes.É uma espécie de Jackass, com Virgem de 40 Anos e Porky’s. A salada mista que vira o roteiro é algo pavoroso, deixando os personagens sem objetivos e o público completamente confuso com o que vê na telona.

A atriz brasileira Fernanda Machado(Amanhã Nunca Mais) pisou com o pé esquerdo no dia que aceitou o convite para participar desta produção. Totalmente insegura com a língua inglesa – o que atrapalha demais sua interpretação – é aproveitada pelo roteiro somente para aparecer em cenas calorosas. A artista deveria ter esperado outra oportunidade para um início de carreira internacional.

A Brasileira parece um projeto daqueles de finais do curso de cinema. Nesse caso, o aluno que apresenta é reprovado. O amadorismo em fazer cinema surpreende até os leigos. Todos os enquadramentos e sequências sofrem um grande abalo na telona. Responsabilidade total do cineasta Brian Brightly.

Quando o filme tenta sair da comédia e entrar no drama se transforma num longa pior ainda. Vemos a falta de técnica dos atores que parecem declamar as falas do roteiro sem colocar um pingo de emoção nas cenas. A Cal (Casa de Laranjeiras – famosa formadora de atores) deveria distribuir flyers dentro dos sets de filmagens deste filme. Impossível indicar esse filme, talvez para sua sogra.


Crítica do filme: 'A Brasileira'

Como contar uma história de amor em forma de poesia? O cineasta carioca Bruno Barreto (Última Parada 174) teve a difícil missão de mostrar na tela grande um amor – polêmico para a época – entre duas fortes e diferentes mulheres. Flores Raras é uma história de outro tempo, onde todas as emoções viravam poesia. As atrizes principais, em seus respectivos papéis, dão um show em cena, valorizando cada segundo do bom trabalho de Barreto atrás das câmeras.

Com um roteiro de Carolina Kotscho (Quebrando o Tabu) e Matthew Chapman (A Tentação), o longa mostra a conturbada e emocionante história que caminha a passos curtos rumo a um triângulo amoroso entre uma poetisa tímida e inteligente norte-americana (Elisabeth Bishop), uma arquiteta brasileira de prestígio (Lota) casada com uma norte-americana radicada no Rio de Janeiro. Essa relação contém amor, carinho, compaixão e loucura, levando os personagens reais a um desfecho repleto de melancolia.

Dissolvendo a dor em doses de álcool, Elisabeth Bishop é interpretada pela excelente atriz australiana Miranda Otto (Guerra dos Mundos, 2005). A serenidade da artista estrangeira chama a atenção. Consegue com peculiar leveza desenvolver sua personagem. A depressiva poetisa e sua busca pelo amor ganham vida na bela interpretação da artista australiana. Seus problemas com o alcoolismo começam a afetar sua relação com Lota (Glória) e isso as leva para o fundo do poço.

Glória Pires (É Proibido Fumar, 2009), em sua melhor performance no cinema, interpreta a corajosa Lota de Macedo Soares. Um primoroso trabalho de doação carnal e emocional da veterana atriz de novelas. Não seria um absurdo dizer que tanto Glória, quanto Miranda tem reais chances de uma indicação ao Oscar de Melhor atriz coadjuvante e Melhor atriz, respectivamente, no ano que vem.

A mudança cultural é muito bem apresentada no filme. Bishop chega a uma terra nova, cheia de novidades e perigos. Não espera se apaixonar mas acaba caindo em tentação quando vê seus sentimentos correspondidos. Desse amor surge livro, histórias, vícios e muita dor. Sua relação com Lota nunca foi bem estabelecida por conta disso há um descontrole eminente escondido em cada verso dessa poética história.

Por conta da intensidade desenfreada da relação apresentada, a trama acaba se arrastando em seu desfecho. Há um descontrole do roteiro para as definições dos desfechos de cada personagem. Fato negativo do projeto. Uma história de amor intensa, repleta de felicidade e aflições precisava ter tido um carinho maior com o seu encerramento. Mas nada disso supera as outras dezenas de qualidades que o filme possui.


Quando a espera da melhoria num relacionamento é insuportável, o ser humano é levado ao limite. Todos já lemos, escutamos, vimos no cinema, inúmeras histórias de amor. Essa é mais uma. Só que dessa vez, bem rara. 

Crítica do filme: 'Flores Raras'

Para falar de amor em uma das mais românticas cidades do mundo nada melhor que reunir diversas visões cinematográficas sobre a cidade maravilhosa. Na última segunda (05), a imprensa carioca foi chamada para a coletiva do filme Rio Eu Te Amo, que correu no Theatro Municipal. O trabalho seguirá a linha estrutural do sucesso Paris, Te Amo (2006) – que faz parte da franquia Cities of Love - e contará com onze seguimentos que serão filmados em diversas partes da cidade maravilhosa.

Para apresentar o planejamento dessas filmagens foram reunidos artistas, produtores e diretores. Conversaram com a imprensa Denise Gomes da Bossa Nova Films, Pedro Buarque de Hollanda, Leonardo Barros e Dan Klabin, esses últimos da Conspiração Filmes. Além dos diretores Carlos Saldanha (Rio), Im Sang-soo (A Empregada, 2011) e os atores Rodrigo Santoro(Uma História de Amor e Fúria, 2013), Tonico Pereira (Cores) e as atrizes Roberta Rodrigues (Vamos Fazer um Brinde, 2011) e Bruna Linzmeyer.

Carlos Saldanha, que deu uma breve pausa na pós-produção de Rio 2 para participar do projeto escolheu como sua locação o Theatro Municipal e terá Santoro e Linzmeyer  como seus protagonistas. Eles começam a filmar ainda nesta semana. “Eu sempre gostei do Centro da cidade, é uma das partes mais marcantes da cidade pra mim. Toda a história do Rio de Janeiro começou por aqui. Quando estava fazendo o primeiro filme Rio, queria recriar o municipal pelo computador mas vimos que isso é impossível”, declarou Saldanha.
Rodrigo Santoro comentou o fato de ser um bailarino no segmento de Saldanha. “Tivemos pouquíssimo tempo de preparação. O ator trabalha o tempo todo com o corpo. É um universo muito particular. Precisa de muita dedicação, concentração e de perfeição”, falou rapidamente o ator.

Em seguida as filmagens no Theatro Municipal, começa a ser rodado o seguimento do grande diretor sul-coreano Im Sang-soo (A Empregada, 2011). Seu primeiro longa metragem foi recorde de bilheteria na Coréia do Sul e escolheu fazer o seguimento sobre amor e escolheu os atores Tonico Pereira e a atriz Roberta Rodrigues. “Eu não sei nada do Rio (risos) mas quero conhecer melhor e fazer um grande filme sobre essa cidade”, comentou Sang-Soo.

No final de agosto, mais três seguimentos serão filmados no Rio de Janeiro. O diretor australiano Stephan Elliott (Priscilla, a Rainha do Deserto, 1994) – que ficou muito tempo sem filmar – e tem muita relação com o Brasil e por isso escolheu que seu segmento fosse filmado no Pão de Açúcar. A diretora libanesa Nadine Labaki (E Agora Onde Vamos?, 2011), um dos grandes nomes femininos do cinema mundial, escolheu como locação a Gamboa. E o diretor brasileiro Fernando Meirelles (360) que elegeu como locação para seu segmento o bairro mais famoso do Rio de Janeiro, Copacabana.

Na segunda parte do projeto, que será filmado em outubro, três diretores já foram contratados. O cineasta mexicano Guillermo Arriaga (roteirista de Babel, 2006) que escolheu Santa Teresa para filmar, o diretor do novo RoboCop: A Origem (2014) José Padilha (Tropa de Elite 2) escolheu rodar sua história na Pedra Bonita e o diretor Andrucha Waddington (Lope) no segmento Centro da Cidade. Leonardo Barros, produtor da Conspiração Filmes, anunciou que mais três diretores estão em negociação para dirigirem seguimentos no projeto mas não adiantou os nomes.

O diretor Vicente Amorim (Corações Sujos, 2012) estará a cargo das cenas de transição, uma das características dos filmes da franquia “Cities of Love”. “O grande objetivo das transições é criar um senso de unidade, cada diretor tem o dom criativo e suas particulariedades. Terei a tarefa de fazer essas historias se unirem, virando um filme. É um exercício de você se apropriar dos personagens e da dramaturgia de outros diretores.”, explicou Amorim.

Esses onze diretores (três ainda não foram anunciados) representam uma variedade geográfica muito grande o que se caracteriza como um diferencial no projeto. Esses nomes importantes da indústria cinematográfica contam com uma qualidade artística mundial e inquestionável. Somado a isso, Gilberto Gil será o responsável pela trilha sonora que promete emocionar os corações mundo à fora.



Coletiva do filme: 'Rio Eu Te Amo'

Falando sobre a descoberta de um passado e as profundezas da melancolia dos relacionamentos, o diretor português Miguel Gomes (Aquele querido mês de agosto) apresenta seu novo e corajoso trabalho, Tabu. Com tamanha ousadia e uma estética que impressiona os olhos mais rígidos, o realizador português, que iniciou sua longa carreira no cinema como crítico, apresentou este belo trabalho no último Festival do Rio.

A história é dividida em arcos dramáticos, com prólogo, duas partes e um Epílogo. Conhecemos primeiro Dona Aurora, uma idosa temperamental que divide o andar de um prédio em Lisboa com uma mulher nascida em Cabo Verde e uma outra vizinha de bom coração. Quando há o falecimento da primeira personagem apresentada, as outras duas descobrem segredos do passado dela como uma história de amor vivida no continente africano.

O grande destaque do filme é a direção - praticamente impecável - do cineasta português. Consegue com muita simplicidade encontrar o tom certo de cada diálogo, cada plano sequência, cada momento de emoção que o filme se propõe. A estética eleva a qualidade do trabalho que deve ser elogiado por público e crítica. O plano em preto e branco é algo de destaque mostrando a coragem do diretor de produzir um filme tão longe dos padrões comerciais.

Escrito por Miguel Gomes e Mariana Ricardo, o roteiro percorre um passado também de Portugal. A própria nostalgia do império africano perdido em citações de livros antigos se mostra como sendo a juventude dos tempos atuais. Esse contraponto é deveras interessante e pode ser utilizado como ferramenta de estudo por estudiosos da área de sociologia, psicologia e antropologia.


Taxado como um projeto Cult, o longa deve fugir dos grandes cinemas aqui no Brasil. Uma pena. Por isso, como no teatro, o boca a boca pode ser a única solução para quebrar esse tabu de que filmes de artes não podem ser um bom divertimento.  

Crítica do filme: 'Tabu'

Escrito e dirigido pelo jovem talento francês Alice Winocour, Augustine tinha tudo para ser somente um filme angustiante, próprio para quem tem estômago forte. Mesmo abusando de extremismo, em cenas complexas, a estreante em longa metragem consegue o mérito de explorar as melhores características da sua dupla de protagonista - o experiente Vincent Lindon (A Criança da Meia-Noite) e a quase desconhecida Soko (As Melhores Amigas, 2006) – transformando este trabalho em um fenomenal retrato da medicina experimental.

Ambientado no final do século XIX, Augustine mostra a vida e os difíceis estudos do professor Charcot (Lindon), que trabalha no prestigiado Hospital Pitié-Salpêtriere. Dedicando a vida a resolver os problemas duvidosos da medicina, acompanhamos seu mais novo estudo, a histeria. Entre muitos testes e experimentos, a jovem Augustine (Soko), torna-se sua cobaia favorita e o professor passa de objeto de estudo para objeto do seu desejo.

As impactantes sequências ocorridas durante os experimentos executados pelo protagonista chocam parte do público. As mãos seguras da diretora conseguem capturar todas as emoções e reações dos envolvidos nessas cenas, fazendo o contraponto entre tensão e realidade. A sensibilidade encontrada pela diretora, em meio aos angustiantes episódios de experimentos é a chave do sucesso desse belo trabalho.

Os protagonistas, em seus respectivos papéis complicados, valorizam o roteiro até a última linha. A relação apresentada e que muda a todo instante – entre médico e paciente – joga o espectador em um interessante jogo com ar misterioso deixando o desfecho em aberto, o que faz o público ficar com os olhos atentos para não perder nenhum detalhe. Uma das grandes características das produções francesas é essa: prender a atenção do espectador com histórias ricas em emoção.


Não precisa ter sangue frio, nem estômago de aço. Há sofrimento e cenas difíceis mas como abordado nos parágrafos anteriores o filme é muito mais que isso. A elegância da dor de maneira raramente vista no cinema transforma essa produção num prato cheio para todo tipo de cinéfilo. Bravo!

Crítica do filme: 'Augustine'

Como reconstruir quando você só destrói? Falando sobre a busca da felicidade de um homem, o jovem cineasta islandês Rúnar Rúnarsson – em seu primeiro longa metragem -  transforma um conflito pessoal em uma obra de arte. Vulcão é o tipo de filme que você nunca ouviu falar mas que certamente vai querer debater sobre ele.

Na trama, conhecemos Hannes (Theodór Júlíusson) um rabugento fumante de idade avançada que leva a vida de maneira triste e sem novos grandes objetivos. Faz questão de ser a pessoa mais inconveniente dos lugares onde passa, sendo assim, visto por todos como um infeliz que não gosta de ninguém. Certo dia, após retornar de uma falha tentativa de suicídio, uma certa conversa que escuta desperta nele um sentimento de mudanças.

O que mais chama a atenção no longa é a descontrução do personagem - absurdamente bem feita. A lentidão apresentada neste trabalho -característica de alguns filmes de arte europeus - é extremamente necessária para captar todos os elementos que caracterizam o universo familiar que o protagonista vive. Méritos total do diretor, que também escreveu o roteiro.

Theodór Júlíusson – o ator que interpreta o protagonista da história - tem uma atuação fabulosa. Não perde um segundo o foco de seu difícil personagem, o que facilita a exposição dos conflitos para o espectador.  Toda a dor, angústia, aflição, insegurança e desespero são mostrados com uma verdade que impressiona. A todo instante, o público interage com a trama e sai do cinema sem saber se Hannes é o vilão ou o mocinho dos fatos.

A cena mais importante da película, a do travesseiro, expõe o tão longe do seu limite emocional o protagonista ja se encontrava. A dor dá lugar à compaixão, podemos interpretar não como uma despedida mais um ato de socorro de quem quer recomeçar mais escolheu muito tarde essa opção. É uma parte tocante, uma espécie de clímax desta dramática história.

O filme é de 2011 e infelizmente deve estar jogado nas locadoras que ainda restam, atrás dos blockbusters que são lançados a cada minuto pela indústria mais forte por trás do cinema. Esse belíssimo filme de arte precisa de pessoas como eu e você para ganhar força e ser usado como ferramenta de estudo dos campos da sociologia e do direito, principalmente.


Diretamente das lindas paisagens geladas da Islândia uma pérola cinematográfica brota. Vejam, não há como se arrepender. Fabuloso. Bravo! 

Crítica do filme: 'Vulcão'

Como curar um sofrimento provocado por duas pessoas casadas? Praga, o trabalho do diretor dinamarquês Ole Christian Madsen (Flammen & Citronen) é o retrato sobre um casamento em ruínas onde nenhuma das partes envolvidas é inocente. A direção é competente tentando encontrar formas diferentes de mostrar essa situação. O roteiro atrapalha a harmonia e cansa o espectador, transformando lindas imagens em um sonífero dos mais poderosos.

Na trama, acompanhamos o casal interpretado pelo astro dinamarquês Mads Mikkelsen e a atriz Stine Stengade (Flamen & Citronem) que viajam rumo a uma terra desconhecida por ambos, a princípio, para cuidar da papelada e resgatar o corpo do pai de um deles. Aos poucos vamos descobrindo segredos sobre esse tumultuado relacionamento, fato que leva os personagens a um clima de dor e desespero.

O sofrimento e a vontade de se torturar do personagem Christoffer (Mikkelsen) são escancarados na telona, provocando muita dor e angústia inflamados pelos diálogos calorosos com sua companheira Maja (Stengade). Os personagens vão ao limite de suas emoções, fica claro para o espectador. Porém, os atores que os interpretam parecem estar perdidos no meio da inconsequência emocional que se instaura. A tentativa de recriar a realidade vai por água abaixo quando há um descontrole dos atores sob os seus respectivos papéis.

O roteiro é o grande problema dessa película dinamarquesa. O objetivo dos personagens é perdido quando acontece a mudança de foco. A ida para Praga não era somente para buscar o corpo do pai, era para provocar um grande ultimato em um relacionamento doloroso que foi se construindo ao longos dos anos que passaram juntos. O filme explica essa mudança de maneira confusa o que dificulta a relação do espectador com a história.


Se encararmos como uma peça de teatro, o formato se encaixaria bem melhor. Dois atores em cena, diálogos intrigantes que chegam ao limite, poucos cenários e uma boa direção. No formato cinema, outros elementos são necessários e nesse caso, toda essa sustenção cinematográfica é terrivelmente executada. Uma pena.

Crítica do filme: 'Praga'